Musica

1600. Nasce l'Opera ed un problema antico ritorna attuale. Quale il rapporto che librettista e compositore devono ricercare in una coinvolgente esecuzione? Si pensava, in origine, a un ripristino della tragedia greca, ma molto di questo genere composito era andato perduto: la musica, il valore dei suoi 'modi' e delle sue pause, l'accento musicale della lingua stessa. A secoli di distanza, dunque, non poteva che nascere un genere nuovo; ma la suggestione dell'Antico dà all'Opera lirica i suoi frutti. I miti riportati sulle scene non potevano prescindere dal tentativo di ricrearne l'effetto complessivo nonostante la contaminazione praticata da culture diverse sui loro contenuti, sui pochi dati sicuri giunti fino a noi afferenti alla loro interpretazione. Intervengono, ora, fattori esterni dovuti al gusto del tempo, alle conoscenze dei librettisti, mutuate da traduzioni che in genere potevano considerarsi 'belle infedeli', e nondimeno responsabili di scelte decisive: tangibili, queste, nel ruolo da attribuirsi al Coro e alla sua incidenza sulle parti del libretto; nel 'peso' e nel colore dell'orchestra che non devono semplicemente ricadere sulle parole, ma fondersi con la 'corposità' della loro area semantica e fonetica. Di conseguenza, ogni creazione riflette una diacronia che fra XIX e XX secolo sembra tuttavia privilegiare un più consapevole ritorno a una riscoperta della parola che rinasce quale 'parola scenica', non più semplice suffraganea della musica.

Dramma giocoso in due atti. Libretto di Lorenzo Da Ponte, musica di Wolfang Amadeus Mozart. Prima rappresentazione Vienna, Burgtheater 1790. Con un saggio di Carla Moreni.

Questo volume si propone di esplorare un’esperienza musicale unica, che ha segnato profondamente la scena italiana per oltre venticinque anni, dalla metà degli anni Sessanta alla metà degli anni Novanta. Il percorso di Lucio Battisti, la cui conclusione sembra quasi simbolica con l’album Hegel del 1994, viene analizzato sotto una lente filosofica, interrogando il processo di evoluzione e decostruzione della forma canzone. Un viaggio che, attraverso gli snodi decisivi della sua carriera, rivela un’arte in continua trasformazione, capace di sfidare le convenzioni e ridefinire i confini della musica popolare italiana.

"Invettive musicali" è l’irriverente campionario di «giudizi prevenuti, ingiusti, maleducati e singolarmente poco profetici» che critici autorevoli ma non sempre così illuminati hanno espresso nei confronti di grandi compositori, da Beethoven fino a Copland. Nessuno di loro è sfuggito al «rifiuto dell’insolito», o peggio, a quella cronica durezza d’orecchio che tanto spesso impedisce di riconoscere il bello in ciò che è radicalmente nuovo. Scopriamo per esempio, scorrendo le citazioni ritagliate dalle forbici erudite e affilate di Slonimsky, che la musica di Berlioz è simile «ai farfugliamenti di un grande babbuino», Un americano a Parigi «uno sproloquio ... volgare, prolisso e inutile», mentre i Cinque pezzi per orchestra di Webern sono da considerare «significativi e sintomatici quanto un mal di denti». A Brahms hanno dato dell’«epicureo sentimentale»,a Wagner dell’«eunuco demente», ad Alban Berg del «millantatore... pericoloso per la collettività»; Verdi è stato etichettato come un «signore italiano» autore di «tiritere per ottoni e piatti tintinnanti», Liszt come «uno snob uscito dal manicomio», Reger come «uno scarafaggio miope, gonfio... accovacciato su una panca d’organo». La condanna delle dissonanze è pressoché universale – a partire, nientemeno, da Chopin –, e ogni novità è immancabilmente bollata come cacofonica: quella di Bruckner è «polifonia impazzita», La mer di Debussy diventa perfidamente «Le mal de mer», e Rachmaninov viene liquidato con un perentorio «mai più!». L’irresistibile antologia di Slonimsky si legge, dunque, come un’ilare antistoria della musica, «arte in progress» per eccellenza, sempre proiettata oltre sé stessa, e oltre le regole e le comode certezze dei ‘benascoltanti’.

“Un segno di vita è il diario di viaggio di un disco scritto e registrato tra un rifugio in alta montagna, un seminterrato di Milano, un’isola nell’oceano in cui è sempre primavera, e un appartamento di Ferrara nella nebbia dell’inverno. Le avventure e le riflessioni mentre le cose immaginate diventano reali. In queste pagine è finito tutto quello che dalle canzoni è esondato per prendere un’altra vita.” Esce nella primavera del 2024 l’ultimo album di Vasco Brondi, Un segno di vita. Come nel caso dei dischi precedenti, lo accompagnano pagine di taccuini, appunti, altri segni ancora, a comporre un diario di lavorazione che procede parallelamente alla registrazione delle canzoni. Impressioni, ricordi, riflessioni, conflitti, emozioni: tutto il vissuto e la gestazione di un disco assieme a tutto quello che lo precede, lo abbraccia, lo segue. Un libro intimo e acceso, vibrante e mai quieto, pieno di poesia, di silenzio, di lampi che illuminano tutto.

In dieci brani un potente cantico su un sentimento e un’attitudine universali, che cadenzano i giorni degli esseri umani. La promessa della felicità diventa metafora di una condizione e di un destino in cui, di stazione in stazione, l’affanno del cuore e l’incertezza della mente sembrano sciogliersi solo nel compiersi improvviso di un’attesa, nella ricchezza di piccole gioie quotidiane. L’album prende il titolo dal brano omonimo, votato nel 2024 tra le cinque migliori canzoni dell’anno dalla Giuria del Premio Tenco, e ha poi preparato il terreno alle altre canzoni che si dispongono come tessere di un unico mosaico sulle molteplici declinazioni della felicità. Anche in questo lavoro Sirianni, indicato da Bruno Lauzi come “il vero erede della storica scuola genovese”, si muove pertanto in senso contrario alla direzione dettata da mode e algoritmi, per privilegiare l’incontro tra musica e parole in una narrazione di grande respiro. Con la direzione artistica di Michele Gazich, l’album si caratterizza per un impianto intimo e risolutamente acustico che, tra pianoforte, chitarra ed archi, assume un andamento delicatamente orchestrale. Nell’album dipinti di Romina Di Forti

Vissuto fra il 1838 e il 1875, Georges Bizet apparteneva alla nobile generazione di Saint-Saëns e Massenet, ma diversamente da loro fu uomo e artista problematico, capace anche di distruggere certa sua musica. Non compose molto, sebbene una sinfonia e una suite intitolata Roma siano fra le più belle composizioni francesi dell’epoca. Delle undici opere sceniche sono in repertorio gli esotici Pêcheurs de perles e la straordinaria Carmen del 1875 liberamente tratta da un racconto di Mérimée. Definita come la quintessenza dell’opera francese e superba tanto di melodismo quanto di ritmica, Carmen è uno dei capolavori del teatro d’opera di tutti i tempi, e secondo Nietzsche era l’antidoto ideale ai fumi estetici e drammatici di Wagner. Ma l’autore morì, forse suicida, pochi mesi dopo l’insuccesso subito all’Opéra-Comique. Giorgio Corapi, romano di nascita e formazione, è vissuto a lungo a Spoleto. Scrittore, francesista, esperto di musica e di melodramma in particolare, ha collaborato con riviste sia musicali che letterarie e con la RAI (per programmi radiofonici e televisivi). Interessato tanto alla ricerca quanto alla divulgazione, riteneva che la storia della musica possa essere un grande strumento di conoscenza della vita del mondo.

Libro polisensoriale con materiali multimediali. Un viaggio musicale tra passato, presente e futuro, un album che racconta Genova, ma parla a tutti - 10 brani in genovese, 1 in italiano Caruggi è un viaggio emozionale e musicale che attraversa il cuore pulsante di Genova, la sua “Città Vecchia” e i suoi vicoli intrisi di storia e tradizione. Con sonorità che fondono antico e moderno, I Trilli celebrano la loro città con un’opera che è al tempo stesso omaggio al passato, riflessione sul presente e sguardo verso il futuro. Per Vladi, leader del gruppo, Caruggi rappresenta un viaggio introspettivo, un’opportunità per esplorare una nuova dimensione artistica e personale. L’album è un perfetto equilibrio tra radici musicali e innovazione, con arrangiamenti contemporanei che danno nuova linfa alla tradizione ligure. A impreziosire questo progetto discografico alcuni grandi autori di rilevanza nazionale, fra i quali: Vittorio De Scalzi, storico fondatore dei New Trolls, Aldo De Scalzi e Pivio Pischiutta, (noti autori e compositori di oltre 200 colonne sonore cinematografiche e vincitori di 3 David di Donatello e 3 Nastri d’Argento), ed Emanuele Dabbono, già autore di Tiziano Ferro e Alfa.

Irriverente, contraddittorio, maleducato e brutalmente onesto. Il testo che ha fatto la storia del femminismo hip hop offre uno sguardo provocatorio e intimo sulla vita delle donne nere e sulle loro relazioni affettive con i “fratelli”. Un’incarnazione complessa di voci e mondi in cui la generazione hip hop degli anni Novanta si interroga sull’efficacia della parola con la f; in cui le femministe hanno relazioni con i più sessisti del quartiere; in cui le donne che tengono alla loro indipendenza spesso preferiscono uomini che paghino il conto; in cui l’aumentare di madri e padri single spinge a riflettere sul peso che responsabilità, soldi ed emozioni hanno nella costruzione di nuclei familiari; in cui le donne riflettono sulle vulnerabilità dei loro uomini. Un testo che sfida i tradizionali ruoli di genere e fa luce sulle complessità dell’essere donna nella cultura hip hop. In un amalgama pulsante di storia, vita, cultura e memoria Joan Morgan introduce una voce che, come l’hip hop, ne raccoglie e stratifica tante altre, inietta la sua sensibilità nei vecchi paradigmi e li capovolge in qualcosa di nuovo, destabilizzante e potente.

Rock è rivoluzione è un viaggio appassionato attraverso la nascita e l’evoluzione del rock cinese (yaogun), un movimento culturale che ha cambiato per sempre l’immaginario di intere generazioni.Dalla Cina degli anni ’70, sospesa tra fedeltà alla tradizione e ricerca di modernizzazione, fino al boom creativo degli anni ’90 e all’arrivo di internet, il rock ha attraversato confini e abbattuto barriere, diventando voce di dissenso e alternativa allo status quo, senza mai diventare mainstream.Tra racconti personali, interviste, testi tradotti, fotografie e curiosità sorprendenti, l’autore intreccia storia e passione, offrendo uno sguardo unico su una Cina sconosciuta e irripetibile.

Una carriera che ha da tempo superato il mezzo secolo, oltre cinquanta album tra studio, live e raccolte; più di ottanta milioni di dischi venduti, 10 dischi d’oro e 5 di platino. Non male per una band nata come un ibrido tra Folk e Blues che poi ha spaziato nel Prog, nel Pop, nel Jazz e nell’Elettronica, con uno sguardo sempre vigile sulla Musica Classica. Già, il Prog. Questo volume è una riflessione attraverso l’intera carriera della band, dalla nascita ai giorni nostri, con una carrellata su quell’intero panorama che fu specchio fedele di un’epoca e che, per brevità, venne battezzato “Prog”: la “Musica Progressiva”, che scombussolò il Rock dalla fine degli Anni Sessanta per almeno un decennio. Ma soprattutto in queste pagine c’è un approfondimento, dal punto di vista delle liriche, sulle cosiddette “Fiabe di Anderson”: la traduzione, la storia e l’interpretazione dei testi più significativi della discografia dei Jethro Tull, tutti opera di Ian Anderson, con un occhio particolare ai tre dischi più amati, cioè Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972), A Passion Play (1973).

Il volume è un esauriente compendio frutto della ricerca e del recupero operati dall’autore nell’analisi dell’intero e confuso archivio di Franco Manisco, importante musicista pugliese (1894-1984) nato a San Pancrazio Salentino. Molti documenti sono andati perduti o distrutti nel corso dei vari trasferimenti da quelli operati nella città di Milano e, in seguito, in San Pancrazio, ma certamente quanto riportato nel libro permette al lettore di scoprire, o riscoprire, la complessa figura di Manisco nei suoi vari aspetti di insegnante di musica e di canto, direttore d’orchestra e compositore, musicista, filantropo, autore e poeta.