Moebius

"Un'opera d'arte può venire solo dall'interno dell'uomo. L'arte è la forma dell'immagine formata sui neri, il cuore, il cervello e l'occhio dell'uomo." (Edvard Munch)

Vita nel pomeriggio è il racconto di un viaggio nel mondo della tauromachia al seguito del famoso matador Sebastien Castella. Sulla scia di Ernest Hemingway, ripercorre la sua “estate coraggiosa” viaggiando con il noto torero durante la "Semana Grande" di Bilbao, tra corride e festeggiamenti, incontrando personaggi e luoghi dell’antico e affascinante mondo della corrida. Assieme a Sebastien Castella esplora dall’interno i rituali, le dinamiche, le regole della corrida. Entra nella psicologia, subisce gli sbalzi di umore, i capricci, la tensione, le strategie e le tattiche di matador, banderilleros e picadores. Apprende i criteri per l’allevamento, per la selezione e l'allenamento degli animali, tori e cavalli. Vive la liturgia della vestizione del matador, descrivendo l'atelier di Fermin a Madrid e l'importanza dei "vestiti di luce" che esaltano la figura del toreador. Nel suo viaggio con Castella, l’autrice incontra e intervista anche il banderillero Josè Chacon, il Mozo de Espada Daniel Rosado, El Cid, Lea Vicens e tanti altri dai quali scaturiscono sfide e motivazioni, legami e competizioni, rivalità e passioni, dei protagonisti dell’arena.

Il catalogo della mostra al museo Cleve Carney Museum of Art di Chicago, presenta una collezione di opere giapponesi, offrendo al pubblico un’approfondita conoscenza della produzione pittorica giapponese del periodo Edo (1603–1868), in particolare dell’ukiyo-e, le “immagini del Mondo Fluttuante”. Nel volume sono presenti una selezione di dipinti su rotoli verticali appesi (kakemono) e rotoli orizzontali dipinti a mano dai grandi maestri delle diverse scuole, a partire dalla metà del XVII secolo. Sono inoltre pubblicate stampe xilografiche a colori con contorni in nero e parti dipinte a mano – una tecnica che si è evoluta nelle nishiki-e, le celebri “immagini broccato” policrome – oltre a ventagli stampati e dipinti, e oggetti d’alto artigianato che testimoniano la ricca tradizione artistica e artigianale giapponese, come giochi da tavolo e strumenti musicali, raccontando l’evoluzione del gusto, delle mode e della cultura dell’intrattenimento sviluppatasi durante la lunga pace Tokugawa corrispondente al periodo Edo. Le straordinarie opere in mostra provengono dalle prestigiose collezioni italiane del Museo d’Arte Orientale E. Chiossone di Genova.

Il professor don Antonio Bonato ha dedicato gran parte delle sue pubblicazioni alla persona, alle opere e al pensiero di sant’Ambrogio, vescovo di Milano, pastore, poeta, teologo, mistagogo, predicatore appassionato. Questo volume ha per tema il progresso spirituale del cristiano così come è presentato nel lungo e articolato commento al salmo 118. In effetti il commento di Ambrogio al Salmo 118 si rivela un’opera di straordinaria ricchezza teologica, spirituale e pastorale: e le pagine illustrative del professor Bonato lo dimostrano in maniera eccellente, riuscendo a rendere immediatamente gradevole la lettura dello scritto santambrosiano anche nei passaggi più ardui e retoricamente elaborati. Infatti, scorrendo le pagine di questo volume, il lettore percepisce come il commento di Ambrogio al Salmo 118 non sia solo un’opera di esegesi biblica (in alcuni passaggi forse per noi “astrusa” o troppo “allegorica” per la nostra sensibilità moderna), ma un vero e proprio itinerario di fede, che ancora oggi è capace di offrire spunti di riflessione preziosi per chiunque desideri approfondire la propria relazione con Dio e progredire nel cammino di perfezione cristiana.

Andrea Chisesi presenta qui un nuovo ciclo, un esteso omaggio alla storia dell’arte che si rifà alle Metamorfosi del poeta latino Ovidio. Il poema epico fu iniziato nel 2 d.C., poco prima che l’autore venisse destinato all’esilio, e terminato nell’8 d.C. Si tratta di una storia universale che spazia dalla cosmogonia alla Roma augustea; di un catalogo di miti, perché offre un immenso inventario di divinità, eroi, ninfe, efebi e satiri; di un'inesauribile miniera a cui ha attinto l’intera tradizione letteraria e artistica europea.

Il catalogo della mostra Glacial Threads non è solo un complemento all’esposizione: è una lettura che invita a riflettere sul nostro rapporto con l’ambiente, l’arte e il futuro. Al centro del progetto, la visione unica di Michelangelo Pistoletto, maestro dell’Arte Povera, che con il suo linguaggio creativo esplora il legame tra opera, spettatore e società contemporanea. La Valle d’Aosta, con i suoi ghiacciai e le sue foreste, è il punto di partenza di un racconto che unisce etica ed estetica. Il catalogo documenta come i materiali tessili, usati per rallentare lo scioglimento dei ghiacci, diventino simboli di un nuovo modo di produrre, pensare e vivere.

Nel cuore della Val Ferret, ai piedi del Monte Bianco, Michelangelo Pistoletto lascia un segno potente e visionario: Il Terzo Paradiso. Un’opera simbolica che invita a riflettere sul futuro del pianeta, sull’equilibrio tra natura e artificio, sull’urgenza di un cambiamento. Con Il Terzo Paradiso, il maestro dell’Arte Povera immagina una nuova fase dell’umanità, dove l’innovazione si integra armonicamente con l’ambiente naturale. In questo paesaggio incontaminato, l’arte contemporanea si fa messaggio etico, linguaggio universale che parla di sostenibilità, consapevolezza e rinascita. Per un’arte che fa pensare, per studiosi, appassionati e chiunque voglia esplorare una nuova idea di futuro attraverso il linguaggio simbolico e rivoluzionario di Pistoletto.

Villa Caffetto è un significativo esempio di architettura brutalista italiana da riscoprire: un’ampia e articolata casa-museo, progettata nel 1974 dall’architetto Fausto Bontempi per l’imprenditore e artista Claudio Caffetto nel comune di Calcinato in provincia di Brescia, e completata nel 1976. Questa villa è stata concepita non solo come casa per abitare ma anche come spazio espositivo e luogo di ritrovo e di scambio culturale per artisti internazionali. Ecco allora che tra architettura e arte si innesca un interessante processo di simbiosi, di confronto tra materia, luci, volumi e forme che si fondono in un dinamismo espressivo lirico creando un’esperienza poetica e suggestiva: una relazione complessa in grado, ancora oggi, di stimolare il dialogo, la creatività.

Un visionario dietro l'obiettivo. Negli spazi affascinanti di Camparìa Museo a Favignana, con i maestosi ambienti delle Trizzane che risuonano ancora dei canti e delle preghiere dei tonnaroti, l’opera di Corrado Bonomi trova una risonanza ideale. La sua ricerca racconta il cambiamento del mare. Dall’oceano mitologico di Ulisse, con la sua geografia incerta e i suoi mostri marini, al mare dello sfruttamento intensivo delle risorse ittiche e dell’invasione delle plastiche dei nostri giorni. Il volume testimonia un progetto unico che celebra Corrado Bonomi, tra i più importanti protagonisti del Concettualismo Ironico, con ampi riconoscimenti in ambito nazionale e internazionale, e racconta il legame immaginifico e poetico di Corrado Bonomi con il mare e i suoi infiniti abitanti, invitando lo spettatore, attraverso la sua cifra stilistica che da sempre è l’ironia, a riflettere su temi profondamente attuali come la sostenibilità, l’economia circolare, l’inclusione e l’immigrazione

Il corpo umano, frammentato o nella sua interezza, è il fulcro della ricerca espressiva di Carole Feuerman. Attraverso la rappresentazione del corpo, l’artista articola il suo dialogo più profondo con la condizione umana contemporanea, trasformando la superficie della pelle in una mappa complessa di significati che vanno ben oltre la mera rappresentazione fisica. La fedeltà a una visione del corpo come medium comunicativo, centrale nell’arte degli anni Sessanta e Settanta, stabilisce una continuità tra i primi disegni dell’artista, i frammenti di corpo di inizio carriera, e i più recenti frammenti di corpo tatuati, un percorso a tappe che trova il suo momento topico nelle sculture di bagnanti e di atleti.

Di Arturo Vermi (1928-1988), dell’inquieta cordata del Gruppo del Cenobio, si tracciano i luoghi: da Bergamo a Milano con il suo quartiere di Brera, restituendoci, sotto vari profili storico-critici, un’esistenza legata alla pittura segnica, vestita d’una qualità morale offerta nella salda compattezza della sua poetica. Una visione mossa per rullii evolutivi, senza cedimenti, con un registro pertinente a un’indole armonica. Accadimenti d’una civiltà creativa, può leggersi nel saggio di Aldo Gerbino, che l’artista bergamasco osservae interpreta come “vasi comunicanti” e in cui le varie esperienze estetiche, che scuotono i primi anni Sessanta, sfociano negli invitanti bersagli della scrittura, del minimalismo spirituale, dei fertili umori tratti dal rapporto con la Natura e l’interezza del cosmo. Desiderio di novelle istanze avvalorate dallo sguardo di Lucio Fontana, vissute, oltre che da Vermi, da Agostino Ferrari, Ugo La Pietra, Ettore Sordini e Angelo Verga.

Muovendosi nel solco di una tradizione artistica che trova nella natura la chiave per interpretare il mondo e l’interiorità umana, Giovanni Frangi eleva il cielo a soggetto unico e lo trasforma in luogo simbolico, una dimensione che trascende il visibile per raccontare l’invisibile. Nella complessa “galassia aeroportuale” di Malpensa, in cui milioni di viaggiatori percorrono le proprie traiettorie in una sorta di automatismo, proprio come i corpi celesti seguono le loro orbite nell’Universo, la Soglia Magica rappresenta un elemento di rottura della continuità architettonica e spaziale. Ci si ritrova inaspettatamente in un palcoscenico dal nero profondo, in cui i potenti panorami di Giovanni Frangi e la mutevolezza dei suoi cieli fanno da portale verso un altrove che è simbolo di un paesaggio interiore, metafora universale della condizione umana.