Storia dell'arte: stili artistici

Gastone Novelli (Vienna, 1925 - Milano, 1968) è stato uno dei maggiori protagonisti della pittura italiana del secondo dopoguerra. La mostra a lui dedicata nasce dall'importante entrata nelle collezioni civiche di alcune opere in donazione dagli eredi dell'artista. L'esposizione alla Ca'Pesaro di Venezia (15 novembre 2025 - 1 marzo 2026) e questo catalogo, curato da Paola Bonani e Elisabetta Barisoni, restituiscono tutte le diverse fasi della ricerca di Novelli: dagli esordi concretisti degli anni brasiliani alle suggestioni gestuali e segniche degli anni de "L'Esperienza Moderna", rivista fondata insieme ad Achille Perilli, a cui collaborarono alcuni dei maggiori artisti italiani e stranieri attivi in quegli anni; dalla maturazione all'inizio degli anni Sessanta della sua personalissima poetica in cui immagini e parole svelano la natura ambigua del linguaggio, fino allo scadere del decennio, momento in cui la parola e l'azione dell'artista sono investiti di un più esplicito significato etico e politico.

Il volume No Stone Unturned – Conceptual Photography è un vero e proprio viaggio nell’universo rivoluzionario di John Baldessari. Pensato come la più ampia documentazione sull'opera di Baldessari mai pubblicata in Italia, il volume permette di approfondire il momento decisivo alla fine degli anni Sessanta, quando la fotografia divenne il fulcro della sua pratica concettuale. Ricco di illustrazioni, raccoglie opere iconiche come Commissioned Paintings (1969), Cremation Project (1970), Police Drawing (1971) e I will not make any more boring art (1971), accanto a intere serie come la Kissing Series, la Embed Series, la Binary Code Series e la complessità allegorica di Blasted Allegories. Ogni pagina testimonia la capacità dell’artista di interrogare i limiti tra linguaggio e immagine, autorialità e interpretazione, ironia e critica. I saggi critici offrono non solo interpretazioni puntuali delle opere, ma anche nuove prospettive sul ruolo della fotografia, del montaggio e del testo nella sua pratica, rivelando l’impatto decisivo che Baldessari ha esercitato su generazioni di artisti e sull’arte contemporanea. Il volume è arricchito da rare fotografie d’archivio, materiali inediti e un apparato scientifico accurato, risultando al tempo stesso un’opera di consultazione autorevole e un libro di grande fascino visivo. È una monografia indispensabile per storici dell’arte, studenti, collezionisti e per chiunque ami avvicinarsi a un pensiero artistico che ha cambiato il nostro modo di vedere le immagini.

Un’opera intrisa di storia, segnata dal tempo e dagli interventi dei restauratori: la Pietà di Giovanni Bellini, custodita al Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, rivive oggi sotto una nuova luce grazie a un restauro meticoloso che ne restituisce la bellezza originaria. Un’attenta pulitura della superficie pittorica, la rimozione di vernici ingiallite e il delicato reintegro dei dettagli hanno permesso alla pennellata del maestro veneziano di emergere nella sua completezza cromatica e compositiva. Ogni fessurazione, ogni traccia del passato è stata rispettata, trasformandosi in un filo narrativo che racconta la complessa vicenda conservativa dell’opera, dal delicato trasporto del 1969 agli interventi del Novecento. Il volume ripercorre la storia della Pietà attraverso i contributi di Peter Humfrey, Giovanni Sassu, Giulio Zavatta e Sara Masinelli, fino ad arrivare agli approfondimenti tecnici sul restauro condotto da Lucia Tito, che documentano ogni fase con precisione scientifica e sensibilità artistica, offrendo documentazione fotografica del prima e del dopo restauro. Il progetto rappresenta la testimonianza di un’iniziativa che esprime una visione condivisa di tutela e promozione del patrimonio culturale veneziano, capace di generare nuove prospettive di conoscenza, fruizione e diffusione dell’arte italiana nel mondo. Si tratta di un’azione sinergica tra pubblico e privato, frutto della collaborazione tra il Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, la Direzione regionale Musei nazionali Veneto – tramite la Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro – e Venetian Heritage. Una guida completa che unisce arte, scienza e storia, permettendo al lettore di comprendere quanto sia preziosa la cura del nostro patrimonio culturale.

Un’opera intrisa di storia, segnata dal tempo e dagli interventi dei restauratori: la Pietà di Giovanni Bellini, custodita al Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, rivive oggi sotto una nuova luce grazie a un restauro meticoloso che ne restituisce la bellezza originaria. Un’attenta pulitura della superficie pittorica, la rimozione di vernici ingiallite e il delicato reintegro dei dettagli hanno permesso alla pennellata del maestro veneziano di emergere nella sua completezza cromatica e compositiva. Ogni fessurazione, ogni traccia del passato è stata rispettata, trasformandosi in un filo narrativo che racconta la complessa vicenda conservativa dell’opera, dal delicato trasporto del 1969 agli interventi del Novecento. Il volume ripercorre la storia della Pietà attraverso i contributi di Peter Humfrey, Giovanni Sassu, Giulio Zavatta e Sara Masinelli, fino ad arrivare agli approfondimenti tecnici sul restauro condotto da Lucia Tito, che documentano ogni fase con precisione scientifica e sensibilità artistica, offrendo documentazione fotografica del prima e del dopo restauro. Il progetto rappresenta la testimonianza di un’iniziativa che esprime una visione condivisa di tutela e promozione del patrimonio culturale veneziano, capace di generare nuove prospettive di conoscenza, fruizione e diffusione dell’arte italiana nel mondo. Si tratta di un’azione sinergica tra pubblico e privato, frutto della collaborazione tra il Museo della Città di Rimini “Luigi Tonini”, la Direzione regionale Musei nazionali Veneto – tramite la Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro – e Venetian Heritage. Una guida completa che unisce arte, scienza e storia, permettendo al lettore di comprendere quanto sia preziosa la cura del nostro patrimonio culturale.

Dotato di un acuto spirito di osservazione e di un talento narrativo, Albrecht Dürer è il più importante artista del Rinascimento settentrionale. I suoi ritratti della nobiltà lo hanno reso famoso, mentre i suoi disegni e acquerelli hanno elevato entrambi i mezzi espressivi a forme d'arte a sé stanti. Ha inoltre stabilito nuovi standard nell'arte incisoria, lasciando un'eredità che ancora oggi risuona.

Le "Lotti Dames" sono le riproduzioni grafiche di tre donne che, in epoche diverse, vissero esperienze particolari durante la loro permanenza a Firenze. Quei frangenti, destinati all’oblio come tanti altri, restarono impressi nella mente e nel cuore di un pittore, Betto Lotti, che in quei momenti era presente e le stava osservando. Nel 1925, in piena espansione della corrente artistica dell'Art Déco, Lotti decise quindi di trasporre quelle immagini su tela, riunendole sotto il nome di "Lotti Dames". Nel 2025, esattamente cento anni dopo, il nipote dell'artista rivela attraverso questo intenso e coinvolgente racconto le storie di quei momenti, le emozioni, le atmosfere e i messaggi profondi, ora più che mai attuali, di quei giorni.

Per oltre un secolo una famiglia di scultori, gli Andreini, ha raggiunto ampia notorietà in Italia e all’estero. Basato essenzialmente sui ricordi personali dell’ultimo scultore della famiglia, Angiolo, il volume ripercorre la storia di questa famiglia di scultori fiorentini dalla seconda metà dell’Ottocento alla Seconda guerra mondiale, fornendo un catalogo ragionato delle opere realizzate nel corso degli anni a partire dal suo fondatore, Ferdinando. Si avrà così modo di seguire le vicende del laboratorio di scultura voluto dal figlio, Oreste, profondamente radicato nella micro-storia del quartiere fiorentino di Campo di Marte e rimasto attivo fino agli anni ’50, che, soprattutto nei primi decenni del Novecento, è riuscito ad estendere la sua notorietà in Europa e in America.

Un lungo viaggio, attraversato da colori sgargianti, icone dissacranti e riflessioni taglienti: il catalogo ragionato di Roxy in the Box racconta l'opera e l'universo di un'artista radicalmente pop e profondamente politica. Nata e cresciuta a Napoli, dove ha scelto consapevolmente di restare, Roxy costruisce una visione che mescola storia dell'arte e cultura di massa, ricordi privati e memoria collettiva. La sua è un'estetica che non consola né ammicca, ma spinge a guardare oltre l'immagine: dietro il glamour ci sono il dolore, la fragilità, la solitudine, a testimonianza di una pratica che non si limita a rappresentare, ma cerca di coinvolgere e far riflettere. Frutto di un lungo lavoro, il volume intreccia immagini, opere e parole in una narrazione corale, con i contributi di curatori, critici, compagne e compagni di viaggio che hanno seguito l'artista nel suo percorso. Una sorta di diario visivo ed emotivo, in cui Roxy si racconta senza filtri: oscillante, ironica, vulnerabile e potente. Il suo stile "socialpop" nasce dall'urgenza di comunicare con tutte e tutti, anche con chi non frequenta l'arte. E nel suo mondo, tra lenzuola a fiori e regine sovversive, manifesti "affordable" e sogni in grande, ci invita a riconoscere le nostre contraddizioni, i nostri desideri e la bellezza inquieta del nostro tempo.

«Non può farsi la storia d'Italia senza fare la storia dell'arte italiana»: a oltre cinquant'anni dalla sua prima pubblicazione, la monumentale opera di Giulio Carlo Argan rappresenta il tentativo più riuscito e sistematico di raccontare l'evoluzione della cultura artistica italiana insieme con le idee e le società che ne hanno accompagnato gli sviluppi. Un classico contemporaneo, qui riproposto in una nuova edizione a cura di Vincenzo Trione. Questo primo volume ci conduce dall'Antichità fino al gotico attraverso millenni di innovazioni: dalle primitive pitture parietali alla levigata concretezza dei templi, teatri e statue dell'epoca romana; dalle ambizione architetture medievali lanciate verso il cielo, come il duomo di Orvieto o Santa Maria Novella a Firenze, alle innovazioni di Cimabue e Duccio di Buoninsegna, che traghetteranno la pittura fino alle soglie dell'Umanesimo. Con uno stile chiaro e preciso, che semplifica senza mai banalizzare, Argan ci mostra come, in ogni contesto ed epoca, l'arte rappresenti un linguaggio in grado di esprimere, in modo allo stesso tempo specifico e universale, la società e i rapporti di potere, le dinamiche economiche e le inquietudini che hanno animato la filosofia e la scienza. La Storia dell'arte italiana di Giulio Carlo Argan riesce nel difficile compito di offrire risposte suscitando nuove domande, di rendere il passato contemporaneo del presente, trattando l'arte come una fiamma viva e mai come dogma o sterile nozione. Come scrive Vincenzo Trione nella sua prefazione: «Nata da profonde intenzioni militanti, umanistiche e illuministe, l'opera di Argan è innanzitutto questo: una sacca di resistenza intellettuale e politica»; il tentativo riuscito di mappare l'incommensurabile.

«Non può farsi la storia d’Italia senza fare la storia dell'arte italiana»: a oltre cinquant’anni dalla sua prima pubblicazione, la monumentale opera di Giulio Carlo Argan rappresenta il tentativo più riuscito e sistematico di raccontare l’evoluzione della cultura artistica italiana insieme con le idee e le società che ne hanno accompagnato gli sviluppi. Un classico contemporaneo, qui riproposto in una nuova edizione a cura di Vincenzo Trione. Questo secondo volume ci conduce attraverso l’arte del Trecento e del Quattrocento: dagli affreschi di Giotto ad Assisi e Padova alle rivoluzionarie prospettive di Brunelleschi nelle chiese fiorentine di San Lorenzo e Santo Spirito; fino alle opposte influenze artistiche, nella Milano di fine Quattrocento, di Bramante, proiettato in una grandiosa rappresentazione della realtà, e di Leonardo, animato da un profondo rigore scientifico. Con uno stile chiaro e limpido, che semplifica senza mai banalizzare, Argan ci mostra come in ogni contesto ed epoca l’arte rappresenti un linguaggio in grado di esprimere, in modo allo stesso tempo specifico e universale, la società e i rapporti di potere, le dinamiche economiche e le inquietudini che hanno animato la filosofia e la scienza. La Storia dell’arte italiana di Giulio Carlo Argan riesce nel difficile compito di offrire risposte suscitando nuove domande, di rendere il passato contemporaneo del presente, trattando l’arte come una fiamma viva e mai come dogma o sterile nozione. Come scrive Vincenzo Trione nella sua prefazione: «Nata da profonde intenzioni militanti, umanistiche e illuministe, l'opera di Argan è innanzitutto questo: una sacca di resistenza intellettuale e politica»; il tentativo riuscito di mappare l’incommensurabile.