Cinema, televisione e radio

Napoleone Bonaparte, fuori dai libri di storia e dai documentari, continua a rimanere una scommessa. Partendo dai ritratti delle pagine di Tolstoj, Stendhal, Hugo, de Balzac e poi passando attraverso i film muti, Hollywood, i kolossal, le serie televisive e la modernità, questo libro compie un viaggio attraverso un unico, ideale e grande set napoleonico. Per capire come è stato raccontato da scrittori, sceneggiatori e registi uno dei più famosi personaggi della storia. Essere Napoleone ritorna in una nuova edizione ampliata sino al celebre kolossal diretto e co-prodotto da Ridley Scott.

Il cinema di David Cronenberg ha spesso messo in scena esseri umani alle prese con processi di ibridazione biologica, artificiale e mediatica che mettono in crisi ogni certezza identitaria e il confine stesso del corpo e della mente. Tale produzione, in cui a dare il via alla mutazione è spesso qualche esperimento tecnico-scientifico che determina negli esseri umani ibridazioni incontrollabili, tocca tematiche che hanno a che fare con le facoltà percettive della mente, con l’identità, la sessualità e il rapporto dell’essere umano con i media e, più in generale, con le tecnologie. È soprattutto all’immaginario tecnologico di cui sono permeati i suoi film che guarda questo lavoro.

L’Istituto Luce compie cento anni. Tanti ne sono passati da quel novembre 1925 in cui L’Unione per la Cinematografia Educativa, primo effimero nucleo del futuro ente, cedette il passo alla nuova istituzione. Da allora fino al 1962, anno in cui si trasformò in società per azioni, l’Istituto sembra avere vissuto mille vite differenti. Eppure, a dispetto delle alterne vicende in cui fu coinvolto, il Luce in quegli anni ebbe una continuità a tratti impensabile di materiali usati, di spazi per il lavoro, di personale, di processi di lavorazione, persino di tematiche. Forse nessuna istituzione europea del Novecento può vantare oggi, sotto un solo nome e nel giro di pochi decenni, così tanti, intriganti e insieme controversi aspetti. Per raccontare in modo trasversale questa esperienza, tredici studiosi di cinema e di fotografia si scambiano qui la penna. Aperti alle suggestioni dell’archivio ma anche all’ibridazione dei saperi, rivolgono a questo grande magma che è stato l’Istituto Luce undici domande: verso un passato ancora da conoscere, ma anche verso il futuro, affacciandosi al ruolo dell’immagine nella costruzione della moderna comunicazione.

Il numero 56 di “Fata Morgana” è dedicato al tema “Atmosfera”. Il numero si apre con una conversazione con uno dei più importanti studiosi sul tema, Michael Tawa, a cura di Luca Bandirali e Chiara Renna. Il concetto di atmosfera è il cuore pulsante del progetto della Nuova Estetica avviato da Gernot Böhme, volto a rilanciare una teoria della percezione che parte dall'esperienza sensibile e affettiva generata dall'incontro con il mondo circostante. L'estetica delle atmosfere permette infatti di interrogarsi sul ruolo giocato dagli elementi atmosferici nella creazione e nelle modalità in cui si esperisce un'opera. Particolarmente interessante è il caso del cinema, di un medium cioè capace di intessere profondi legami tra le tonalità affettive sprigionate da un ambiente e i personaggi che lo popolano. Tra gli autori che compongono il numero: Denis Brotto (L'atlante delle nuvole. L'atmosfera del cinema contemporaneo) e Alessandro Canadè (Collateral e l'atmosfera del noir). Fanno inoltre parte del volume saggi, tra gli altri, su Il filo nascosto di Paul Thomas Anderson, Trenque Lauquen di Laura Citarella, Vermiglio di Maura Delpero, The Zone of Interest di Jonathan Glazer.

Quale immagine di Napoli ci restituiscono le decine di melodrammi canori e di commedie che, per tutti gli anni Cinquanta, hanno contribuito a comporre uno dei ritratti urbani più convenzionali (e allo stesso tempo sorprendenti) del cinema italiano? Se da un lato prevale una cartolina zeppa di cliché, dall’altro il destino di Napoli sul grande schermo permette di fare luce in maniera non scontata sulla funzione degli stereotipi nel cinema. Attraverso l’esame di documenti inediti e il confronto tra film d’autore e pellicole popolari, il libro propone uno studio dei modi di produzione di un filone che nel dopoguerra conosce a Napoli uno sviluppo eccentrico rispetto al panorama nazionale. L’intento è di riconoscere le varie stratificazioni stilistiche di un esempio unico di cinema promosso da cineasti che, nel raccontare gioie e dolori della città, non si sono potuti sottrarre a un corpo a corpo con i luoghi comuni.

Nel 1974 il produttore Edmondo Amati affida a un regista specialista in cinema d’azione la direzione di una pellicola che, nelle sue intenzioni, dovrebbe inserirsi sulla scia del successo de Il braccio violento della legge (The French Connection), un film poliziesco di William Friedkin di un paio d’anni prima, alla ricerca di qualche incasso facile. Il regista è Enzo G. Castellari. Castellari, autore originale e inventivo, realizza invece un lungometraggio ben lontano dalla blanda imitazione, ritmato e coinvolgente, che riscrive le regole e impone un nuovo modello di eroe senza paura, il commissario Belli interpretato da Franco Nero, supportato dalle coinvolgenti musiche dei fratelli Guido e Maurizio De Angelis. Con La Polizia incrimina, la Legge assolve, Enzo G. Castellari codifica un nuovo genere, il “poliziesco all’italiana” che avrà un successo planetario e che, esaurita la sua lunga parabola cinematografica, sarà capace di arrivare sino ai nostri giorni con lo status di culto inestinguibile. Prefazione di Franco Nero.

Fino a vent'anni fa era lo spettatore a muoversi verso il cinema: biglietti, sale buie, programmazioni settimanali. Negli ultimi due decenni, invece, è stato il cinema a entrare in casa sua: prima con le videocassette, poi con i dvd, i download e, infine, le piattaforme streaming. Un cambiamento epocale che non ha però cancellato l'altra faccia della distribuzione: quella informale, sommersa, spesso illegale, che continua a prosperare in tutto il mondo. Bancarelle di dvd, siti pirata, proiezioni improvvisate in bar o mercati, ma anche interi mercati sviluppati ai margini del sistema formale. Per milioni di persone, soprattutto nei paesi meno sviluppati, questi canali restano ancora l'unico accesso possibile ai film, preservando opere dimenticate e dando vita a circuiti produttivi alternativi. Con uno sguardo originale e coraggioso, Ramon Lobato mostra come la pirateria non sia un'anomalia marginale, ma una componente strutturale dell'ecosistema audiovisivo globale. Questa prima edizione italiana aggiorna le sue analisi all'era dello streaming, degli algoritmi e dell'intelligenza artificiale, invitandoci a ripensare la politica culturale della distribuzione cinematografica globale. Firma la Prefazione Damiano Garofalo, professore associato presso Sapienza Università di Roma.

Ventisei anni dopo la sua prima uscita, ilMorandini si presenta oggi completamente rinnovato nella grafica e nei contenuti: non più un dizionario dedicato alla produzione cinematografica mondiale di tutti i tempi, ma un agile annuario che offre una selezione di 365 film – usciti in sala o nelle piattaforme – recensiti e giudicati nello stile che lo ha reso un punto di riferimento imprescindibile per tutti gli amanti del cinema.

Come si spiega che il più bel film sulla vita di Cristo porti la firma di un regista dichiaratamente ateo? E come mai nella sua opera Pier Paolo Pasolini è stato quasi costantemente ossessionato dalla ricerca del sacro? In queste pagine viene ricostruita la stagione che più intensamente vide questi temi accompagnarsi all’impegno politico e civile, con la contemporanea gioiosa scoperta del Cinema. Vi troverete alcune delle eredità più attuali di un intellettuale e Poeta del quale oggi più che mai avvertiamo la mancanza. Oriana Fallaci gli scrisse: “Nessun prete mi ha parlato, come te, di Gesù Cristo e di san Francesco”... E nel suo film sul Vangelo, c’è un Gesù umanissimo. E’ il Gesù di Matteo, ma anche il Gesù di Pasolini: simboleggiato dall’urlo muto della madre del regista nei panni di Maria sotto la Croce. Un Cristo niente affatto datato e quindi capace di parlarci ancora.

Il volume intende indagare il divismo cinematografico in Italia in una prospettiva di storia culturale, esaminando i rapporti tra l’attorialità e alcuni ambiti della cultura quali la politica, il genere, la cucina, il fandom. La ricerca esplora nuove fonti e analizza casi molteplici di divismo intermediale, ponendosi l’obiettivo di sistematizzare i rapporti tra celebrità nazionale e processi culturali, ma anche quello di offrire una lettura polisemica dell’attore italiano dal Secondo dopoguerra agli anni ‘90 del Novecento.

Il volume “Erano giorni stupendi”. Pasolini al suo esame come regista, a cura di Giuseppe Garrera, pubblicato da Ronzani Editore nella collana Ferrobedò (Milano, 2024), documenta attraverso testi e rare fotografie di Tazio Secchiaroli i due provini girati da Pier Paolo Pasolini per ottenere il finanziamento del suo primo film, L’accattone. Le immagini, scattate tra via Fanfulla da Lodi e via Formia a Roma, mostrano il giovane regista alle prese con attori “presi dal vero” e assistito da Riccardo Fellini e Carlo Di Palma. Il saggio di Silvia De Laude, Bocciato in regia. La “sconfitta narcissica di Accattone”, ripercorre la vicenda della bocciatura di Fellini e della Federiz, la delusione di Pasolini e il successivo incontro decisivo con Alfredo Bini, che renderà possibile la realizzazione del film. Il volume è al tempo stesso testimonianza critica e documento visivo di uno dei momenti fondativi del cinema pasoliniano.

Quello degli anime è un universo vasto e vibrante. Dai magici diademi ai super robot, dalle sfere del drago ai cacciatori di draghi, è pervaso di cultura giapponese e trabocca di grandi successi imperdibili. I neofiti potrebbero sentirsi sopraffatti. Lo scopo di questo libro è aiutarli. Affidatevi a questa guida curata da un esperto per scoprire la profondità, l’ampiezza e la genialità del più grande prodotto d’esportazione giapponese. Attraverso più di cento titoli enfaticamente presentati, potrete ripercorrere le orme dei registi più influenti del mezzo cinematografico e scoprire i generi fondamentali e i tropi ricorrenti che danno forma alla narrativa degli anime. Dall’effimera tragedia d’autore di Belladonna alla garbata spavalderia di Cowboy Bebop a La malinconia di Haruhi Suzumiya, pietra miliare del genere, ci sono mondi oltre i mondi in cui vale la pena di tuffarsi, tutti inaspettatamente collegati da idee, un linguaggio visivo e una sfrenata contaminazione creativa che li accomuna. Man mano che riconoscerete schemi e riferimenti, ogni titolo vi condurrà al preferito successivo e a un amore più profondo per questa forma d’arte. Diventerete “otaku” senza neanche accorgervene.