Moebius

Quella che si configura a Gradisca d'Isonzo è una sorta di quadreria combinatoria del disegno novecentesco: un affascinante tessuto visivo composto da opere su carta provenienti da collezioni private, normalmente sottratte allo sguardo del pubblico. Un'occasione preziosa, dunque, per accedere a un patrimonio spesso celato, emerso in questa sede come da una camera del tempo. Ogni collezione, d'altronde, e sempre un dispositivo pluritemporale: una piattaforma trasversale in cui si stratificano temporalità disgiunte, ritmi dissonanti, desideri spesso mossi da tensioni estetiche sincere ma anche da un'irriducibile componente narcisistica. E tuttavia è proprio da questo intreccio di volontà e visioni che la storia dell'arte si alimenta, così come lo spazio museale, luogo per eccellenza della condivisione estetica e della memoria culturale collettiva In questa prospettiva, l'opera d'arte che riaffiora dal fluire indistinto degli eventi assume la forma di un relitto restituito alla riva dopo una tempesta: testimonianza residua, ma eloquente, di un naufragio della memoria, pronta a essere riassemblata, riletta, reinserita in un nuovo orizzonte interpretativo. Il nucleo di opere qui presentato, per la prima volta esposto in un contesto museale, risponde a una precisa volontà di disvelamento e restituzione. Trascolora dalla fruizione privata alla dimensione pubblica, trasformando un piacere individuale, o per pochi, in un atto concreto di generosità: un'offerta tangibile di bellezza, da condividere sensorialmente e intellettualmente.

Il volume Dalí. Rivoluzione e Tradizione presenta una selezione di oltre sessanta opere tra dipinti e disegni, accompagnate da documenti fotografici e audiovisivi, che indagano l’universo creativo dell’artista e il suo profondo rapporto con i grandi maestri del passato e del suo tempo. Dalí, fin dalla sua giovinezza, durante gli anni formativi e per tutta la sua carriera artistica, ha sempre dimostrato una profonda consapevolezza del mondo che lo circondava. La sua personalità attenta, intuitiva e curiosa lo ha portato a esplorare e riflettere su vari campi del sapere. L'arte, pur non essendo l'unico oggetto dei suoi studi, è diventata naturalmente il suo principale soggetto di analisi. La produzione artistica di Dalí, dalla giovinezza fino alle ultime opere, oscilla costantemente tra due poli apparentemente opposti: rivoluzione e tradizione. Dalí nutre una profonda ammirazione e attrazione per i maestri del passato, tra cui i suoi prediletti: Velázquez, Vermeer, Raffaello. Non si può tuttavia dimenticare un altro artista, suo contemporaneo e connazionale, con il quale Dalí intrattiene un rapporto ambivalente: Pablo Picasso.

Nella Parigi dei boulevard, dei caffè, dei teatri e dei salotti, nasce la modernità. Tra il 1870 e il 1910, una generazione di artisti italiani sceglie la capitale francese come luogo di formazione e di libertà: Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis e Federico Zandomeneghi e altri straordinari protagonisti trasformano la vita quotidiana in pittura, catturando la luce, il movimento e l'eleganza del tempo nuovo. Il volume, curato da Francesca Dini, ricostruisce questa stagione irripetibile, in cui l'arte italiana dialoga con l'Impressionismo e con la nascente cultura della modernità, tra mondanità, introspezione e poesia urbana. Un viaggio nell'anima luminosa e inquieta della Belle Époque, quando Parigi divenne il cuore dell'arte europea.

Stregherie invita a un incontro con l'oscurità, con l'immagine di un sapere proibito che da secoli sfida la storia e l'arte. La figura della strega, simbolo di conoscenze segrete e poteri invisibili, ha attraversato le epoche, mutando volto tra paura, venerazione e disprezzo. Oggi la strega risorge, reinterpretata, per sfidare le convenzioni e rivelare dimensioni nascoste dell'essere. Un viaggio senza tempo tra iconografia, mito e folklore, un percorso guidato dove il mistero della strega si fa specchio del nostro stesso animo.

Nella ricercata penombra della Pinacoteca della Veneranda Biblioteca Ambrosiana la Natura Morta di Jago sta come inquietante contrappunto contemporaneo alla celebre Canestra di frutta di Caravaggio. Questa congiunzione di epoche, sospesa fra l’osservanza filologica dell’eredità classica e il vigore critico del presente, dà vita a un discorso senza soluzione di continuità che, nella visione di Aby Warburg, trasforma la storia dell’arte in un percorso mnestico, lungo il quale ogni opera riverbera delle presenze di quelle che l’hanno preceduta e può essere risignificata da quelle che ne hanno attinto ispirazione.

Casa o prigione? È da questa domanda che prende vita la mostra diffusa curata da Nicolas Ballario per il Sistema Museale del Valdarno: un itinerario tra i musei della valle dell’Arno dove l’arte contemporanea incontra la storia, lo spazio e l’identità dei luoghi. Le opere di Valerio Berruti, Leandro Erlich, Sofia Uslenghi, Vedovamazzei, Gianni Lucchesi, Daniele Costa, Oliviero Toscani, Alberto Agosti e Michelangelo Pistoletto non si limitano a essere esposte: interrogano, provocano, aprono nuovi varchi di senso. Ispirata al manifesto censurato di Maurizio Cattelan – “Ribellati. L’unica prigione è la tua mente” – la mostra mette in discussione il museo stesso: spazio di conservazione o luogo di libertà? Rifugio o gabbia dorata? Un percorso che sfida ogni confine, sovverte le certezze e invita a guardare l’opera – e noi stessi – con occhi nuovi.

Quello degli anime è un universo vasto e vibrante. Dai magici diademi ai super robot, dalle sfere del drago ai cacciatori di draghi, è pervaso di cultura giapponese e trabocca di grandi successi imperdibili. I neofiti potrebbero sentirsi sopraffatti. Lo scopo di questo libro è aiutarli. Affidatevi a questa guida curata da un esperto per scoprire la profondità, l’ampiezza e la genialità del più grande prodotto d’esportazione giapponese. Attraverso più di cento titoli enfaticamente presentati, potrete ripercorrere le orme dei registi più influenti del mezzo cinematografico e scoprire i generi fondamentali e i tropi ricorrenti che danno forma alla narrativa degli anime. Dall’effimera tragedia d’autore di Belladonna alla garbata spavalderia di Cowboy Bebop a La malinconia di Haruhi Suzumiya, pietra miliare del genere, ci sono mondi oltre i mondi in cui vale la pena di tuffarsi, tutti inaspettatamente collegati da idee, un linguaggio visivo e una sfrenata contaminazione creativa che li accomuna. Man mano che riconoscerete schemi e riferimenti, ogni titolo vi condurrà al preferito successivo e a un amore più profondo per questa forma d’arte. Diventerete “otaku” senza neanche accorgervene.

Giuseppe Zigaina si racconta. Attraverso i suoi quadri, i suoi disegni, le incisioni. Nelle dichiarazioni teoriche, negli scritti autobiografici, nelle interviste. Parla di sé e della sua pittura, rilegge e interpreta il suo percorso artistico, scegliendo di volta in volta interlocutori differenti. Questo libro vuole ricostruire due "storie", che si svolgono in periodi per Zigaina particolarmente significativi. La prima parla di una mostra, "Zigaina opera grafica 1947-1972", che si inaugura a Gradisca nel 1973 negli spazi dell'attuale Galleria Spazzapan, e del dialogo del pittore con Giuseppe Marchiori: un'esposizione all'insegna del disegno, che diventa l'occasione per tracciare una linea di sviluppo coerente tra le prove del periodo realista e le più recenti, densamente simboliche, indagini Dal colle di Redipuglia. La seconda accende i riflettori sulla donazione al CSAC dell'Università di Parma, l'archivio/museo universitario fondato nel 1968 da Arturo Carlo Quintavalle: più di cento opere (dipinti, disegni, incisioni) che documentano la ricerca di Zigaina dalla fine degli anni Quaranta a metà degli anni Ottanta, ma soprattutto permettono di ricostruire un processo di elaborazione, una metodologia di lavoro. Nella sequenza delle immagini è infatti possibile seguire passo passo, a partire dai primi schizzi, quella continua trasformazione, contaminazione di nuclei figurali che si sviluppa a volte nell'arco di decenni e che lega scenografie e tele, bozzetti e acqueforti.

Avvolto da linee sinuose e atmosfere oniriche, l’universo di Alphonse Mucha ha saputo trasformare il volto dell’arte tra ottocento e novecento, diventando il simbolo stesso dell’art nouveau. Le sue figure femminili, eteree e potenti, evocano una bellezza senza tempo che dialoga tanto con l’eleganza mondana di Giovanni Boldini, maestro della ritrattistica belle époque, quanto con la grazia ideale e armoniosa di Sandro Botticelli, cantore del rinascimento fiorentino. Questo volume accompagna il visitatore in un viaggio che intreccia raffinatezza decorativa e suggestione simbolica, rivelando come la visione di Mucha si collochi in un continuum di stile e poesia che, dall’eterno mito botticelliano alla frenesia elegante di Boldini, giunge a incarnare la modernità di un’epoca.

Considerato uno dei più grandi interpreti della pittura del Novecento, Marc Chagall si distingue come un maestro del colore e delle emozioni. Artista che ha affrontato con coraggio temi come l’esilio e il dolore del distacco, senza mai perdere di vista l’amore, i sogni e le divinità. La sua capacità di comunicare temi universali attraverso un linguaggio poetico e onirico gli permette di toccare il cuore di tutti. Nelle sue opere, Chagall affronta argomenti cari a lui, come l’attaccamento alla terra natia, la religione, la ricerca del proprio posto nel mondo, l’amore e la poesia. Nel corso della sua carriera, attraverso dipinti e scritti, ha creato un universo personale, un mondo lirico e fantastico nel quale tutto è possibile. Questa monografia raccoglie una selezione di oltre duecento opere, tra dipinti e lavori su carta che ci accompagneranno in un viaggio straordinario e consentiranno di comprendere la profonda umanità dell’opera di Chagall, artista plurale, visionario e testimone del suo tempo, cantore della bellezza e custode della memoria.

Nella prima metà del Novecento, Fernand Léger dipinge oggetti e scene della vita quotidiana - chiavi, sedie, guanti, cappelli, lettere, animali, acrobati, ciclisti... Scompone linee, forme e colori, abbandonando l'illusione del reale e sovvertendo le gerarchie artistiche tradizionali. La sua pittura, gioiosa e accessibile, invade gli spazi pubblici e si diffonde ovunque. Negli anni Sessanta, una nuova generazione di artisti, i Nouveaux Réalistes, raccoglie questo slancio: timbrano, lacerano, accumulano, comprimono, parodiano, bruciano, elettrizzano, mangiano, giocano, trasformando ogni gesto in una celebrazione della vita. Parallelamente, negli Stati Uniti, altri artisti si appropriano dell'eredità di Léger, mostrando quanto sia ancora attuale la rivoluzione inaugurata da questo pioniere delle avanguardie.