Musica

Sette volumi in formato periodico racchiudono una selezione ragionata di contributi originali da «Ciao 2001», il magazine di culto che, tra gli anni Sessanta e Settanta, raccontò i grandi protagonisti, sia popolari che underground, della musica rock e pop, e nuovi approfondimenti sull’epoca d’oro della musica internazionale e italiana. È l’epoca del successo sfrenato di Beatles e Rolling Stones, di Led Zeppelin, David Bowie, Genesis, Frank Zappa e John Cage ma anche dei primi New Trolls e dei Primitives, dei concerti tutti da ballare al Piper e al Bandiera Gialla, e ancora di quei giovani cantautori che lasceranno un segno indelebile, da Lucio Dalla ad Antonello Venditti passando per Renato Zero, Francesco Guccini e Franco Battiato. Attraverso interviste, recensioni, approfondimenti, curiosità e rubriche anche su scottanti temi di attualità e dibattito che hanno entusiasmato e tutt’ora appassionano intere generazioni, «Ciao 2001» rappresenta un caso eccezionale di intrattenimento, giornalismo e conoscenza sul mondo della cultura giovanile e dei suoi miti.

Creazioni, viaggi, silenzi, groove: la simbiosi artistica di un indimenticabile cantautore, musicista e poeta. Partendo da 12 canzoni, Gianni Valentino compone un jukebox rigoroso e spietato, che riassume simbolicamente l’intera costellazione discografica di Pino Daniele: una sorta di calendario magico, mese dopo mese, pagina dopo pagina, tra videoclip, cronaca cittadina, codici linguistici, collaborazioni trasversali, tabù, cinema e “maleparole”. I suoi linguaggi originali sono raccolti e commentati con la complicità di una serie di musicisti, cantanti, interpreti che lo hanno accompagnato a lungo, che si abbandonano a conversazioni disinibite e gettano nuova luce sulla sua arte. Per far comprendere l’essenza dell’uomo e del compositore, dell’autore, del produttore e del musicista sul palco. Illuminando la sua opera con retroscena inediti, questo libro è una scialuppa trasparente per navigare nell’oceano di un artista che – anche dopo la sua scomparsa – non ha smesso mai di sedurre, commuovere, esaltare, affascinare il suo pubblico. Quello più fedele, come quello più giovane.

Tanto si è detto e tanto si è scritto a proposito del Festival di Sanremo, la rassegna canora che più di tutte ha incarnato il concetto di musica e di spettacolo all'italiana. L'idea iniziale era quella di raccontare Sanremo attraverso l'esperienza degli artisti coinvolti, ma andando avanti con il lavoro ci siamo accorti che stava accadendo l'esatto contrario e che, attraverso Sanremo, stavamo raccontando la vita di quegli stessi artisti. Questo anche grazie all'approccio dei protagonisti, che si sono concessi a briglia sciolta, ripercorrendo con noi una fetta importante della loro carriera. Trentaquattro vincitori della kermesse ci fanno salire su quel palco dove le loro storie si sono avvitate al Bel Paese che cambiava e continua a cambiare, proprio come sottolinea Pippo Baudo nella sua lettera rivolta alla manifestazione: «Tu sei molto più di un semplice Festival, ti ho sempre considerato un rito collettivo. Davanti al tuo sipario che si spalanca l'Italia si ferma, ascolta e si ritrova. Sei come un lunghissimo Inno di Mameli, il cui vero titolo non a caso è Il canto degli italiani, che accompagna questa grande festa nazionale della quale tutti parlano, bene o male che sia, anche chi professa di non averti mai seguito. Sei specchio della nostra società, ne rifletti gioie e dolori, in tutte le sue declinazioni ed evoluzioni».

La canzone napoletana, e in particolare il suo Periodo d'Oro, che ricopre gli anni dal 1880 al 1950, ha da sempre attirato tantissimi estimatori, ma le sue origini, gli inizi, sono sempre stati un mistero per molti. Questo volume vuole cercare di colmare tale vuoto, facendo partire la narrazione dalla dea Parthenope e passando a raccontare, poi, la storia delle sette Madonne-Sorelle, della Villanella alla napolitana, della Scuola napoletana del Settecento e, infine, del Periodo d'argento della nostra melodia, che va dal 1829 al 1880. Di questo ampio lasso di tempo, viene presa in esame la storia delle canzoni più famose, come Fenesta vascia, Fenesta ca lucive, Michelemmà, Lo guarracino, Te voglio bene assaje, La palummella e tante altre.

"Vasco decodificato" è un viaggio approfondito nell'universo artistico e umano di Vasco Rossi, una delle figure più iconiche della musica italiana. Il libro combina una dettagliata analisi delle sue canzoni, dalle origini agli anni della consacrazione, con aneddoti personali e riflessioni sul significato profondo di una carriera che ha saputo parlare al cuore di generazioni, trasformando esperienze personali e temi universali in inni di ribellione, amore e libertà. L'autore esplora l'evoluzione del rocker di Zocca, partendo dai primi passi come DJ e cantautore fino al suo status di simbolo generazionale. Ogni capitolo approfondisce l'album, brani e momenti cruciali della carriera di Vasco, evidenziando temi ricorrenti come ribellione, amore, libertà e autenticità. L'opera non si limita ai fatti biografici, ma offre uno sguardo intimo sulla complessità dell'uomo dietro la leggenda, rivelando le fragilità, le contraddizioni e la passione che hanno reso Vasco Rossi un'icona senza tempo. Con uno stile coinvolgente e personale, il libro invita i lettori a riscoprire Vasco attraverso una lente nuova, celebrandolo non solo come artista, ma come portavoce di emozioni universali e icona di libertà.

Il testo presenta un metodo didattico per l'insegnamento della chitarra, basato sull'esperienza personale dell'autore, che ha maturato anni di insegnamento e ha sviluppato un approccio centrato sulle esigenze musicali degli allievi. Il percorso è strutturato in modo graduale e divertente, per superare gli ostacoli tipici dei principianti e costruire solide basi musicali e tecniche.Il metodo si fonda su melodie popolari e classiche, partendo da semplici note e progressivamente aggiungendo complessità, con l'obiettivo di completare la prima posizione sulla chitarra. Include anche basi musicali arrangiate in vari stili e generi contemporanei, disponibili sul canale YouTube: emilio antonucci guitarist, per supportare l'allievo durante l'esecuzione. L'insegnamento degli accordi e delle cadenze, disposti in ordine crescente di difficoltà, mira a sviluppare una prima consapevolezza armonica e ad insegnare l'accompagnamento delle melodie. Il metodo aiuta anche nella lettura e nell'esecuzione degli accordi, dal più semplice Mi minore fino a quelli più complessi con barrè.Il percorso culmina con l'esecuzione di brani solistici e musica d'insieme per duo, trio, quartetto e quintetto di chitarre, sviluppando la visione della chitarra come uno strumento completo.

“Questo libro raccoglie in un unico volume i brani che ho composto per la trilogia ‘Fingerstyle Guitar’, scritta con Daniele Bazzani e pubblicata da Fingerpicking.net tra il 2010 e il 2013. In quell’opera, sedici dei diciotto pezzi qui proposti si intervallano ai sedici pezzi composti da Daniele nei tre manuali che ne scandiscono il percorso didattico. La scelta di redigere a distanza di anni un nuovo libro con quei miei pezzi, a cui ho aggiunto due inediti per dare ancora più coerenza alla curva d’apprendimento creata per la successione delle composizioni, è stata stimolata e indotta dal personale desiderio di calare questo materiale più direttamente nel flusso della mia didattica e di tutti i manuali che ho pubblicato in seguito. L’apporto che tali brani hanno offerto al mio progetto formativo, infatti, è stato notevole, direi addirittura indispensabile”. Luca Francioso

“Per molti il primo incontro è avvenuto con la famosa scena del duetto-duello in ‘Deliverance’ (‘Un tranquillo week-end di paura’) su ‘Duelin’ banjos’ suonato da Eric Weissberg e Steve Mandell, per molti altri è stato grazie agli Eagles, con Bernie Leadon su ‘Take it easy’, ‘Doolin’ Dalton’ o ‘Midnight flyer’, o più raramente grazie ai Grateful Dead e Jerry Garcia, ma più recentemente per altri ancora è stato l’incontro con le atmosfere cupe e i suoni arcaici di ‘Cold Mountain’ e infine con la musica che caratterizza il film dei fratelli Coen ‘Oh brother, where art thou?’. Quelli della mia generazione invece, da poco passati quasi indenni ma un po’ perplessi attraverso ‘L’uomo del banjo’ di Ico Cerutti (arrangiamento di ‘Washington Square’ con banjo – ma tenore), hanno sicuramente incontrato il banjo a 5 corde grazie al Festival di Sanremo del 1965 e 1966 e a The Minstrels come ospiti. Tutti noi però, indipendentemente da età ed esperienze, siamo stati in qualche modo affascinati e stregati dal suono inconfondibile del banjo, quindi voi sapete bene perché state leggendo questo manuale, e io perché lo sto scrivendo". Silvio Ferretti

Nino Rota (Milano 1911-Roma 1979), definito "inattuale" da critici e colleghi che lo accusavano di fare musica fuori dal proprio tempo, durante la sua vita non conobbe in verità mai l'incomprensione del pubblico, che lo ha sempre acclamato sia per le celebri colonne sonore sia per le opere e la musica da concerto. Già pochi decenni dopo la sua morte il tempo di Rota è arrivato, tanto da consacrarlo come il compositore italiano del Novecento più famoso ed eseguito al mondo dopo Puccini. Il presente volume accoglie saggi di Angela Annese, Roberto Calabretto, Dinko Fabris, Antonio Florio, Michela Grossi, Maria Grazia Melucci, Armando Ianniello, Fiorella Sassanelli, Nicola Scardicchio e Giada Viviani. La prima parte affronta aspetti della biografia, della creatività e dell'eredità artistica di Rota, chiarendone l'insospettabile "attualità", mentre la seconda è dedicata alla storia, alla recezione e all'analisi della musica, in particolare delle opere per pianoforte e orchestra, e a ritrovamenti di fonti finora considerate perdute. Si tratta di un contributo unico nel vasto panorama dei testi finora dedicati a Nino Rota - di cui offre una chiara percezione l'ampia Bibliografia ragionata - per avviare una valutazione oggettiva e sistematica della qualità della sua produzione artistica.