Musica

Questo volume nasce con l'obiettivo di offrire un primo approccio progressivo alla tecnica pianistica. Uno strumento didattico pensato per accompagnare gli allievi nei primi anni di studio del pianoforte. I 10 esercizi di tecnica qui raccolti sono stati elaborati con una particolare attenzione alla iniziale semplificazione della lettura musicale. Per questo motivo, nel vol. I, entrambi i righi sono scritti in chiave di violino, così da favorire una transizione graduale verso la lettura completa a due mani e facilitare le prime esperienze di lettura simultanea. L'organizzazione degli esercizi segue un criterio di ordine progressivo di difficoltà, introducendo in forma graduale alcuni elementi fondamentali della tecnica pianistica. L'obiettivo non è solo quello di "allenare le dita", ma anche di stimolare l'ascolto, di potenziare il senso ritmico e di sviluppare un prima forma di musicalità. Ogni esercizio può essere affrontato anche come occasione per riflettere sulla qualità del suono e sulla calibrazione del gesto pianistico.

Il presente volume raccoglie 10 esercizi di tecnica pianistica, concepiti per gli allievi nei primi anni di studio del pianoforte e disposti in ordine progressivo e crescente di difficoltà.L'obiettivo è quello di fornire un supporto didattico chiaro, efficace e graduale, volto allo sviluppo progressivo delle competenze tecniche.Non si tratta di meri esercizi meccanici, bensì di piccole composizioni nelle quali l'aspetto tecnico si integra con quello musicale.Ciascuno esercizio è corredato da: indicazioni dinamiche, volte a sviluppare la varietà espressivo a del tocco pianistico, segni di fraseggio, utili a potenziare l'espressione musicale, indicazioni di diteggiatura, pensate per agevolare l'esecuzione e la comodità di esecuzione.La presente raccolta può essere impiegata sia come integrazione al percorso curriculare, sia come pratica quotidiana per il consolidamente della tecnica base.

Questo saggio esplora gli approcci all'insegnamento dell'improvvisazione per pianisti con formazione classica, analizzando le possibili barriere nell'apprendimento dell'improvvisazione e come tali problematiche possano essere affrontate durante le lezioni.Inoltre si pone l'obiettivo di fornire delle indicazioni ai docenti sulla pratica dell'improvvisazione al pianoforte. Dopo una introduzione sulla definizione di improvvisazione e sulla storia dell'improvvisazione verranno proposti spunti metodologici che gli insegnanti potranno utilizzare per aiutare gli studenti a improvvisare.

Questa raccolta di Brani per pianoforte a 4 mani nasce con l'intento di offrire ai giovani pianisti, all'inizio del loro percorso didattico, un'opportunità divertente e formativa per avvicinarsi al repertorio pianistico a quattro mani. Suonare in duo sin dai primi anni di studio favorisce non solo lo sviluppo tecnico e musicale, ma potenzia anche la capacità di ascolto, l'attenzione reciproca e la coordinazione tra i due esecutori. I dieci brani proposti sono costruiti secondo criteri di semplicità e gradualità. La linea melodica, affidata al Pianoforte I, è spesso divisa e alternata tra le due mani, per sviluppare fin da subito una consapevolezza dell'uso della tastiera e dell'indipendenza tra mano destra e sinistra. Il Pianoforte II, solitamente con funzione di accompagnamento, può essere eseguito anche dal docente, favorendo così un dialogo musicale costruttivo e stimolante tra insegnante e allievo. Questa modalità rende la raccolta particolarmente adatta all'impiego in contesti scolastici e laboratoriali, oltre che nelle lezioni individuali o di gruppo, valorizzando pienamente la dimensione relazionale e comunicativa dell'apprendimento.

Perché di fronte alla musica classica (o “colta”) contemporanea l’ascoltatore si “spaventa”? Perché è ossessionato dall’idea di non riuscire a capirla, di non esserne all’altezza e per questo tende a evitarla come fosse kryptonite? Certo, la musica contemporanea suona “strana” e sembra parlare a un pubblico di pochi eletti, lontano anni luce dalle folle che riempiono le arene degli artisti pop mainstream. Album di alcuni artisti pop-rock come David Byrne e i Talking Heads, i Velvet Underground, i primi dischi di Franco Battiato, kid a dei Radiohead, Revolution #9 dei Beatles, sono stati amati dal grande pubblico sebbene siano molto più complessi e difficili da ascoltare rispetto a certi brani di Philip Glass, Luciano Berio, Steve Reich, Arvo Pärt e di John Cage, che invece sono considerati un fenomeno di nicchia. È allora davvero solo una questione di suoni “strani”? O forse ci sono altri motivi, pregiudizi da scardinare, malintesi da chiarire? Attraverso il racconto di alcuni brani che attingono al repertorio della musica contemporanea, dalla metà del XX secolo a oggi, Adesso potete applaudire riflette su questo argomento. Per aprire una porta e permettere, a chi sia incuriosito, di entrare in questo mondo.

Coloro che criticano aspramente e senza riflettere la musica estrema dovrebbero leggere le opere di Aristotele. Secondo il filosofo greco, infatti, l’arte dei suoni possiede la capacità di lavare via dall’animo i sentimenti negativi tramite la catarsi, la purificazione spirituale. Questo spiegherebbe perché, nonostante le perenni rimostranze dei benpensanti, risulti pressoché impossibile arginare la proliferante radicalizzazione sonora che ha preso forma a partire dagli anni Settanta del Novecento: punk, hardcore, death, black, grind e tutti i sottogeneri metal più spinti incarnano provocazione, rabbia, ribellione, nichilismo, in sostanza una gigantesca valvola di sfogo che permette di eludere, seppur brevemente, il fardello dell’esistenza e il male di vivere che permea ogni cosa; e il lato visivo non è da meno. In continuità con il suo predecessore Scandalo in copertina, questo libro prosegue nell’analisi delle copertine di dischi che si sono viste emendate o proibite dalla scure della censura, focalizzandosi questa volta sui generi musicali più rumorosi e oltranzisti. L’oscenità dei Dead Kennedys, l’irriverenza dei Black Flag, le profanazioni dei Christian Death, la volgarità dei Poison Idea, la putrescenza dei Carcass, l’empietà dei Sarcófago, la violenza dei Cannibal Corpse, il cinismo dei Mayhem: qualunque sia lo scandalo in questione, qui se ne dà conto con dovizia di particolari, svelando storie e aneddoti spesso oltre il limite della decenza.

Ma l'assassino ha ucciso il pescatore? Come si chiamava la vera Marinella? Perché Tito è chiamato “il ladrone buono”? Chi ha scritto l'originale Canzone del maggio? Di chi parla Giugno '73? Ma “l'illustre cugino De Andrade” esiste veramente? Su che disco fu incisa Caro amore e perché fu presto eliminata? Di chi sono le voci all'inizio della canzone Sidun? Cosa dicono? Chi è la Dolcenera dell'omonima canzone? Chi è “capelli corti generale” che parlò all'università? Qual è il vero nome di Princesa? Un'impresa monumentale, una ricerca minuziosa e rigorosissima fatta dall'autore, che dagli anni di “Via del campo” non ha smesso di raccogliere informazioni, cimeli, interviste, racconti di critici e fan grazie a testimonianze originali e indagini negli archivi. Il volume si sviluppa cronologicamente lungo l'intera discografia e prende in considerazione tutte le canzoni edite, ricostruendo la storia dietro ogni brano: aneddoti, curiosità, vicende personali, derivazioni letterarie e di vita che entrano in ciascun capolavoro. Non il solito libro su un nome leggendario, ma un reference fondamentale per tutti gli appassionati di De André e della canzone d'autore.

Cantante, regista, autore e visionario: Rob Zombie è una figura unica nel panorama culturale contemporaneo. Dalle sonorità industrial-metal dei White Zombie alle atmosfere malate dei suoi film horror, Zombie ha costruito un immaginario personale e inconfondibile, capace di contaminare generi, media e linguaggi. Questo saggio ripercorre l’intera carriera dell’artista, analizzando i temi ricorrenti, l’estetica, le influenze e le ossessioni che lo hanno reso un’icona dell’underground americano. Dai concerti infuocati ai set cinematografici, fino all’ultimo e controverso progetto The Munsters. Un tributo a un artista che ha trasformato il grottesco in arte e l’horror in poetica.

L'obiettivo di questo libro è di mostrare quanto la più incorporea e autonoma delle arti – la Musica – sia in realtà sostanziata delle materie e leggi del cosmo, dei principi costitutivi ed evolutivi dei viventi, delle articolazioni, emozioni e sensazioni della nostra realtà psico-corporea umana. Si tratta di rivisitare l'esperienza musicale, condensata in circa 60 termini tecnici e nelle relative definizioni dei dizionari musicali, facendone emergere le implicazioni sinestesiche, simboliche, interdisciplinari, nell'ottica della Globalità dei Linguaggi (GdL): una disciplina della comunicazione e dell'espressione con tutti i linguaggi, ideata da Stefania Guerra Lisi. Ai musicisti, insegnanti e studenti di musica il Dizionario prospetta un ampio orizzonte sull'homo musicus. Educatori e terapeuti vi trovano strumenti per valorizzare a fini formativi e socializzanti le competenze musicali più quotidiane e comuni. Gli amatori, ascoltatori o strumentisti, approfondiranno le motivazioni dei loro interessi.