Storia dell'arte: stili artistici

Imagina è un progetto artistico e culturale annuale ideato e curato da Spazio Taverna, pensato per esaltare il genius loci dei comuni italiani con una forte storia culturale e un contesto artigianale e industriale di rilievo nazionale. Attraverso l’arte contemporanea e il coinvolgimento di artisti emergenti, riattiva la memoria e la forza simbolica di palazzi storici, siti archeologici e monumenti iconici del territorio. Imagina valorizza il patrimonio materiale e immateriale italiano con i linguaggi del contemporaneo, per attrarre visitatori internazionali e offrire ai cittadini uno sguardo nuovo e trasformativo sul proprio passato e sul proprio territorio, proiettandone l’identità verso il futuro. Ispirato alla storia delle grandi casate nobiliari italiane, come gli Orsini e i Gabrielli, Imagina guarda al Rinascimento, quando gli artisti erano interpreti di un mondo complesso, capaci di unire scienza, letteratura, poesia, architettura, magia e alchimia in universi simbolici di grande significato. Nel catalogo sono illustrate le opere d’arte di giovani artisti: Roberta Argenta, Paola Boscaini, Edoardo Ongarato, Abdel Karim Ougri, Martina Biolo, Satya Forte, Caterina Sammartino e Tommaso Silvestroni.

Il volume presenta due nuclei fondamentali della collezione grafica del Museo Villa Bassi Rathgeb, offrendo un ampio attraversamento della storia del disegno e dell’incisione. Il primo nucleo, appartenente alla raccolta storica donata alla città tra il 1972 e il 1980, riunisce fogli di grandi maestri attivi tra XVI e XIX secolo: Bernardino Campi, Giandomenico Tiepolo, Paolo Vincenzo Bonomini, Giacomo Quarenghi, Francesco Hayez, Giovanni Migliara e altri autori lombardi dell’Ottocento, insieme ad acqueforti di Adriaen van Ostade e incisioni da Tiziano, Bassano, Guercino e Longhi, fino a Cesare Tallone e Rinaldo Agazzi. Il secondo nucleo è dedicato a Leonor Fini, con ventiquattro opere su carta tra litografie e fotolitografie che testimoniano la forza immaginifica e la libertà stilistica della grande artista del Novecento. Il volume mette così in dialogo passato e contemporaneità, restituendo la ricchezza di un patrimonio grafico unico e il ruolo del museo come luogo di conservazione, studio e valorizzazione.

Il bottaio ha trasformato il legno in doghe di botte. Dalla botte, il vino uscirà trasformato dal legno. Ne acquisirà i sentori, la consistenza. Il legno, diventato botte, diventerà vino, storia passata, e storie future, di terre e di uomini. Griffy, il bottaio di Spoon River, esperto di botti, sa che la botte è un passaggio. Le sue doghe sono “taboos and rules and appearances”. L’uomo dentro la botte, come i prigionieri incatenati nella caverna della Repubblica platonica, non può sollevarsi oltre l’orlo e vedere il mondo.

Nessuna parola caratterizza l’arte contemporanea più di «avanguardia». Al punto da essere diventata, paradossalmente, sinonimo di arte in generale. Come se non si potesse più dare gesto artistico che non fosse «d’avanguardia». Ma è ancora così? Di cosa parliamo quando ricorriamo a questa categoria? Duchamp e Picasso, de Chirico e Warhol, Koons e Hirst, Hockney e Kentridge. Vincenzo Trione accompagna il lettore in un viaggio che non solo tocca alcuni tra i più grandi «continenti» degli ultimi centocinquant’anni (dal futurismo al dadaismo, dalla Metafisica al surrealismo, dalla Pop Art al postmoderno), ma che ci mostra come le promesse dell’avanguardia vivano oggi in territori inattesi: nel cinema, nella moda, nella musica pop, nei videogame, nei “writers”, nell’attivismo di Ultima Generazione… Ovunque bruci ancora la voglia di «rifare il mondo». Concetto centrale dell’arte contemporanea, eppure idea sfuggente, contraddittoria e intimamente inafferrabile, l’avanguardia si è nutrita di antagonismo e di utopia, ha rifiutato il passato, ha cercato costantemente il nuovo, il dissonante, l’inaudito. Cosa ne è, oggi, di quella carica eversiva e scandalosa? Sopravvive come spirito diffuso, trasversale e inconsapevole, che contamina il quotidiano ben oltre i confini dell’“artworld”. L’ardimento futurista, la provocazione dadaista, la sospensione metafisica e l’onirismo surrealista sembrano riemergere, in forma attenuata, quasi atmosferica, nei videoclip, nei videogame, nei concerti, nelle sfilate di moda, nei graffiti, nei tatuaggi. Attraverso un racconto che intreccia analisi storica, critica culturale e passaggi autobiografici, Vincenzo Trione compone una sorprendente drammaturgia teorica che attraversa il Novecento e si spinge fino al presente, mettendo in scena opere, gesti, manifesti e protagonisti di realtà solo apparentemente distanti – dall’arte al cinema, dall’architettura alla moda, dal design alla musica, dai “writers” agli attivisti di Ultima Generazione. “Rifare il mondo” rilancia una domanda decisiva: è ancora possibile oggi rifare il mondo attraverso l’arte?

Si presenta al pubblico questo saggio inedito di Roberto Longhi dedicato al pittore Pedro Berruguete e composto all’inizio degli anni venti – decennio in cui al castigliano fu dedicata un’attenzione crescente – e che, descritto come “in uscita” nel ’27, per ragioni che è arduo ricostruire rimase nel cassetto.

«È in Italia, nel Quattrocento, che risiede principalmente l’interesse della Rinascenza – in quel solenne Quattrocento, che non si studierà mai abbastanza non solo pei suoi resultati positivi nel campo dell’intelletto e della fantasia, le sue concrete opere d’arte, le sue tipiche figure eminenti, col loro profondo fascino estetico, ma pel suo spirito e pel suo carattere in genere, per le qualità etiche di cui esso offre un modello perfetto.

«Questa volta mi occuperò del Caravaggio. Finora, sia me ne mancasse l’agio, sia la mia curiosità non fosse stimolata abbastanza, o forse per la combinazione delle due cause, non mi sono mai dato la pena di entrare in dimestichezza col Caravaggio. Accade, nella vita, di sentir parlare di questa o quella persona che gli amici reputano affascinante, e tuttavia essa non viene a far parte della nostra intima cerchia anche dopo ripetuti incontri. Poi, un caso fortunato dissipa il velo opaco che ci tratteneva dall’approfondire quei rapporti saltuari, e viene il gusto e la voglia di contatti più stretti e di una conoscenza completa. Comincerò con l’esaminare le opere superstiti del nostro pittore. Fino a pochi decenni or sono, la sua personalità di artista era nebulosa come quella di un Leonardo o di un Giorgione prima degli studi morelliani. Qualsiasi tela presentasse, in forti contrasti di luce, volgari e obesi giganti sacrilegamente atteggiati a Cristo o ad apostoli, figure con piumacci, baraonde di uomini e di donne dall’aspetto vizioso e alticcio, giovinastri occupati a giocare ai dadi o a barare alle carte, o più dignitose scene di concerti, veniva senz’altro attribuita a lui. Non così oggi. Il Caravaggio ha cessato d’essere una categoria o una specie, e ha riacquistato una personalità artistica definita quanto quella di Leonardo, o almeno quanto quella di Giorgione. Studierò soltanto i quadri che gli appartengono in modo indiscusso, secondo il giudizio dei più competenti. Intorno a essi mi lascerò andare a dire qualunque cosa mi passi per la testa, una testa che ha meditato per molti anni sull’arte, dal punto di vista estetico, storico, morale. E, infine, mi prenderò la libertà di esprimere quanti pensieri l’esame dell’opera caravaggesca mi ha suggerito».

In questo breve testo viene offerta una chiave di lettura per immergersi nell’universo enigmatico di Nicola Samorì – artista contemporaneo tra i più affascinanti –, dove la pittura è materia viva, in perenne trasformazione e disfacimento. Sono, le sue, opere in bilico tra presente e passato, tra avanguardia e tradizione; opere che svelano e celano, costruiscono e demoliscono, in un unico gesto audace. Federico Ferrari guida il lettore attraverso la vertigine della materia pittorica: superfici squarciate, volti che emergono dal buio per dissolversi, corpi che si animano e si corrompono sotto l’azione inesorabile del tempo e dell’artista. La pittura è «carne viva», che si manifesta attraverso il gesto dello scarnificare, del graffiare, del manipolare il pigmento, rivelando una verità dirompente.

Questo breve studio ricostruisce un capitolo significativo e ignoto della vita artistica del pittore Antonio Circignani detto il Pomarancio (1568 ca.-1629), e ritrae fenomeni ed espressioni devozionali articolati nel corso della storia intorno alla sacra immagine più cara a Firenze, quella della Santissima Annunziata.

Figura complessa e culturalmente esuberante, Gastone Novelli (Vienna, 1925 - Milano, 1968) ha attraversato il secondo Novecento italiano con il passo del viaggiatore e la lucidità del teorico. La sua ricerca, segnata da un costante rapporto tra parola e immagine, si configura come una delle esperienze più radicali della neoavanguardia europea. Ripercorrere la sua esistenza e la sua attività artistica attraverso la struttura di un "lemmario", come avviene in questo volume curato da Paola Bonani per la collana Enciclopedie AZ di Electa, riecheggia in qualche modo il suo stesso metodo di lavoro. In queste pagine settantotto parole, da AAAABBBBSSSOO a Zitto, riassumono i temi, gli interessi, le conoscenze, i luoghi, le persone, le amicizie, le opere, i progetti che hanno costellato la sua esistenza, in un racconto fatto di singoli frammenti fuori dal consueto ordine cronologico degli studi storiografici.