Musica

Il grande libro dei Live dell'unica vera rockstar italiana, una bibbia per tutti i fan, in una edizione aggiornata con una nuova prefazione di Vasco. "Pensavo di morire giovane, invece sono qui. Vivo ogni giorno come se fosse l'ultimo. " Vasco Rossi Vasco Rossi si mostra in un libro che raccoglie le immagini di tutti i suoi tour, dai primi concerti ai più recenti, attraversando l'Italia e l'Europa centinaia di volte. Il racconto visivo di un artista che sul palco svela la sua dimensione più emozionante e naturale. Il legame ininterrotto con i fan, riallacciato in ogni nuovo tour, emerge intensissimo. L'emozione del rito collettivo di ogni show riverbera nelle foto e nei pensieri di Vasco e di chi lo conosce veramente. Le immagini di questo volume sono le testimonianze dei momenti più belli e degli attimi irripetibili dei concerti: le prove, i dietro le quinte, i viaggi, il pubblico, le scalette... Tanti sono i fotografi che lo hanno seguito in questi anni e, attraverso le loro immagini, hanno dato diverse interpretazioni di un artista completo e sempre più amato.  La nuova edizione di un volume ormai introvabile, uscito nel 2013, considerato il libro di riferimento dai fan e da Vasco stesso, con l'aggiornamento degli ultimi 10 anni di concerti.

In una società che vive in un eterno presente in cui conta soprattutto l'istantaneo, la velocità, l'immediato anche le categorie estetiche del passato e la loro percezione sono mutate. La cultura, l'arte e la scienza – che richiedono lentezza, riflessione e ripetizione – vivono un momento di grande difficoltà, un momento di grande cambiamento. In un periodo in cui non c'è tempo per sentire e men che meno per ascoltare, alla musica più che mai spetta il compito di rappresentare il suono del nostro tempo, di dar suono al nostro tempo, di essere musica del nostro tempo. Quale sarà la scrittura del futuro, quali saranno i testi cui essa darà vita, in che modo cattureranno il tempo, lo scriveranno? in che modo sarà possibile leggerli? Dopo la scrittura, dopo la stampa, siamo ormai in una terza fase, quella che dall'elettronica ha condotto all'informatica, alla rete: che rapporti hanno e avranno nella creazione musicale l'occhio e l'orecchio, il gesto e la scrittura, l'ascolto e il testo? In dialogo con filosofi, scienziati, musicologi ed etno-musicologi, compositori, interpreti, artisti e scrittori, il tempo è elemento centrale di una rete i cui nodi principali (certo non unici) sono la scrittura e l'oralità, il suono e il rumore, la memoria e l'amnesia; si vuol proporre una riflessione sul tempo, non solo teorica, sul cambiamento del modo di definirlo, descriverlo, rappresentarlo, ma anche pratica, sul cambiamento del modo di sentirlo, percepirlo e forse ritrovarlo. L'iniziativa sarà accompagnata da alcuni concerti che saranno rappresentativi di alcuni modi di suonare il tempo oggi, di verificarne le sue fratture e le sue, possibili, ricomposizioni.

La musica a cui si riferisce il titolo di questo libro è, da una parte, la musica che Jean-Jacques Rousseau ascoltò fin da bambino commuovendosi fino alle lacrime e che lo consolò nelle difficoltà dell’età avanzata: musica semplice e piacevole, “naturale” come egli la dice; ed è anche la musica “imitativa”, musica d’arte raffinata e complessa di cui seppe descrivere le dinamiche tecniche e linguistiche nel loro percorso storico e indovinarne il futuro sviluppo; ma è soprattutto l’idea di musica da lui elaborata all’interno della riflessione sull’origine, sulle società, sui linguaggi, e a cui affidò la proiezione del suo io inquieto. Musica risonante e musica teorizzata interagiscono già nella sua prima prova pubblica, la presentazione all’Acadèmie des Sciences parigina di un nuovo sistema di notazione, e nel suo primo scritto pubblicato che lo spiegava nei dettagli e nelle motivazioni. Così sarà in tutte le sue prove musicali fino al Pygmalion quando l’altezza del compito affidato all’artista – la conciliazione di natura e cultura – lo sgomenta tanto da indurlo al silenzio.

Dispacci da una stella chiamata sole è il titolo di una celebre canzone di Viktor Tšoj, leader e frontman de “I Kinò”, la band più in voga in Russia negli anni Ottanta, sul finire del socialismo reale. In questi articoli Giorgio Bona disegna una singolare mappa della Russia. Attraverso canzoni e poesie mette insieme il prima e il dopo e propone punti di vista diversi, utili anche per comprendere il presente. Da Vladimir Vitžoskj e Viktor Tšoj, dalla canzone d’autore al rock che trova radici nella grande tradizione poetica di Marina Cvetaeva, Sergej Esenin e Osip Mandelstam: un modo per riscoprire la forza della parola nonostante tutto, in tempi difficili.

«In queste pagine incontrerai artisti italiani come Gianna Nannini, Fiorella Mannoia, Pino Daniele, oppure musicisti stranieri come Patti Smith, Michael Nyman, Barry White ma soprattutto entrerai in un mondo, quello dello spettacolo, attraverso il racconto della vita dell’autore: musicista, tecnico, imprenditore che ha accompagnato questi personaggi nei momenti che precedono l’incontro con il pubblico oppure durante il concerto stesso. Un punto di vista particolare, che la sua condizione di lavoratore dello spettacolo gli ha permesso di sperimentare. Ha sentito la necessità di condividere queste emozioni cercando di parlare anche di donne e di uomini che fanno di questo mestiere una ragione di vita, lavorando spesso di notte alla ricerca del suono giusto, della luce giusta, in modo da fare esaltare la performance di ogni artista. Tutto questo ed altro lo troverai nelle sue parole “perché la musica è stata sempre la mia passione”.»

Domenico Modugno, insieme a Garibaldi, Verdi, Caruso e Pavarotti, è senza dubbio uno degli italiani più conosciuti al mondo. Le sue canzoni sono state tradotte e cantate in oltre 150 paesi. La parola "volare" è risuonata ovunque come desiderio, sogno di liberazione, simbolo di tempi nuovi, ma anche come segno di solidarietà. In Italia, quel grido sottolineò l'aspirazione di progresso senza negare il cuore antico di un paese, anzi partiva proprio dal profondo della nostra storia, riallacciandosi ad essa e alle sue millenarie stratificazioni. Domenico Modugno era nato nel Sud in un paese povero, e arrivò a conquistare l'America. Più che una storia, la sua è una leggenda che è giusto raccontare. Il libro segue Modugno lungo un percorso biografico come in un romanzo appassionante, guidando il lettore attraverso l'infanzia difficile e avventurosa, l'ostinazione per realizzare il sogno di fare l'attore, e il successo, quasi inaspettato, come autore e interprete delle più belle canzoni del dopoguerra. Fino alla malattia, che chiuse la sua carriera artistica ma fu l'inizio di una nuova vita di impegno civile a fianco della parte più debole della società. Una galleria di eventi spesso sbalorditivi, raccontati col piglio della narrazione romanzesca e seguita da un approfondito saggio musicologico che, per la prima volta, rivela caratteristiche e segreti della sua enorme produzione musicale.

"L’uccello di fuoco" fu la prima delle grandi partiture create da Igor’ Stravinskij per i Balletti Russi di Sergej Djagilev. Funse da trampolino di lancio per la fama e la notorietà di Stravinskij e del coreografo Michel Fokine e, senza timore di esagerare, si può dire che è sempre stata la composizione di Stravinskij più nota e amata dal "grande pubblico". La sua fortuna si deve in buona misura alle suite da concerto, grazie alle quali alcune sue pagine sono divenuti dei classici del repertorio orchestrale. In passato, molti studi si concentrati esclusivamente su di esse, trascurando le musiche che nel balletto integrale erano destinate alle pantomime, non meno interessanti.

Il quarto volume de "Il secolo d'oro della musica a Napoli. Per un canone della Scuola musicale napoletana del '700" è un prezioso strumento per la conoscenza e la riscoperta della grande storia musicale partenopea ed internazionale del diciottesimo secolo. Gli autori descrivono il fertile contesto storico-sociale in cui fiorirono le istituzioni, i luoghi della musi- ca e le committenze; illustrano la vita dei giovani studenti nei celebri conservatori e i metodi didattici che vi si impartivano; tracciano il profilo umano e professionale di emblematiche figure di artisti come buffoni di corte e castrati, gli straordinari divi dello spettacolo che seppero ammaliare e conquistare l'intero panorama musicale dell'epoca. Il secolo d'oro della musica a Napoli si avvale del contributo di esperti di varia formazione e provenienza. Storici della musica, critici, musicologi, ricercatori e musicisti delineano un quadro storico-musico-logico di quello straordinario fenomeno artistico, sociale e culturale che ebbe luogo a Napoli tra la fine del Seicento e l'inizio dell'Ottocento e che prende il nome di "Scuola musicale napoletana". Hanno scritto: Giulio Sodano Stefano Valanzuolo Lorenzo Fiorito Francesco Cirillo Eric Boaro Domenico Sapio Carlo Vitali.

Tutto è informazione e tutto è sempre disponibile, ma siamo confusi come in un labirinto. Oggi la musica che balliamo non è ciò che ci rappresenta, sembra piuttosto una transizione identitaria automatica. Il suono è fatto di vibrazioni, di materiali che si percuotono, di ritmi che muovono i corpi. Andrea Benedetti ricostruisce un’altra storia del suono, soffermandosi sulle svolte epocali della relazione tra musica e tecnologia e sulle teorie di tanti artisti geniali che hanno cercato di cambiare lo status quo oltre ogni previsione possibile. Dalla preistoria fino ad arrivare alla nascita di generi come house e techno, emergono i tratti di una rivoluzione sonora e sociale di cui possiamo riannodare i fili in queste pagine che collegano passato, presente e futuro e ci fanno capire come la visione techno sia ancora unica e indispensabile. Il volume è arricchito da una raccolta di interviste ai maggiori produttori techno di Detroit e i saggi di Francesca Borelli e Andrea Paolo Lisi. Il primo si incentra sulla necessità del dialogo fra le culture grazie alla musica e sull’analisi del delicato tema dell’appropriazione culturale nell’era digitale, mentre il secondo illustra le ragioni per cui la techno si mostra più interessata ad attualizzare gli ideali della modernità umanista e universalista, che non a esprimere valori identitari di tipo razziale o comunitario. Chiude il progetto una postfazione di Christian Zingales, geniale critico musicale di “Blow Up” e grande conoscitore del mondo techno mondiale.