Musica

Le case discografiche sono una realtà irrinunciabile nel contesto dell’entertainment mondiale. Dalla loro nascita nel 1889, attraverso i prodotti dedicati a una platea mondiale di pubblico che va dai dodici agli ottant’anni e oltre, queste aziende di settore hanno saputo e sanno divertire, tenere compagnia, creare atmosfera, rispolverare ricordi e nostalgie, fare innamorare o elettrizzare milioni di persone. Senza la musica non ci sarebbero queste emozioni e alle spalle della musica c’è questa impresa a volte enorme, altre volte molto piccola, ma sempre fatta di donne e uomini dotati di capacità professionali indiscutibili, menti creative in grado di mettere a frutto le proprie idee, professionisti che vanno a caccia di cantanti e compositori che abbiano qualcosa da dire e da dare, addetti ai lavori che seguono gli artisti più interessanti e li mettono in condizione di realizzare il lavoro di studio, fino a consegnarci la musica che vogliamo. “Un disco tira l’altro” traccia i profili di alcune fra le più note case discografiche italiane (come Ariston, Ricordi, Pdu, Cramps, Numero Uno, Sugar) e straniere (Warner, Columbia/Sony, Universal, Decca, Atlantic, Virgin), indipendentemente dalle loro dimensioni, analizzandone nascita ed evoluzione di pari passo con i cambiamenti della società e i progressi della tecnologia.

Come impostare il gesto direttoriale per condurre con chiarezza ed efficacia qualsiasi orchestra. Il testo si ispira all'insegnamento del grande didatta russo Ilya Musin (Kostroma 1904 – San Pietroburgo 1999), alla cui scuola si sono formati Yuri Temirkanov, Valery Giegiev, Seymon Bychkov, Rudolf Barshai, Vassily Sinaisky, Tugan Sokhiev, Teodor Currentzis. L'italiano Ennio Nicotra, allievo e assistente di Musin, ha organizzato in questo metodo i principi fondamentali della sua scuola, rendendoli finalmente disponibili a studenti, direttori e professori d'orchestra, musicisti e appassionati. Con la collaborazione del duo pianistico Bruno Canino e Antonio Ballista.

Specialmente in età adulta è difficile trovare persone con le quali collaborare in sintonia, fare progetti, capirsi e venirsi incontro pur mantenendo la propria autenticità. A noi è successo, senza preavviso: ci siamo incontrate in quel Bloom di Mezzago - di cui per scatti di Luca Ash Iacono si parlerà al centro di questo primo numero - e quel momento ha segnato l’inizio della realizzazione di un sogno che state sfogliando, che ha preso vita grazie ad un mash up eccezionale di passione, costanza, sacrificio, curiosità e dedizione. A cura di Laura Pescatori e Valeria Lucia Passoni.

Fruttuose certo, ma anche complesse, sfaccettate, difficili, talora esito di convergenze, più spesso di disallineamenti e conflittualità, sono le relazioni che intercorrono nel corso del Novecento italiano tra la sfera dell’espressione musicale e quella della comunicazione verbale. In questo volume se ne discutono alcuni aspetti, e di questi si mettono in luce momenti rilevanti: scandagli, insomma, gettati in acque quanto mai vaste e profonde, non raramente insidiose. Dedicato a un ristretto ma significativo gruppo di compositori (Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Alberto Savinio, Mario Castelnuovo-Tedesco, Luigi Dallapiccola, Luciano Berio), il volume esamina nella sua prima parte questioni di interazione tra parola poetica e musica, mentre a essere illuminati nella seconda sono alcuni episodi di collegamento tra la musica e la critica, la saggistica e, in un caso, la narrativa. Singoli tasselli, dunque, che lasciano tuttavia intravvedere un più ampio quadro d’insieme e riconoscere linee più generali di tendenza, orientamenti di gusto, mutamenti di poetica ed estetica, che proprio le esperienze di quei compositori, in misura e modi assai diversificati, hanno contribuito a determinare.

Il resoconto delle imprevedibili vicende artistiche e umane della band che ha messo in luce il leggendario tastierista Keith Emerson: i Nice, una delle esperienze più feconde degli anni '60 - l'era destinata a cambiare il corso della musica - artefici di una creativa fusione di stili (rock, jazz, folk, musica classica) generatrice di un impulso fondamentale per la nascita del "progressive". A tutt'oggi, a dispetto della loro "Vita Brevis" - per citare il titolo di un loro famoso album - l'ascolto dei Nice costituisce un'esperienza unica, in grado di valicare ogni catalogazione e aprire le porte della fantasia, come avvenne per le decine di grandi artisti che ne hanno riconosciuto l'influenza. Contiene anche un'analisi approfondita della discografia e riferimenti dettagliati al materiale non ufficiale. Prefazione di Arturo Stàlteri.

Con il contributo di Noel Gallagher. "Ogni band ha uno stile diverso. Non ho mai pensato che gli Oasis avessero un look. Altre persone lo credevano, ed è figo, ma io metterò sempre la musica prima delle scarpe. Le scarpe durano sei mesi. Le melodie vivono per sempre." (Noel Gallagher) Come nasce una band? Quali sono le innumerevoli forze che ne plasmano il suono, l'aspetto e l'identità? Nel 1993 gli Oasis firmavano con la Creation Records e si apprestavano a registrare il loro primo album. L'anno successivo iniziò con un piano ben preciso: la creazione degli Oasis. Al centro di questo progetto c'era il celebre fotografo Kevin Cummins, coinvolto per aiutare la band a trovare un'immagine che si adattasse al loro suono. In Oasis: The Masterplan, seguiamo Cummins mentre fotografa la band nel momento in cui i fratelli Gallagher definiscono la loro identità. I pensieri di Noel Gallagher su calcio, moda e musica e i suoi ricordi di quell'anno formativo si affiancano a quelli dello stesso Cummins. Pagina dopo pagina, vediamo come gli Oasis abbiano sperimentato con la moda e imparato a posare e presentarsi al pubblico, avvicinandosi all'estate del lancio del loro primo album, Definitely Maybe. Da quel momento in poi, la storia è ben nota. Questo libro svela quanto sia stato efficace il piano per portarli a quel punto.

L’adozione della “serialità integrale”, seguita alla dodecafonia ha rappresentato una delle operazioni più radicali compiute intorno al linguaggio musicale nel corso del XX secolo. Questo libro, pubblicato in una nuova edizione ampliata e che riassume un corpus di saggi precedenti, propone un’analisi della poetica di Pierre Boulez (1925–2016), a cento anni dalla nascita, cioè, di quello che è stato il più influente autore e “pensatore” della musica nel XX secolo. Il riferimento è all’utilizzo del principio seriale e al tentativo di creare, partendo da esso, un nuovo linguaggio musicale. Nel volume si affronta soprattutto la rilettura degli scritti, redatti lungo il corso di un’intera vita artistica, in cui il compositore illustra i suoi principi compositivi. “Ma è utile precisare”, scrive l’autore, “che non ho inteso distaccare la riflessione dall’opera o addirittura considerarla più importante di quest’ultima: ho dato alcuni ragguagli sui metodi compositivi (che sono d’altronde parte di una poetica) e sul carattere esteriore (il risultato sonoro) di alcune opere. Osservare gli sviluppi di una poetica nel tempo equivale a scriverne una storia che è precisamente l’immagine riflessa della produzione artistica. Per questo motivo quel che dirò delle opere sarà sempre agganciato alle dichiarazioni di poetica, e i contenuti riferimenti biografici serviranno come cornice minima della storia del compositore”.

Fuori dove? Fuori dalla cerchia della musica colta europea e dalla sua narrazione stereotipata. Fuori dal mainstream della musica popular angloamericana e dal suo etnocentrismo. Fuori, in generale, dagli orizzonti ristretti dei discorsi quotidiani sulla musica, alimentati dai media, dal marketing discografico, dagli uffici stampa. Fuori dalla convinzione che “su Spotify c’è tutto”, e se qualcosa non c’è è perché non ne vale la pena. Fuori dai luoghi comuni che riempiono la bocca, come “la musica è un linguaggio universale”. Là fuori c’è tantissima musica, vissuta da miliardi di persone, interessante, appassionante. Basta avere la curiosità e il coraggio di ascoltare, di guardare. Dedicato a Philip Tagg, un grande scopritore di musiche e di teorie sulla musica, questo libro è un telescopio puntato su universi musicali da rintracciare, e sulle loro possibili interpretazioni.

Un nuovo metodo moderno e innovativo volto alla visualizzazione dei vari elementi musicali sulla tastiera della chitarra attraverso lo studio delle posizioni. Intervalli, scale, arpeggi e accordi sono corredati di tab e box, secondo i più recenti sistemi anglosassoni (Caged Chords). Il tutto è arricchito da ricercate diteggiature. Gli esercizi e gli studi incoraggiano un approccio creativo. Un approccio allo strumento che vuole completare gli studi teorico-armonici con la gestualità musicale. Le diteggiature sono studiate per essere intuitive, trasponibili in tutte le posizioni e per evitare inutili stress alla mano sinistra. Una nuova trattazione degli intervalli su più corde. Un attento studio degli arpeggi di triadi e di settima completo e trasversale, su più ottave, nella stessa posizione e con cambi di posizione. Scale tonali e modali. Studi dimostrativi elaborati a partire dagli elementi proposti nel libro.