Musica

Tutto produce suono. Le guerre, le dita sullo schermo di un telefono, i concerti, i battiti del cuore. La vita e la morte. Tutto ha un suono preciso, unico e irripetibile, che ci attraversa e ci cambia continuamente: siamo fatti delle vibrazioni che gli eventi della storia emettono, siamo fatti della musica delle nostre esistenze. A volte melodiosa, a volte stonata. Queste pagine di Cristiano Godano vogliono intercettare quelle vibrazioni e quella musica, raccogliendole in uno spartito fatto di sole parole. La voce dei Marlene Kuntz si racconta profondamente, misurandosi con le pagine dei suoi maestri musicali – Nick Cave, Neil Young – e letterari – Vladimir Nabokov. Scrive di bellezza e amore, di umiltà e semplicità, di dittatura e libertà, di complessità e cambiamento climatico, di internet e incantamenti del genere umano, di capitalismo della sorveglianza e manipolazione. Si indigna, ascolta dentro di sé «il suono della rabbia» generato dall’inesorabile deriva occidentale; e più si indigna, più diventa forte quel suono, più l’esistenza, allora, sembra essere intensa e degna di essere vissuta. Il suono della rabbia di Cristiano Godano ci racconta un modo di stare al mondo: abitarlo senza restare in silenzio, cantarlo con tutta la passione che abbiamo in corpo. Sognarlo inseguendo una musica che non è ancora stata composta.

Vic Firth entrò nella Boston Symphony Orchestra nel 1952, all'età di 21 anni. Nel 1956, quando ricevette l'incarico di timpanista principale, divenne anche il più giovane musicista a essere nominato responsabile della BSO dal 1898. Durante la sua illustre carriera Vic ha insegnato ed è stato a capo del dipartimento di percussioni del Conservatorio di musica del New England e del Tanglewood Music Center. Le sue composizioni per percussioni pubblicate e il suo materiale didattico sono utilizzati in tutto il mondo. Nel 1990 il Conservatorio di musica del New England lo nominò Distinguished Alumnus dell'anno e gli conferì il titolo di Honorary Doctor of Music. Nel 1995 fu menzionato nella Hall of Fame dalla Percussive Arts Society. Firth è anche fondatore e presidente di Vic Firth Inc., una società che produce e distribuisce prodotti per percussionisti della massima qualità, disponibili attualmente in tutto il mondo.

Questa raccolta di Brani dal nome “Drum Experience” vuole essere un punto di riferimento per tutti i batteristi e allievi che intendono mettersi in gioco attraverso brani inediti strumentali prodotti in modo moderno. I brani sono stati creati da Daniele Piu seguendo la sua idea musicale che lo ha portato a creare il suo progetto solistico dal quale prende il nome questo libro. L’idea deriva dalla necessità di avere nel contesto didattico delle composizioni su cui poter studiare la tecnica della batteria, ma che siano attuali e che rispecchino le nuove tendenze solistiche dei batteristi internazionali. Esercitarsi con lo strumento attraverso dei brani di questo tipo, ha come obbiettivo portare i lettori a sprigionare la propria creatività nell’accompagnamento e nella costruzione dei soli e delle improvvisazioni, per questo all’interno del libro troverete per ogni brano oltre alla base drumless, la partitura proposta dall’autore con un arrangiamento dedicato per ogni composizione. A tal proposito è importante sottolineare che le partiture non vogliono essere un blocco alla creatività, ma una guida da cui partire per poi potersi aprire ad una propria visione personale del brano.

Il volume raccoglie una selezione di testi prodotti dall'autore nelle circostanze tipiche di esposizione orale (conferenze, presentazione di libri o di concerti, attività didattica occasionale, convegni di studio) e non destinati in origine alla pubblicazione. I temi trattati scaturiscono dall'attività di ricerca sulle tradizioni musicali lucchesi e si avvalgono di uno stile discorsivo capace di attrarre, negli intenti, un pubblico eterogeneo. Anche il metodo interdisciplinare, costantemente applicato sulla spinta delle ricche fonti documentali, aspira ad abbattere le barriere specialistiche e a restituire attraverso la musica un'immagine complessa della vita cittadina.

Nella grande stagione della canzone d’autore che vide gli esordi di Paoli, Tenco, Lauzi, Bindi e De Andrè, c’era anche un giovane impiegato presso l’Ufficio Spedizioni del Porto di Genova, colto musicofilo poliglotta, destinato a diventare il più grande autore di testi della canzone italiana. Giorgio Calabrese non ha solo scritto migliaia di canzoni per i più grandi della musica leggera – da Mina a Ornella Vanoni – ma ha avuto il merito di far cantare in italiano molte “stelle” straniere, come Charles Aznavour. È stato anche prolifico autore di testi anche per trasmissioni televisive (come alcune edizioni di Fantastic! E Domenica in) e radiofoniche, condotte con inconfondibile ironia. Questo libro, prima monografia in assoluto dedicata a lui, racconta i molti volti di Giorgio Calabrese, con il corredo sia di scritti da lui elaborati per periodici e copertine di dischi, sia soprattutto con le testimonianze inedite di chi ha lavorato con lui, da Gian Franco Reverberi a Ornella Vanoni, da Pippo Baudo a Gino Paoli. Oltre ad alcune delle interviste, il giornalista e musicista Vito Vita ha curato il fondamentale ed esauriente apparato discografico.

Un formidabile viaggio nei sentieri meno esplorati della musica per incontrare grandissimi artisti e le loro opere talvolta meno note, eppure memorabili. Dal disco capolavoro di Prince sparito dal mercato alla jam session segreta dei Rolling Stones, da un rarissimo LP di Yoko Ono alla registrazione di un mitico concerto milanese degli Area, rumorosamente contestato dal pubblico; e poi Philip Glass e i Roxy Music, Luciano Berio e Karlheinz Stockhausen, John Cage e Claudio Lolli. Tra memorie private e analisi musicale, Carlo Boccadoro, compositore tra i maggiori del panorama internazionale, guida il lettore in una playlist d’autore che attraversa la storia della musica. “L’ascolto di un intero album della durata di quaranta minuti appare come un’utopia nell’era attuale della frammentazione di senso e dell’attenzione ridotta al minimo: per poter apprezzare i dischi che propongo in 12, invece, ci si deve mettere all’ascolto con l’intenzione di compiere un viaggio, lungo il quale si viene accompagnati dalle immagini e dalle note di copertina che raccontano chi questi dischi li ha cantati, suonati, registrati, prodotti, stampati.”

“Questo treno porta santi e peccatori, perdenti e vincenti, puttane e giocatori d’azzardo, questo treno trasporta anime perse”. Bastano poche parole, in questo caso di Bruce Springsteen, per dipingere un universo intero e far apparire i mille volti della natura umana. La locomotiva sbuffante e i vagoni carichi di personaggi sono l’oggetto centrale di questo Il treno alle porte del paradiso perché, dove c’è una storia di viaggio, c’è anche un sottofondo musicale. E proprio le sette note, siano esse maltrattate da una chitarra rock o accarezzate dalla voce di un raffinato cantautore, rappresentano il filo conduttore di questo volume che ha lo scopo di provare a narrare il legame presente in decine di canzoni anglo-americane e italiane, fra la musica e, appunto, quello che è da due secoli uno dei simboli dell’esistenza di ciascuno di noi: il treno. Il rumore del vapore, gli ambienti delle vetture, il fischio, i viaggiatori, i vagabondi e i treni merci, storia e storie del più “sacro e profano” dei mezzi di trasporto. E poi tutti in viaggio verso il cielo seduti su un treno “alle porte del paradiso”… anche perché in paradiso non si lascia indietro nessuno. I tre autori del testo spaziano in questi territori sconfinati, dove il protagonista è un convoglio ferroviario che spunta inarrestabile dietro una curva o che scappa veloce verso una vita migliore, verso il riscatto o la perdizione. Stefano Maggi racconta come le canzoni sulla ferrovia siano una fonte per analizzare la storia sociale, Pino Tuscano si perde sul rock’n’roll train a stelle e strisce e Fabrizio Barabesi ci riporta a casa, in Italia. Prefazione di Stefano Pierini.

«Ci proponiamo con questo manuale di fornire una facile guida che il lettore può utilizzare sia per procedere in autonomia a passeggiare/camminare in piena consapevolezza "sonora", sia per creare gruppi o eventi partecipati, sia per svolgere attività di formazione, ri/educative, di sostegno o di semplice svago. Ci auguriamo di far conoscere un ambito di ricerca e di pratica che si interseca con l'ecologia e gli studi ambientali, con la psicologia e la sociologia, con l'ambito della "cura" e le discipline del benessere, nonché con le attività del tempo libero. Mediante la "passeggiata sonora" proponiamo infatti un percorso conoscitivo ed emozionale che non solo renderà più acuti tutti i nostri sensi (a partire dall'udito), ma ci darà tonicità, vigore e - non ultima - maggiore consapevolezza di noi stessi e della nostra biosfera. Il volume è completo di una parte teorica, di un questionario e di esercizi, e può dare beneficio anche a chi ha problemi di udito e di deambulazione.»

Si può descrivere una città, la storia, le tradizioni e cultura per arrivare alla gastronomia tramite un celeberrimo musicista? Non solo si può, è accaduto. In questa originale guida Niccolò Paganini è tornato a Genova per riabbracciare il pubblico, suonare e mostrare la città, in un viaggio polisensoriale da leggere, da vedere e da ascoltare, grazie al supporto di audio e video. Seguiamolo in questo itinerario basato su aneddoti, storie mai raccontate, ma anche tanta immaginazione, alla scoperta di suggestioni e fantasie col violino protagonista. Questo viaggio musicale si svolge dal centro storico della città di Genova al casino di campagna di Paganini in Val Ppolcevera, dall'amata Nervi, alle perle turistiche della Riviera Ligure di Levante, dall'entroterra delle Quattro Province a Parma, per poi fare ritorno a Genova proprio nei luoghi significativi dove Niccolò visse d'amore per la sua arte.

Reggio Emilia, agosto 1945. A quattro mesi dalla fine della guerra, in un Paese dalle ferite ancora aperte, quattro giovani musicisti cercano di riannodare i fili di un sogno concepito tre anni prima, e interrotto dalle vicende del conflitto. Si erano conosciuti nell’estate del ’42 all’Accademia Chigiana di Siena: suonando il Quartetto di Debussy al saggio finale avevano scoperto un’intesa singolare e profonda. Il sogno è dunque quello di fondare un Quartetto, e di intitolarlo all’Italia che rinasce. Dopo i primi passi in provincia, con il debutto a Milano comincia una delle più straordinarie carriere musicali del dopoguerra, che porterà il Quartetto Italiano in tutte le capitali d’Europa, quindi oltre Oceano, in un’America che li acclama come «il più bel Quartetto del secolo», e ancora in Unione Sovietica, in Giappone, in Sudamerica, ovunque nel mondo. Nati sotto il segno di Toscanini nel rigoroso rispetto del testo musicale, trascorsi dieci anni di straordinarie esecuzioni a memoria, i quattro “cavalieri dell’arco” scopriranno – dopo un memorabile incontro con Furtwängler – quella libertà che consentirà loro di penetrare nelle insondabili profondità delle ultime creazioni beethoveniane. Si realizzerà così quel felice connubio fra cantabilità italiana e sapienza polifonica tedesca che farà del Quartetto Italiano un’icona della musica da camera. Dopo trentacinque anni di una carriera impareggiabile, il Quartetto Italiano riceverà la più grande delle attestazioni: “Cavatina” dal Quartetto op. 130 di Beethoven viene inserita dalla nasa fra i monumenti dell’umanità che la sonda “Voyager 2” sta portando alla fine dell’universo. Prefazione di Duilio Courir. Con una nota di Giovanni Bietti.