Storia dell'arte: stili artistici

Un dossier dedicato ai Bronzi di Riace. In sommario: Un inizio avventuroso; La Grecia e l'arte greca nel V secolo a.C.; Atene culla della civiltà classica: grandezza e contraddizioni; I Bronzi di Riace: opere diverse, programma comune?; Olimpia, Argo e Tebe, Tideo e Anfiarao; Statue di bronzo: tecniche di fusione e problemi di conservazione, elementi di rischio e idee inopportune. Come tutte le monografie della collana Dossier d'art, una pubblicazione agile, ricca di belle riproduzioni a colori, completa di un utilissimo quadro cronologico e di una ricca bibliografia.

Metaleone’s Abstreet 2005-2023 è essenzialmente una monografia artistica ragionata che manifesta un progetto di ricerca in cui l’idea di «stratificazione» — materiale, cromatica, di linee e di layers (strati), per rifarci ad una terminologia tecnico-grafica di matrice digitale — risulta preponderante. L’obiettivo della poiesi dell’artista milanese sembra essere quello di trasformare una macrorealtà socio-estetica, spesso anche politica, a metà strada tra protesta e vandalismo, come quella dei graffiti, dei tag, dall’aerosol art o del writing, in vera e propria arte “da galleria” dalla forte e travolgente personalità a tratti pop, a tratti neoplastica.

La scelta del Maestro Antonio Saladino di esporre le proprie opere nel Museo Archeologico di Lamezia Terme, città dove vive e svolge la sua attività, è motivo di sincero orgoglio e rappresenta un’occasione importante per allargare l’offerta culturale e favorire la crescita del nostro territorio. È un “passaggio” dal passato al presente, con l’esposizione di opere contemporanee dell’artista tra i reperti archeologici che raccontano la storia millenaria della nostra civiltà, lungo una linea temporale che ci proietta verso il futuro, in un percorso di bellezza e di arte sviluppate nelle loro varie declinazioni. L’attività di ricerca dell’artista Antonio Saladino, con le sue ceramiche innovative che rispondono all’esigenza di dare nuova forma e significato alle opere scultoree, continua con la creazione di carte vetrate dipinte, che si caratterizzano come “scultura dipinta”, creando un gioco di rivelazioni in cui lo spettatore, sollecitato dalle parole contenute nel titolo dell’opera, diventa egli stesso protagonista. È una imperdibile opportunità per i visitatori, proiettati in una dimensione temporale sfumata, di provare meraviglia, emozionarsi, creare una connessione profonda con l’arte e con sé stessi, riflettere sul tempo e sul proprio vissuto, in un viaggio interiore oltre che estetico.

La promozione dell’arte contemporanea rappresenta una leva fondamentale per la crescita culturale e sociale delle comunità, soprattutto nelle regioni del Sud Italia. Un esempio concreto di questa strategia è la quarta edizione di Chiaravalle Arte, iniziativa promossa dall’Amministrazione Comunale, un evento che ha saputo mettere in luce il talento di artisti emergenti e consolidati, creando un ponte tra tradizione e innovazione che edizione dopo edizione ha saputo ritagliarsi un ruolo importante nel panorama artistico regionale e nazionale. Investire in iniziative artistiche come questa non è solo un atto di valorizzazione del patrimonio culturale, ma significa anche stimolare l’economia locale, attrarre turismo e rafforzare il senso di identità e appartenenza della comunità. Così facendo si crea un ecosistema culturale vibrante attraverso iniziative come questa che generano incontri, dialoghi e crescita non solo artistica. Nel Sud Italia, dove il patrimonio storico e naturale è già un grande richiamo, l’integrazione con iniziative e progetti di arte contemporanea può rappresentare una vera svolta, contribuendo a rinnovare l’immagine delle comunità e a creare nuove opportunità di sviluppo.

Il pulpito scolpito da Nicola Pisano per la cattedrale di Siena rappresenta un capolavoro d’arte sacra non ancora completamente studiato nel suo complesso programma iconografico. Le oltre 300 figure scolpite raffigurano la vita di Cristo fino al Giudizio Universale, preceduto dai Profeti e dagli Evangelisti, con l’intento di rafforzare la fede e le virtù cristiane nei fedeli. In questo volume con il termine “misteri” sono analizzati sia gli episodi evangelici sia i significati teologici nascosti e difficilmente comprensibili all’intelletto umano. Il pulpito presenta anche soggetti iconografici rari, qui affrontati per chiarirne il senso. Nicola Pisano innovò profondamente l’arte sacra: introdusse nuovi dettagli nelle scene tradizionali, come il bacio del re mago al piede del Bambino, lo svenimento della Vergine nella Crocifissione e il complesso simbolismo del Cristo mistico. Con l’inserimento del concetto di anime purganti, anticipò infine la formalizzazione della dottrina del Purgatorio. Un ricco apparato iconografico evidenzia i particolari e sottolinea le espressioni ed i gesti, fornendo una sicura chiave di lettura allo studioso, ma anche all’attento visitatore.

Il volume indaga uno dei passaggi più cruciali e affascinanti del percorso artistico di Francesco Hayez, legato alla nascita del Romanticismo in pittura. Fulcro dell’indagine è la prima versione dell’opera, Pietro Rossi, conservata alla Pinacoteca di Brera, considerata emblema del nuovo linguaggio pittorico e manifesto della sensibilità romantica italiana. Per la prima volta, il dipinto viene riletto alla luce delle due successive versioni, attraverso un confronto che ne rivela le scelte formali, le implicazioni simboliche e le tensioni narrative. Ambientato nel Medioevo durante le guerre tra le signorie, l’episodio raffigurato ha come sfondo la città di Pontremoli, la cui storia viene ricostruita con attenzione, offrendo nuove chiavi interpretative. Nel rappresentare il dramma del protagonista diviso tra dovere pubblico e affetti familiari, Hayez attinge tanto alla lezione dei maestri del Quattrocento veneto quanto all’eredità plastica di Canova, elaborando una pittura intensa, partecipe, profondamente moderna.

Con i suoi lavori Linardi ci mostra una deframmentazione dell’immagine che si spezzetta in centinaia di colpi di pennello, creando una risultante visiva al limite dell’ipnotico; colori vivi, freschi, mai ridondanti. Una struttura compositiva che ripercorre l’immagine iniziale in tutte le sue linee guida, ma che diviene uno spettacolo che si scompone e si ricompone negli occhi dell’osservatore nel momento in cui questo si allontana e si riavvicina all’opera stessa, in un processo che stimola la mente, il pensiero e la riflessione, e ovviamente la creatività stessa. Le Chiese, gli scorci, i panorami di una Follonica contemporanea, divengono nelle tele di Linardi un messaggio che guarda al futuro, che porta a riflettere e che induce ancora a un continuo cambiamento. La città che si muove e che guarda al futuro rivive nelle immaginifiche pixellature dell’artista, che la ritraggono bella e elegante, ammaliante e seducente e in continuo sviluppo come attraverso un televisore a tubo catodico che ci riporta di colpo a periodi migliori.

"Impalestra tra Museo e Accademia" racconta un importante progetto che ha avuto luogo dal 22 gennaio al 7 febbraio 2025 al Museo Novecento di Firenze, in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti della città. È infatti il catalogo che raccoglie le esposizioni di undici giovani artisti, studenti e studentesse dell’Accademia. La mostra, il cui titolo rimanda a un’idea di allenamento ed esercitazione, è stata articolata attraverso un ciclo di cinque incontri per creare un dialogo tra arte contemporanea, istituzioni, pubblico e creativi di giovane età. Si è trattato di un evento a metà tra l’artist talk e la performance, in cui gli spettatori erano chiamati a interagire con gli artisti emergenti e le loro opere. L’obiettivo era creare una connessione e una sinergia tra istituzioni culturali e formative, offrendo la possibilità ad artisti e artiste che stanno ancora studiando di mettersi in mostra e confrontarsi con il grande pubblico da museo. Dopo le introduzioni al volume della direttrice dell’Accademia Gaia Bindi e del direttore artistico del Museo Sergio Risaliti, entriamo nel vivo delle opere, descritte e commentate dai docenti tutor che hanno collaborato all’iniziativa. Un viaggio tra presente e futuro per abbattere le barriere elitarie del mondo dell’arte e avvicinarlo ai più giovani. Testi di Laura Lombardi, Pantani-Surace, Carlo Falciani, Paolo Parisi, Lorenzo Bruni.

«L’acqua, il bene più prezioso per tutti noi, con la sua magia e generosità continua a regalarci immagini che nella poetica di artisti insigni prende per mano in un percorso della memoria visiva ormai indissolubile. Se la sacralità con la quale in diversi casi l’osservatore si è posto di fronte a celebri opere d’arte fosse in minima parte mantenuta quando noi esseri umani siamo partecipi con l’acqua, forse sarebbe risolto in parte il problema del rispetto per l’elemento principe della nostra vita! Continuare il cammino dell’iconografia dell’acqua nell’arte incoraggia a ripercorrere brevemente gli ultimi anni dell’Ottocento e ritrovarsi ancora una volta nell’estetica vibrante del Postimpressionismo, che proprio a questo elemento della natura ha dedicato connotazioni tra le più suggestive e indimenticabili della storia dell’arte figurativa dell’Ottocento. A queste atmosfere si accosterà lo stile della pittura macchiaiola, un controcanto tutto italiano in grado di riferire ambientazioni e fantasie dove l’acqua ha saputo cogliere delicate o prepotenti note di paesaggio a volte struggente, poetico o drammatico. Essere giunti alla seconda metà del XIX secolo ha significato per la nostra percezione visiva aver osservato e ammirato un numero vastissimo di opere d’arte, specialmente in pittura, che sono state in grado di documentare il tema centrale del nostro racconto: l’acqua in tutte le possibili declinazioni…» (Dalla premessa di Miriam Fileti Mazza)

L'ansia di certezza connota in Leonardo la figura dello scienziato artista che accetta e vince la sfida dell'antico non dimostrato sul teorema dell'homo ad circulum enunciato da Vitruvio, ma nasconde la prova matematica nell'uomo vitruviano, sotto forma di un rebus di parole, numeri, figure e gesti, a burla della cerchia dei cosiddetti litterati con alcuno presuntuoso come fosse un giuoco delle parti per la emarginazione subita a torto da un omo sanza lettere. Questa comunicazione svela il rompicapo enigmistico sulla dinamica inscrizione della figura d'uomo dal quadrato al circolo risolto dal codice alfanumerico 17/28h dell'ombelico che, unico punto anatomico trovato per legge matematica e perciò immutabile, è centro della circonferenza ma anche caposaldo generativo della revisione operata da Leonardo sul sistema proporzionale del corpo umano e su quello antropometrico di misura, tra loro connessi, per ristabilire l'armonia matematica perduta secondo il principio euclideo di simmetria tra quantità delle parti e il tutto.

“Fuori di porta Pinciana fece edificare un bel palazzo in una sua Vigna o giardino, o villa, che vogliamo chiamarla, nella quale si trova ogni sorte di delitia, che desiderare, et havere in questa vita si possa; tutta adornata di bellissime statue antiche, e moderne, di pitture eccellenti, e d’altre cose pretiose con fontane, peschiere, et altre vaghezze…” [Giovanni Baglione, Le vite de’ pittori, scultori et architetti, 1642] Nelle sale che oggi ci mettono di fronte a quasi tutte le opere più significative di Bernini scultore, ai capolavori di Caravaggio, ai grandi maestri del Rinascimento e a due stagioni dell’arte a Roma, come il Barocco e il Neoclassicismo, siamo sempre accompagnati dalle conversazioni del passato, dai discorsi fra i committenti e gli artisti e, addirittura, dall’incontro di Gian Lorenzo, il più grande artista del secolo, con il se stesso di tanti anni prima. [Francesca Cappelletti]