Storia dell'arte: stili artistici

Il catalogo della mostra ospitata dal 7 al 28 dicembre 2023 a Firenze, nella Sala delle Esposizioni dell’Accademia delle Arti e del Disegno, raccoglie i lavori di ventisette artisti affermati appartenenti alla Classe di Scultura guidata presieduta da Antonio Di Tommaso. “Le opere d’arte degli scultori toscani d’oggi”, scrive Cristina Acidini, “risuonano come battute di un dialogo ininterrotto fra la storia e l’attualità. Esse si manifestano come forme in armonia con i ritmi visuali del territorio antropizzato di coste e campagne. E infine, attraverso i rispettivi linguaggi, s’integrano nel tempo e nello spazio costruendo ponti tra il passato e il futuro, tra qui e altrove”. Opere di: Simone Azzurrini, Pier Giorgio Balocchi, Franco Berretti, Anna Bini Rizzo Luca Calò, Roberto Ceccherini, Antonio Di Tommaso, Enrico Ferrarini Selene Frosini, Mario Geniola, Piero Gensini, Alberto Inglesi Alessandro Jasci, Lea Monetti, Valentino Moradei Gabbrielli Yoshin Ogata, Paolo Penko, Onofrio Pepe, Silvano Porcinai, Qiu Yi Bjørn Okholm Skaarup, Kumiko Suzuki, Beatrice Taponecco, Silvio Viola Antonio Violano, Wu Weishan, Aidyn Zeinalov.

L'opera che consta di 144 pagine, riccamente illustrata, vuole essere soprattutto un ricordo e anche un monito, a non dimenticare un artista che ha "segnato" la prima metà del Novecento; un monito pure alle istituzioni - le cui sedi furono immortalate dai suoi ricchissimi cicli tematici -, affinché intitolino una strada a Suo nome, come è stato fatto per tanti altri pittori. Una visione di insieme sfaccettata sotto tanti profili, dall'Accademia delle Belle Arti di Napoli con i suoi maestri, alle sue care allieve, ai ritratti di famiglia, partendo dalla amatissima moglie Maria fino alla balia. E i ritratti di mezzanotte, nel passaggio da un anno a un altro, di augurio perché l'anno che entrava lo avrebbe visto sempre con il pennello in mano. E i ragazzi di campagna, ad Agnone, la terra dove amava passare le estati, con i loro poveri mestieri, Teggiano, come a Canalone con una fanciulla pastorella con le sue caprette. Il dolorosissimo tema della Grande Guerra, trattato nel grande Catalogo della I Mostra dei Pittori del Salernitano del 1928, si è arricchito di una immagine particolare, un pilastro sormontato da una croce di ferro. E dunque arriviamo ai paesaggi, con attenzione ora al mare e alle barche, ora al verde del Cilento, con strutture e anche ruderi, vie di paese, ora alla amata Salerno, con uno sguardo dominante dall'alto, sul golfo ammirato dalla sua casa. E ancora una terrazza della costiera amalfitana e Ravello. Il Museo del Paesaggio di Moliterno, facente parte del MAM (Musei Aiello Moliterno) conserva cinque quadri, da un impareggiabile Tramonto al Verso sera a Salerno, a due opere ancora proiettate verso il Cilento, Mattino a San Marco di Castellabate e La strada per Rutino, al ritratto di un uomo dal volto molto intenso. Ultimi, non certo per importanza e bellezza, le diverse versioni di San Francesco, con il prezioso commento di Padre Beniamino da Sarno, ben conosciuto da Pasquale e la moglie Maria. Ma soprattutto, grazie alla nipote Antonella Porpora e a suo marito Bruno Tozzi, abbiamo potuto presentare opere inedite e abbiamo deciso di arrivare - grazie ad una felice intuizione di Emma Magaldi - a sessanta, un quadro per ogni anno da quando l'artista ci ha lasciati nel 1965. Naturalmente ci sono dei quadri pubblicati nel passato, laddove la loro presenza era funzionale al racconto, ma non sono stati conteggiati. Ai sessanta quadri si aggiungono disegni ugualmente inediti, con una raccolta delle maschere italiane acquerellate a colori e i sonetti in vernacolo, a testimoniare la multiforme attività artistica di Pasquale Avallone, trattati da Alessandro Basso. Lo studio, sempre in un'ottica di recupero dei valori più personali e familiari, prosegue con una nota particolare sul Pasquale Avallone come uomo, "indagato" attraverso una analisi grafologica di Emma Magaldi. Ancora Una testimonianza di Michelangelo Russo parte dal ricordo delle lezioni impartite a suo padre da Pasquale Avallone, con tutta la messe di memorie connessa a questa "testimonianza". Sessanta opere pittoriche, dunque, una per ogni anno passato dalla sua morte come si diceva, oltre ai disegni e tutte le altre testimonianze, volte a ricordare un artista di grande levatura, schivo e fedele ai valori familiari e agli insegnamenti paterni. Lo scopo di questo libro è dunque assolutamente diverso da quanto è stato scritto finora; alcune importanti analisi e testimonianze ci portano "all'interno di casa Avallone", per conoscere meglio questo pittore che Carmine Tavarone nel suo imponente studio del 2010 ha definito malinconico.

Per la prima volta viene qui messa in luce la plurisecolare storia dei marmorari di origine lombardo-svizzera che, giunti sotto la Lanterna nel Medioevo, vi si integrarono talmente bene da poterli definire a tutti gli effetti genovesi. Di essi vengono raccontate le vicende della corporazione di mestiere, lo stretto rapporto con Carrara, le tecniche di lavorazione, l’insediamento a ridosso del porto, le relazioni intessute con cavatori, patroni di barche, mercanti e uomini di finanza. Infine viene presa in esame la variegata produzione artistica, in particolare quella di cappelle e altari strutturalmente realizzati nel candido marmo apuano, dove le pietre policrome liguri si alternano ad altre provenienti da lontano, veicolate per tutto il Mediterraneo dai leudi, le tipiche imbarcazioni locali adattate al trasporto lapideo. Il volume introduce dunque nella storia dell’arte italiana ed europea i marmorari genovesi, il cui contributo appare chiaro a chi, varcando l’ingresso delle chiese liguri, è colto da una sensazione di stupore e magnificenza derivante da una complessa e articolata serie di concatenazioni ideologiche, spirituali, tecniche, materiali, stilistiche e artistiche.

Questo volume racconta una storia di materia e memoria. Al centro, un vasto insieme di reperti romani – intonaco dipinto e stucco, oltre 2100 frammenti rinvenuti ad Altino tra il I e il III secolo d.C. – restituiti alla luce da due campagne di restauro condotte dall'Istituto Veneto per i Beni Culturali. Il progetto nasce da uno spunto triplice: l'esperienza virtuosa dell'IVBC nella formazione e nella pratica del restauro, il patrimonio degli studi scientifici maturati sull'area di Altino e, infine, il dialogo costante con le fonti antiche, che accompagnano l'interpretazione della materia con la voce di Vitruvio, Plinio il Vecchio e della tradizione tecnica romana. Il libro non si limita a descrivere oggetti: segue il percorso del restauro come strumento di conoscenza, intrecciando ricerca storica, tecnica e critica. La prima sezione esplora il mondo dei materiali e delle tecniche artistiche romane – pigmenti, affresco, stucco, malte – illuminati dal confronto con i testi antichi, qui tradotti e restituiti in tutta la loro lucidità e attualità interpretativa. La seconda sezione documenta il lavoro di laboratorio: dall'analisi dello stato di fatto alla definizione delle strategie conservative, dalla distinzione tra conservazione preventiva e restauro alle ricostruzioni digitali di lacerti particolarmente significativi. Ogni intervento diventa occasione per riflettere sul senso del restauro, sulla responsabilità nei confronti dell'opera e sul rapporto tra materia, tempo e trasmissione della memoria. Tabelle analitiche, fotografie e restituzioni grafiche completano il volume, dando corpo a una narrazione che è al tempo stesso documentaria e interpretativa. Così, il restauro emerge non solo come pratica di tutela, ma come vera indagine: un metodo per restituire ai materiali – e al loro contesto storico – una voce, uno spazio e un significato.

Nata quasi sessant’anni fa, dalle prime esperienze di San Sperate e di Orgosolo fino alle influenze della Street Art la pratica del Muralismo in Sardegna continua a essere strumento di comunicazione e forma di condivisione di ideali sociali e politici. Questo volume contiene una sezione testuale e una iconografica suddivise in cinque itinerari tematici che illustrano gli aspetti fondamentali del Muralismo sardo dalle origini ai nostri giorni. Un viaggio tra storia e cultura per comprendere il significato di una forma d’arte pubblica che racconta l’anima della Sardegna.

Artista cosmopolita e sofisticato interprete del naturalismo caravaggesco, Orazio Gentileschi (Pisa 1562 – Londra 1640) fu protagonista assoluto del panorama pittorico del Seicento. La sua arte raffinata, luminosa e colta gli valse il favore delle più illustri corti europee: da Carlo Emanuele I di Savoia a Maria de’ Medici, da Filippo IV di Spagna a Carlo I d’Inghilterra. Curato da Annamaria Bava e Gelsomina Spione, il volume che ricostruisce il percorso completo di Gentileschi, incentrato sul tema del viaggio: dagli esordi toscani e romani all’incontro con Caravaggio, dalle esperienze genovesi e francesi fino al ruolo di pittore di corte a Londra, in competizione con Rubens e Van Dyck. Il tema del viaggio – geografico, artistico e umano – guida il lettore attraverso le tappe fondamentali della sua carriera e le sue relazioni con committenti, collezionisti e contesti figurativi diversi. Fulcro dell’esposizione è la monumentale Annunciazione del 1623, capolavoro assoluto della maturità, realizzata per il duca di Savoia. Prestiti internazionali, documenti inediti, un nuovo sguardo critico: questa monografia si propone come un riferimento fondamentale per comprendere la complessa parabola di un artista che fu, nel vero senso del termine, europeo.

Un insieme di storie, di voci, di immagini per tentare il ritratto di un secolo, il Novecento, che sembra non corrispondere ad alcunché di definito. Rilke pensava che sarebbe stato “di quelli più grandi”, il tempo del ricominciamento “lungo e pauroso” dalle macerie della educazione europea; anche Heidegger parla di “un secondo inizio”; ma siamo ancora distanti da quei punti – o, forse, li abbiamo già attraversati? L’impressione, in entrambi i casi (e sono molti di più), è che il Novecento non sia mai davvero cominciato e perciò non sia mai finito, e che oggi ci troviamo in uno spazio-tempo “globale”, ma senza reale continuità, in cui nowhere è now here. L’immagine della Torre di Babele è quella che più gli corrisponde per il frantumarsi della storia in una quantità di casi individuali, che, dagli anarchismi della belle époque al tempo attuale, rivela la presenza di un “Io-moderno” unico e molteplice.

Nasce il catalogo della prima mostra retrospettiva dedicata ad Antonio Vignocchi, pittore che ha fatto della natura il suo territorio di ricerca artistica e emozionale. Nei suoi paesaggi – laghi, boschi, prati e fiori colti dal vero – la realtà si fa incontro tra osservazione e poesia. Vignocchi non “descrive” la natura: la contempla, la ascolta, la lascia parlare. Ogni ramo, ogni filo d’erba, ogni pietra è colto nella sua verità più profonda, senza forzature narrative, in una pittura silenziosa e intensamente viva. La luce rivela forme mutevoli che respirano, si sfiorano, dialogano e danno vita a spazi da contemplare attraverso uno sguardo lento e immersivo. Sfogliare questo catalogo significa entrare in uno sguardo capace di trasformare il dettaglio in meraviglia, l’attimo in eternità.

[...] o pure bisognia ringratiare Idio, perché, come dico, poteva venire peggio [...] Nel 2025 ricorre il 550° anniversario della nascita di Michelangelo Buonarroti (Caprese 1475 - Roma 1564), celebrato, con mostre, convegni e altre iniziative. L’esposizione, allestita nelle sale di Palazzo Fava a Bologna, si propone di indagare un capitolo a torto rimasto nell’ombra e invece di rilievo decisivo della biografia michelangiolesca: quello rappresentato dai due soggiorni bolognesi, nel 1494-1495 e nel 1506-1508, distanti nel tempo e in differenti contesti storici ma entrambi determinanti. Il primo segna la formazione di un giovane diciannovenne, in fuga dalla Firenze medicea, il secondo coinvolge un artista trentunenne, ormai celebre, conteso dalle più alte committenze italiane, alle prese con problemi tecnici e preoccupazioni per il sostentamento economico della sua famiglia. Articolata in sezioni che mettono in relazione le opere di Michelangelo con i modelli della sua formazione e con il contesto artistico, letterario e politico della Bologna di fine Quattrocento e inizio Cinquecento, il catalogo propone una rilettura complessiva del rapporto tra l’artista e la città felsinea.

Questa edizione ristampa la leggendaria serie di Keisai Eisen e Utagawa Hiroshige Le sessantanove stazioni lungo la Kisokaidō, una splendida rappresentazione della storica via che collegava Edo (Tokyo) e Kyoto. Questo vivido affresco del Giappone del XIX secolo è al tempo stesso un importante testimonianza del suo passato imperiale e un capolavoro dell'arte xilografica.

Il volume, edito in occasione di una grande mostra monografica ospitata al MAO di Torino, è dedicato all’artista giapponese Chiharu Shiota, di cui è presentato l’ampio e articolato progetto che ripercorre la sua intera produzione attraverso disegni, fotografie, sculture, e alcune delle sue più celebri installazioni ambientali e monumentali. Spesso ispirate da esperienze personali, le opere di Chiharu Shiota esplorano l’intangibile - ricordi, emozioni, immagini e visioni oniriche, offrendo spazi di silenzio e contemplazione – e pongono interrogativi su concetti universali ed esistenziali quali l’identità, la relazione con l’altro, la vita e la morte; valicando i confini temporali e spaziali, i suoi lavori coinvolgono la parte più intima e vulnerabile dell’essere umano.