Musica

Dalle prime decadi del secolo si è assistito in Italia alla formazione delle prime orchestre, che si sono fortemente radicate nel panorama musicale nazionale, e con l’avvento della tecnologia e la diffusione dei mezzi di registrazione, la produzione musicale orchestrale ha subito una significativa trasformazione, consentendo una più ampia diffusione della musica sinfonica e un’apertura verso nuove sonorità e generi musicali. Tra questi, il jazz ha progressivamente assunto un ruolo sempre più dominante, accompagnato da una crescente professionalizzazione. Alla fine degli anni Cinquanta è nata a Milano la prima scuola di musica dedicata al jazz, fondata da Giorgio Gaslini, forse il primo a dare al jazz la stessa dignità della musica colta. Un processo che è proseguito senza interruzioni fino ai nostri giorni, e che è ampiamente documentato dalle interviste rivolte a dieci direttori/fondatori di «big band» italiane.

"Scritti dal Basso" racconta il contrabbasso e il basso elettrico dal punto di vista di dieci tra i bassisti più influenti della storia del jazz, e non solo, se si pensa al lavoro svolto da Jaco Pastorius o Melvin Gibbs o Eberhard Weber in ambito pop e world, al bassismo postpunk di Mick Karn e al lavoro in ambito contemporaneo di Barry Guy, Mark Dresser e Stefano Scodanibbio. Questo libro tesse una storia del contrabbasso e del basso elettrico in ambito jazz e avant, in cui il basso viene letto e scritto attraverso diverse prospettive e pensato in termini necessariamente intermediali (a partire dalla vicenda del grande Charles Mingus). Fondamentale nella scelta dei musicisti è stato il rapporto di ciascuno di essi con la scrittura e in particolare con la letteratura, sia in quanto lettori, che autori/scrittori; ossia l'aver composto delle opere di omaggio o in collaborazione con alcuni scrittori (è il caso di Steve Swallow, Bruno Chevillon, Dave Holland, Charlie Haden, Guy, Dresser,) o l'aver composto brani o album che sanno di letteratura (come nel caso di Pastorius, Weber e Gary Peacock). Ogni capitolo mette in rapporto specifiche composizioni di ciascun bassista con opere di scrittori quali Oscar Wilde, Thomas Hardy, James Joyce, Virginia Woolf, Samuel Beckett, Pier Paolo Pasolini, Kamau Brathwaite, Robert Creeley, Paul Auster e Yvone Vera. Per poi scoprire - attraversando i vari capitoli del libro, basati nella maggior parte dei casi su interviste esclusive realizzate nel corso degli ultimi dodici anni - come ogni bassista rimandi ad altri bassisti, secondo un'idea di ascolto come vibrazione e attraversamento che ci coinvolge tutti in quanto ascoltatori/performer. Quando scrivo le mie poesie, ho sempre una linea di basso che mi risuona nella testa. (Linton Kwesi Johnson) Ebbene suono il basso / o meglio è il basso a suonarmi / il mostro elettrificato a quattro corde, dal ventre grosso / quello che divora tutti gli altri suoni (Jeff Noon) Non importa che genere di musica tu stia suonando, il basso enfatizza la musica e la fa suonare più bella e piena. (Charlie Haden) Con il tempo ho iniziato a divertirmi sul serio suonando il basso; era una cosa fisica collegata al mio amore per la danza. (Kim Gordon - Sonic Youth) Il manico sottile e affusolato, la curvatura del corpo, le possibilità tonali dei due pick-up … Il Fender Jazz Bass è una delle cose più perfette mai progettate dall'uomo. (Guy Pratt) Improvvisazione e composizione sono per me due sfere separate che ruotano intorno al contrabbasso come sorta di perno centrale (Barry Guy) Il basso è dappertutto nel rock, è quel suono sicuramente che ho ricercato nella mia musica. (Bruno Chevillon) Il contrabbasso [si caratterizza per] un corpo che può diventare un set di percussioni, corde che rifulgono di suoni armonici, registro sì grave ma che può schizzare a quello acuto grazie all'alternanza rapida di suono reale e suono armonico … offrendo un ventaglio di possibilità difficilmente riscontrabili in un altro strumento, sicuramente in nessun'altro strumento ad arco. (Stefano Scodanibbio)

Nel 1890 un sondaggio d’opinione rivelò che i personaggi più celebri in Europa erano, nell’ordine, la Regina Vittoria, Bismarck e Johann Strauss junior, l’esponente di spicco della più famosa famiglia di valzeristi viennesi. Nel bicentenario della nascita di Johann Strauss junior e nel bicentenario della fondazione della prima orchestra da parte di Johann Strauss senior, questo libro ripercorre la straordinaria avventura musicale della famiglia, strettamente connessa con la danza “simbolo” del romanticismo, il valzer. Quella degli Strauss fu un’autentica dinastia, la cui storia si intreccia con quella di Vienna sino alle soglie del Novecento. Dalla fastosa capitale, Johann senior (1804 – 1849) portò il valzer oltre i confini dell’impero: un fenomeno di costume che non mancò di suscitare scandalo. Rispetto al distaccato e prevedibile minuetto, infatti, il valzer, specchio della nuova società post-rivoluzione francese, prevedeva che il cavaliere abbracciasse la partner e volteggiasse con lei liberamente, il che suscitò le proteste dei perbenisti: “Riteniamo non sia ammissibile tollerarlo in una società britannica che voglia essere morale stigmatizzava l’austero «London Time» quando nel 1826 il valzer era stato inserito nei balli di Corte! Dopo il 1848, crollato il mito dell’Austria felix fu il momento della travolgente ascesa di Johann junior (1825-1899, «la mente più musicale d’Europa» secondo Wagner) affiancato presto dai fratelli Josef (1827-1870) e Eduard (1835-1916) che all’alba del nuovo secolo mise in liquidazione l’impresa di famiglia: oltre 500 titoli in catalogo e circa 200 i dipendenti al servizio della famiglia. Il successo degli Strauss, tuttavia, continua: ancora oggi - con rigore asburgico e un pizzico di allegra follia - sulle note di An der schönen blauen Donau e della Radetzsky-Marsch si celebra il rito del Concerto di Capodanno per una sterminata platea internazionale.

Il libro propone una lettura inedita di uno degli avvenimenti più cruciali della storia degli Stati Uniti d’America: la Guerra di secessione o Guerra civile (1861–1865). L’opera ripercorre gli anni di questo tragico conflitto attraverso i canti divenuti popolari tra le truppe dell’Unione e della Confederazione. Le canzoni raccolte costituiscono dei reperti preziosi per leggere gli avvenimenti che li hanno ispirati dall’angolazione della percezione popolare e rappresentano una significativa fonte storica coeva che preserva e restituisce l’immediatezza dei sentimenti dell’epoca. La guerra civile americana, nata dalla collisione tra due società profondamente diverse, se ha riaffermato il principio d’indissolubilità dell’unione tra gli Stati, non ha tuttavia impedito che essa lasciasse una profonda frattura che riaffiora periodicamente nel tessuto della società americana. I testi dei canti riprodotti nell’opera sono inediti in Italia. Ciascun canto è presentato nella versione originale inglese, accompagnata dalla traduzione italiana e dallo spartito musicale relativo, preceduto da una nota introduttiva che lo colloca nel contesto del conflitto.

Realizzare uno studio di registrazione o produzione audio può sembrare oggi estremamente semplice: chiunque può dotarsi di tutto l’equipaggiamento necessario per produrre musica a una qualità apprezzabile nonché di materiali e prodotti per il trattamento acustico. In realtà, se lo studio viene allestito senza acquisire specifiche nozioni inerenti anche all’acustica e all’elettroacustica, i risultati possono essere deludenti. Questo libro offre una guida completa e accessibile per chi, non ancora in possesso delle necessarie conoscenze, voglia creare un ambiente per la produzione musicale o la registrazione, con risultati di qualità ma senza affidarsi a uno specialista. Il libro è consigliato anche a chi desidera realizzare una sala prove, un ambiente domestico per l’ascolto ad alta fedeltà o l’intrattenimento audio-video, uno studio per la creazione di podcast o contenuti per YouTube o altre piattaforme social.

Gli anni Ottanta non sono stati solo quelli degli yuppies e della "Milano da bere", di DJ Television e del Pentapartito al governo. Dietro la loro facciata superficiale scorreva una straordinaria creatività sotterranea che, lontana dai circuiti ufficiali, diede vita a una scena musicale ricca di talenti, idee ed energia. "Eighties Colours" ripercorre tutte le tappe del movimento neosixties che per sei anni rivitalizzò la scena musicale italiana: un circuito indipendente da cui uscirono decine di dischi, cassette, fanzine e grazie al quale vennero organizzati concerti e tour. Attraverso la viva voce dei protagonisti di allora e una minuziosa critica discografica, questo libro ci trascina nell'atmosfera di febbrile eccitazione, entusiasmo e spontaneità di quegli anni irripetibili e naïf. La nuova edizione di Eighties Colours è arricchita da una nuova introduzione, ampliata da un ulteriore capitolo e comprende una dettagliatissima discografia aggiornata al 2025.

Guido “Zazzo” Sassola e Roberto “Tax” Farano, in compagnia dello storico grafico DeeMo, risalgono a bordo del loro furgone per ripercorrere attraverso fotografie, locandine e immagini mai viste la storia dei Negazione, una delle più influenti punk band italiane, mito di più di una generazione di kids. Oltre 350 pagine in cui le fotografie storiche, e alcune mai viste, accompagnano le grafiche dei concerti i manifesti e le copertine di tutti i dischi (e alcuni testi) dell’hardcore thrash band torinese. Dedicato all’indimenticato Marco Mathieu. I Negazione sono stati un gruppo musicale hardcore punk attivo a Torino fra gli anni ottanta e novanta. Assieme ad altri gruppi, quali Indigesti, Declino, Kina ed altri, hanno costituito la base della scena hardcore punk torinese e piemontese dell’epoca e furono esponenti di primo piano di quello che fanzine e riviste come Maximumrocknroll definirono Italian hardcore, ispirando decine di band musicali, non solo punk. DeeMo, è uno dei più apprezzati grafici italiani. Ha attraversato ed è stato protagonista di almeno vent’anni di movimenti musicali underground.

Questo libro nasce come collezione di articoli fra di loro indipendenti, ma che presi complessivamente delineano un ritratto di Giacomo Puccini. Gli articoli sono pensati per chi fa uso di Puccini, per gli appassionati di lirica, per i cultori di cose toscane, o semplicemente per chi voglia avvicinarsi alla figura del musicista; ma sono anche una forma di manutenzione dell’immagine di Puccini, negli ultimi decenni in bilico fra le biografie agiografiche e quelle scandalistiche; senza poi dimenticare gli aspetti musicali e drammatici, non sempre facili da inquadrare. La scommessa è dimostrare come una visione originale e brillante della vita e dell’opera di Puccini possano essere ricavati da una lettura rigorosa delle fonti.

Le canzoni che vengono liofilizzate in questo libretto sono tra le più famose della musica italiana: dai tormentoni di Morandi, Celentano e Rettore, passando per i classici di Battisti e Renato Zero, per la canzone d’autore di De Gregori, Dalla, De André, Conte e Battiato, fino ad arrivare ai successi contemporanei di Brunori Sas, Colpaesce e Dimartino e Mahmood. Attraverso il procedimento della liofilizzazione, eliminando quindi musica, versi e rime e lasciando solo le parole nella loro essenza, l’autore prova a estrarre dalle canzoni il succo del discorso e a chiarire, attraverso lo strumento della sintesi, qual è il nòcciolo di ogni canzone e dunque qual è il punto principale, essenziale, a cui può ridursi. I risultati sono sorprendenti e, spesso, dagli inaspettati esiti umoristici. Apre il libro la prefazione di Dimartino.

Quando è proposta in modo attivo e coinvolgente, la musica diventa uno strumento educativo potente che stimola mente, corpo, emozioni e relazioni. In questo libro, rivolto a insegnanti, educatori e operatori musicali, Uirá Kuhlmann presenta un metodo innovativo e inclusivo, sviluppato e sperimentato in oltre 10 anni di esperienze con studenti di ogni età e in diverse parti del mondo. Nella prima parte vengono esposti i cinque pilastri dell'Educazione Musicale Attiva (Ascoltare, Fare, Creare, Giocare, Muoversi) e le strategie da utilizzare per il raggiungimento degli obiettivi. Nella seconda si trovano tantissime attività da realizzare con boomwhackers®, hula hoop, pupazzi, ombrelli, palle, oltre a giochi di mani, di ascolto e di movimento. Ciascuna prevede una partitura intuitiva, pensata per rendere la musica accessibile anche a chi non ha una formazione musicale specifica. Il percorso proposto è progressivo e adattabile a diversi contesti scolastici o extrascolastici. A completare il tutto, oltre 7 ore di video tra lezioni, tutorial, attività e un kit di schede stampabili per lavorare con cerchi e boomwhackers®. Un approccio davvero creativo, per stimolare le potenzialità di ogni bambino e trasformare l'educazione musicale in un'esperienza divertente e ricca di significato.

“Classic Rock” è la versione italiana dell’omonima rivista inglese, fondata nel 1988 e dedicata a tutti gli appassionati di musica rock ‘n’ roll. All’interno, trovi interviste esclusive, notizie e aggiornamenti dal mondo del rock e dei suoi protagonisti. La rivista offre anche rubriche dedicate agli eventi musicali, sia italiani che internazionali, recensioni delle ultime uscite discografiche e molto altro. Ogni mese, un focus speciale su band leggendarie e nuovi talenti, con approfondimenti che esplorano la storia, le curiosità e gli aneddoti più affascinanti della scena rock. Non mancano le sezioni per chi ama collezionare vinili, scoprire i backstage dei concerti e immergersi nella cultura rock a 360 gradi.

In Presenze/Assenze ricerca e creatività musicale si congiungono a temi letterari, filosofici, spirituali attraverso la creazione di percorsi generativi, aperti a nuove sensibilità ed esperienze. Nato all’interno del Conservatorio “F.A. Bonporti” di Trento e Riva del Garda come studio di musiciste storiche e contemporanee in una regione di confine, il progetto intende valorizzare la prospettiva femminile, dimensione che resta all’interno di un canone musicale ancora declinato prevalentemente al maschile. Attraverso letture e riflessioni collettive, ricerca musicologica e incontri interdisciplinari, si desidera far emergere la creatività femminile non solo nei suoi aspetti teorici, ma anche come sapere mai slegato dall’esperienza, dove ragione e sentire, corpo e spirito danno vita a creazioni sempre inedite.