Storia dell'arte: stili artistici

"La nostra Fondazione, in memoria della restauratrice Paola Droghetti e della sua eredità professionale e culturale, continua a operare con l'obiettivo di valorizzare la formazione di giovani restauratori e sostenere progetti meritevoli di studio e di ricerca nell'ambito della conservazione. In questa prospettiva si inserisce l'ormai più che ventennale collaborazione con l'Istituto Centrale per il Restauro e quella con la Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali. Grazie alla borsa di studio della nostra Fondazione, assegnata per l'a.a. 2022/23 alla neolaureata presso la Scuola di Alta Formazione e Studio dell'ICR Valentina Rossi, è stato possibile realizzare il restauro dell'opera di Renato Mambor, Tappezzamento a pezzi, appartenente alle collezioni capitoline. Questo volume, il XXXIII della nostra collana, è appunto dedicato allo studio e al restauro di questa straordinaria opera che ha posto questioni delicate dal punto di vista conservativo e che hanno trovato, da parte dell'equipe coinvolta, le giuste e complete risposte di fronte alla complessità dell'arte contemporanea. In questo senso, "Tappezzamento a pezzi" non è solo un'opera da preservare, ma un'opportunità per riflettere sul ruolo stesso del restauro nell'arte contemporanea. L'intervento di sponsorizzazione della nostra Fondazione ha incluso anche la realizzazione di un nuovo supporto progettato per garantire la stabilità dell'opera e rispettarne l'identità strutturale e concettuale." (Dall'Introduzione di Vincenzo Ruggieri, Presidente della Fondazione Paola Droghetti onlus)

Questo volume è nato dall'intento originario di accompagnare il visitatore nella Sala Espositiva del Monastero Santa Maria della Neve e San Domenico di Pratovecchio (AR). Questa possibilità vuole ora essere resa fruibile anche ad un più ampio pubblico, prendendo per mano il lettore e facendogli riscoprire la bellezza del saper guardare con "altri occhi". Si tratta di un percorso attraverso le opere di tre antichi monasteri: San Domenico di Sesto Fiorentino, Santa Maria Novella di Arezzo e Santa Maria della Neve di Pratovecchio. È un modo per ritrovare la nostra capacità di vedere nel profondo, riscoprendo il valore del simbolo: un cammino che non si ferma alla semplice conoscenza esteriore ma ci riporta dentro l'opera, al cuore del suo messaggio. Un cammino tra arte e fede, che si apre a nuove vie dello sguardo, con particolare attenzione riservata alla spiritualità domenicana.

«Nell'arte di Cossyro si rinviene, in ogni ciclo, una valenza storico critica, un pensiero che si interroga sulla condizione umana, sulla realtà del nostro tempo, sulla scienza e i fenomeni che essa studia, sulla cultura che l'arte stessa contribuisce a determinare. Alla scienza e agli enormi e inarrestabili sviluppi della tecnologia, Cossyro ha dedicato molte sue esperienze, i cui caratteri sono rivolti a 'estrarre' dall'immaginario quanto la scienza stessa affacciata con i telescopi sugli universi ormai 'multiversi' o sui potentissimi strumenti puntati sulla fisica subatomica, ha ancora difficoltà a definire completamente.» (Bruno Corà)

La pala d'altare, principale elemento figurativo e liturgico nell'Europa cristiana dal Medioevo all'età moderna, ha assunto forme diverse nello spazio e nel tempo. Il volume, frutto di una tesi di dottorato di ricerca, propone un panorama complessivo delle tipologie delle pale dipinte nel Regno di Napoli tra il 1443 e il 1530. All'interno di questo arco cronologico, la centralità mediterranea del Regno è alla base di pale spesso anomale rispetto ad altri contesti italiani, caratterizzate dall'ibridazione di soluzioni tardogotiche e rinascimentali e di elementi appartenenti a varie tradizioni culturali. L'indagine offre una classificazione delle diverse tipologie, delle loro specificità formali e dei caratteri tecnico-strutturali, come base per affrontare in ottica innovativa anche gli aspetti figurativi, stilistici e iconografici, indispensabili per la ricomposizione dei complessi smembrati. A corredo del volume è un'appendice documentaria relativa a contratti di allogagione di pale regnicole e una serie di tavole sinottiche che riepilogano le tipologie meridionali di dipinti d'altare.

Per la prima volta in Italia, una grande mostra che racconta visivamente le tappe fondamentali della grafica giapponese in un viaggio che dal periodo Edo (1603- 1868) conduce fino ai nostri giorni. Il volume intende offrire al pubblico generico e specializzato uno spunto ulteriore di riflessione rispetto a quanto fino a oggi proposto sul continuo e rinnovato fascino che la grafica giapponese continua a esercitare non solo sul pubblico straniero occidentale ma anche asiatico e giapponese. Una potenza e una efficacia visive segnate da un legame profondo tra segno, immagine e colore che spesso si fondono caratterizzando in modo diverso ma unico la creazione artistica, la produzione artigianale e la comunicazione commerciale di questa cultura. Una narrazione che esplode e si esplicita prima nella grafica alla moda del mondo fluttuante che condensa il sapere artistico originale giapponese, poi nell’evoluzione tecnologica di epoca Meiji che pone la grafica a servizio dei fini industriali e infine nella produzione del Dopoguerra che segna la contemporaneità del graphic design attraverso manifesti e manga in un contesto internazionale senza perdere la propria identità culturale.

Il catalogo accompagna Artificial Beauty, la prima grande mostra istituzionale a Milano di Andrea Crespi, a cura di Alisia Viola e Sandie Zanini. Dopo le acclamate esposizioni alla Triennale di Milano, al CAFA Art Museum di Pechino, al MAGA e a Times Square, Crespi si conferma artista capace di ridefinire, con linguaggi ibridi e visioni stratificate, il rapporto tra arte, tecnologia e società. Il volume esplora il cuore della mostra: la trasformazione radicale della bellezza, intesa non più come armonia, ma come campo di tensione continua tra fisico e digitale, umano e macchina, emozione e algoritmo. Attraverso una ricca documentazione fotografica delle opere – che spaziano da pittura e scultura a complesse installazioni e opere digitali – il catalogo offre un percorso critico e visivo sull’oscillazione tra memoria e futuro. Le schede e i saggi critici dei curatori e di esperti esterni analizzano i temi centrali: classico vs sintetico, emozionale vs computazionale, e l’opera d’arte come dispositivo relazionale che invita il pubblico a ridefinire concetti chiave come identità ed evoluzione.

Pittore ufficiale della Bertram I.B.S. ha realizzato opere per importanti collezionisti tra cui Re di Spagna Juan Carlos di Borbone, il Principe Ranieri III di Monaco, Sua Altezza Principe Alberto di Monaco, e personaggi legati all'aristocrazia degli Emirati Arabi. Prestigiosi yacht club in Italia e all'estero e circoli canottieri hanno i suoi profili, così come molte illustri personalità: Luca Cordero di Montezemolo, Diego della Valle, Antonello Venditti, il pilota Giancarlo Fisichella per citarne alcuni. Il suo lavoro si è poi principalmente dedicato agli smalti laccati, ex voto laici, eseguiti su tavolame proveniente da barche abbandonate, ma anche fasciami recuperati durante il restauro di importanti imbarcazioni che hanno fatto la storia, utilizzati successivamente per dipingervi i suoi profili. "Salvare questi legni" diceva Criminelli "è come farli navigare ancora restituendo loro una nuova dignità, nella speranza che attraverso il loro racconto si possano recuperare e tenere vive tante tradizioni".

Il volume ripercorre l’intera parabola creativa di Mattia Moreni (1920–1999), figura centrale dell’arte europea del secondo Novecento, restituendone la complessità, la forza visionaria e la radicalità sperimentale. Dalle prime ricerche tra postcubismo e astrazione “macchinistica” alla stagione informale che ne consacra il ruolo di protagonista, il libro segue l’evoluzione di un linguaggio inquieto e in continua trasformazione: dal neoespressionismo impetuoso ai provocatori autoritratti, dalle riflessioni sul “regressivo della specie” alle popolazioni di umanoidi che affollano il suo immaginario, tra fumetto, allegoria e premonizione. Attraverso saggi critici e un ricco apparato iconografico, il volume mette in luce la potenza emotiva e anticipatrice della sua opera, che esplora con lucidità – e spesso con ferocia poetica – i rischi di una mutazione collettiva, genetica e mentale.

Il catalogo raccoglie un ciclo di opere inedite di Eugenio Levi (1937-1995), costituito da trenta disegni e una tela, scoperti dopo la sua scomparsa. Realizzate nell’ultimo periodo della sua vita – lo stesso in cui l’artista presentò l’importante mostra dedicata alle canzoni di Francesco De Gregori al Palazzo delle Esposizioni di Roma – queste opere testimoniano la complessità del linguaggio pittorico dell’artista. La figura della modella, a noi sconosciuta, diventa un pretesto per esplorare l’interiorità umana, restituita attraverso l’immediatezza del disegno. Il catalogo documenta inoltre la mostra allestita a Gussago (BS), presso la chiesa di San Lorenzo dall’8 al 30 marzo 2025.

Il catalogo raccoglie le ultime grandi installazioni di Roberto Ciroli: Fuga scomposta dall’antropofago ciclope contorno, con trentuno personaggi in fuga dal Ciclope contorno, e Danza macabra sospesa, in un’originale interpretazione del tema tardo medievale. Sono inoltre pubblicati gli schizzi preparatori della prima installazione e un ciclo di disegni, dal titolo Danza macabra in slippini poco raccomandabile. Le opere, inedite e realizzate site specific, evidenziano il dialogo che l’artista tesse con il passato in una rilettura originale caratterizzata dalla sperimentazione dei materiali e dal linguaggio grottesco. Il catalogo documenta inoltre la mostra allestita presso la galleria Artequarantuno di Salò, dal 27 ottobre al 18 novembre 2025. Il testo critico è corredato dalle fotografie delle opere, realizzate da Alberto Mancini.

Il volume ripercorre il ruolo centrale di Wassily Kandinsky (1866–1944) nel panorama artistico europeo di inizio Novecento, seguendo l’evoluzione dell’Astrattismo dai primi anni del secolo al secondo dopoguerra, dalle avanguardie storiche alla piena maturità del linguaggio non figurativo. Attraverso l’analisi del suo pensiero e della sua opera emerge la portata radicale della sua ricerca e l’influenza esercitata sui grandi maestri europei a lui contemporanei – da Paul Klee a Jean Arp, da Joan Miró ad Alexander Calder – uniti dalla tensione verso un’arte capace di superare i confini del reale. Attraverso un approccio storico e critico, il volume indaga anche l’impatto decisivo di Kandinsky sulla scena italiana: dalla storica personale del 1934 alla Galleria Il Milione, che orientò artisti come Lucio Fontana, Osvaldo Licini, Fausto Melotti, Manlio Rho, Enrico Prampolini e Atanasio Soldati, fino al secondo dopoguerra, quando i gruppi Forma 1, MAC e Origine e figure come Carla Accardi, Giuseppe Capogrossi, Piero Dorazio, Achille Perilli ed Emilio Vedova trasformarono l’eredità spirituale kandinskiana aprendo la strada all’Informale e all’Espressionismo astratto.

A un secolo dall’Expo di Parigi del 1925, che sancì l’affermazione dell’Art Déco, il Museo della Ceramica di Savona presenta il più ampio progetto espositivo della sua storia: "Nel tempo del Déco. Albisola 1925". La mostra ricostruisce la stagione in cui la collaborazione tra artigiani e artisti trasformò la produzione ceramica locale, imprimendo al territorio una capacità di rinnovamento destinata a segnare il Novecento. Frutto di ricerche d’archivio in parte inedite, il volume offre una mappatura delle decorazioni albisolesi attraverso centinaia di manufatti. Un approfondimento — condotto presso il Museo Trucco di Albisola Superiore — è dedicato a Manlio Trucco, figura chiave insieme a Pacetti e ai fratelli Mazzotti. L’eredità di Albisola 1925 trova nuova vita nella sezione contemporanea dedicata ad Andrea Salvatori, artista e collezionista, che rielabora lo stile originario generando opere di grande forza immaginativa. La mostra restituisce al territorio una stagione irripetibile di creatività e intraprendenza, riaffermando una tradizione capace di trasformarsi nel tempo.