Musica

Insofferenti, ribelli e provocatori i giovani che nella seconda metà degli anni Settanta cercarono, nella musica - e in una nuova estetica espressiva - di contrapporsi, prima al lucicchio del Rock in classifica, e successivamente allo status quo del contesto politico-sociale, diedero corpo a un genere dalle sonorità “sporche”, dure e scarne che dal “garage rock” statunitense di Iggy Pop e Lou Reed esplose con veemenza sia in America che in Gran Bretagna gridando la rabbia di una generazione che non si riconosceva nella cultura mainstream. The Stooges, Ramones, Sex Pistols e Clash, per citare solo alcune delle band più celebri, furono i protagonisti di un movimento esplosivo che cambiò per sempre regole e sonorità del rock. I miti, la discografia imperdibile e le diramazioni internazionali del Punk da conoscere e (ri)scoprire.

Questo libro si prende cura di tutte le canzoni ufficialmente edite nel corso della storia della band di Jagger e Richards, iniziata nel 1962 e non ancora conclusa. Rispetto ai rivali Beatles, gli Stones possono vantare una produzione quasi doppia, con 400 canzoni registrate in 60 anni di attività. In questo lavoro, che per cura e minuzia volutamente ricorda il "Libro bianco dei Beatles", sono raccontate la genesi, la storia, la fortuna o sfortuna di tutte le canzoni, con aneddoti poco noti e, soprattutto, con le dichiarazioni dei protagonisti. Giovanazzi e Zanetti hanno consultato decine di testi, ufficiali e non, e verificato discrepanze, equivoci, veri e propri errori, giungendo a un quadro che ben si può dire definitivo. Una fantastica carrellata lungo la storia, dai primi anni di apprendistato dai maestri r&b fino alle composizioni della maturità e ai brani degli ultimi dischi, il tributo alla musica blues di "Blue And Lonesome" e il recentissimo "Hackney Diamonds", primo album di inediti della band da "A Bigger Bang", 2005.

“La canzone è una sintesi basata sull’equilibrio tra musica e parole, preferibilmente melodica, ricordabile. La canzone però è soprattutto emozione, vibrazione, evoca luoghi, periodi, sensazioni. È voce, timbrica, intensità interpretativa, virtuosismo o semplicità. La canzone è un grido oppure un sospiro, un sussurro. La canzone è d’amore, quasi sempre. C’è la canzone di protesta, di denuncia, ma le canzoni che cantiamo sotto la doccia, quando fa freddo in motorino, nelle serate con gli amici, nove volte su dieci parlano d’amore. La canzone è immagine, niente come una canzone ti fa vedere, intuire quello che stai ascoltando. La canzone che esce dalla radio, orchestre con cantanti che non vedi ma ti sembra di essere lì con loro, arrangiamenti avvolgenti, fiati, violini, ritmiche. La canzone che entra nelle case con i suoi i divi attraverso la televisione, concorsi, gare, da Sanremo al Cantagiro, da Un disco per l’Estate al Festivalbar, poi MTV, infine i talent. La canzone è concerti, nei club, negli stadi, nei teatri, nelle piazze, fino a Woodstock o al Live Aid. La canzone è disco nel grammofono, nel giradischi, nel mangiadischi, musicassette sparate a palla in macchina, CD, copie pirata, streaming. La canzone è cinema, quando si fermano i dialoghi e parte un pezzo che ti ricorderà per sempre quel film, quella scena. La canzone è ballo sfrenato o ninna nanna, è girotondo. Insomma la canzone è quasi tutto, alzi la mano chi non ha almeno una canzone della vita.” In un viaggio illustrato nella musica, un grande cantautore racconta le storie che nascono dietro, attorno, dentro cento canzoni che tutti abbiamo cantato: da Frank Sinatra a Vasco Rossi, da Lucio Battisti a David Bowie, dai Beatles ai Radiohead, da Franco Battiato a Michael Jackson.

"Pianofesta!" è un metodo pianistico che permette agli aspiranti pianisti, anche autodidatti, di suonare i primi facili brani dopo pochi minuti, in modo facile ed intuitivo. Poco studio giornaliero sarà comunque necessario! L'aspirante pianista viene seguito pagina per pagina, i brani sono preceduti dalla relativa teoria musicale, spiegata in modo semplice ed efficace. "Pianofesta!", frutto della mia pluridecennale esperienza didattica, non volendo essere "accattivante" bensì utile ed essenziale, si presenta con una semplice, ingenua grafica "vintage". 51 esercizi progressivi.

La città di Napoli è sempre stata un centro culturale che ha rivestito una notevole importanza all'interno del panorama artistico internazionale. In particolare, le melodie della nostra canzone sono da sempre cantate e ascoltate in tutto il mondo, e la sua storia, poi, affascina perché ricca di aneddoti e curiosità. Di sicuro, per autori e cantanti, la spinta a realizzare delle autentiche gemme preziose non è arrivata dal vil danaro, dato che molti di loro, purtroppo, sono morti di fame e di stenti. Il motivo di tanta bellezza? Sarà forse . . . come per il caffè! Si sa, quello napoletano è da molti ritenuto il più buono in assoluto: dicono sia per l'acqua ed il clima. Allo stesso modo, l'aria che si respira in ogni angolo della città rende magica la nostra amata melodia. Solo così si può spiegare perché un guantaio e un barista diventano grandi poeti ed un semplice garzone di ferramenta uno stimato musicista.

Questo libro è un viaggio affascinante e curioso che svela il profondo legame tra la fantascienza e la musica di compositori e artisti di ogni genere musicale. La letteratura di fantascienza ha contribuito ad allargare i confini dell'immaginazione umana. Dalle visioni futuriste di H.G. Wells agli imperi galattici di Isaac Asimov, il cinema ha reso quasi tangibili le più straordinarie invenzioni creative. Tuttavia è stata la musica a fornire la colonna sonora che ha amplificato l'impatto emotivo delle storie futuristiche come in Blade Runner, Star Wars, Dune e 2001: Odissea nello Spazio. In questo libro leggerete anche tante storie (tutte reali e alcune sorprendenti) legate all'ispirazione spaziale di numerosi grandi musicisti, tra cui spiccano nomi come David Bowie, Jimi Hendrix, Beatles, Duke Ellington, Pink Floyd, Queen, Jefferson Airplane, Ornette Coleman, Devo, Radiohead, Sun Ra e i nostri Dalla e Battiato. La ricerca però non si ferma al passato, ma esplora anche la letteratura e la musica del nostro tempo: le sonorità elettroniche della space music e le sperimentazioni sonore dei libri cyberpunk. Due interventi di Guido Michelone e Luca Servini completano e ampliano l'orizzonte di questo racconto.

La musica strumentale dell’Occidente è davvero ‘senza parole’? Detto altrimenti, la musica strumentale occidentale può dirsi del tutto autonoma dalla parola? Quando e come è iniziata la ricerca di tale autonomia? E come ha fatto la musica strumentale a tracciare una propria, entusiasmante via verso la comunicazione? Quali sono gli spazi della musica strumentale e come, questa, ha saputo entrare nella vita degli individui, nel corpo in continuo movimento della società, nell’immaginario culturale dell’Occidente? A queste domande di fondo, e ad altre, più di dettaglio, cerca di rispondere il presente volume, che vuole essere una concisa introduzione, più per temi e problemi che storica, al profilo frastagliato e ricco della musica strumentale che si è sviluppato in seno alla storia della musica d’arte occidentale come uno dei lineamenti più caratteristici e affascinanti di quest’ultima.

Il volume ripercorre l'intera storia della canzone d'autore italiana e dei suoi protagonisti narrando le vicende di singoli artisti e gruppi la cui opera scaturisce da reali necessità personali e collettive e che, anche a contatto con l'industria discografica, sono riusciti a non compromettere la propria poetica musical-letteraria. Dall'Ottocento a oggi, dalla canzone napoletana alla trap, passando per De André, Guccini, De Gregori, Battiato e tutti gli altri, per ogni epoca le peculiarità dei brani che l'hanno caratterizzata vengono ricostruite sulla base del contesto storico-sociale da cui sono nati stili e poetiche. Particolare attenzione è dedicata alle dinamiche che, nel tempo, fanno sì che la canzone non resti solo un fatto di spettacolo, costume e intrattenimento, ma rappresenti esigenze e capacità artistiche autentiche, a salvaguardia della purezza dell'origine del canto.

Prima traduzione integrale dell’originale tedesco, questo libro dal valore documentario e storico altissimo è uno dei testi più decisivi per comprendere le avanguardie artistiche del Secondo Novecento e in particolare la cosiddetta “Nuova musica”. Raccoglie i fondamentali testi scritti da Stockhausen sui suoi brani per strumenti tradizionali e per suoni elettronici tra il 1952 e il 1962. Sono gli articoli relativi al periodo di sua massima esplorazione musicale, legata in particolare a uno dei movimenti avanguardistici più rilevanti del Secondo Novecento che prende il nome di “Scuola di Darmstadt” (che comprendeva anche compositori e direttori d’orchestra quali Boulez, Berio e Maderna) e al pensiero fondante della musica elettronica, di cui Stockhausen ha posto le basi. Nel libro troviamo testi legati a riflessioni sui principi della musica elettronica, sulla spazializzazione del suono, sulla scrittura musicale, sulla percezione e sull’analisi di musiche del passato (come Webern e Debussy, letti per valorizzarne l’invenzione e l’afflato modernista), ma anche ritroviamo gli interrogativi e le risposte che caratterizzano la sua estetica di compositore. E unitamente alla critica degli autori a lui contemporanei, emergono i temi della composizione strumentale ed elettronica, della notazione, della spazializzazione e di una teoria generale della forma che saranno alla base di lavori come Kontakte, Gruppen e Momente, e che porteranno alle conquiste compositive che si protrarranno fino agli ultimi anni.