Musica

12 canzoni di ispirazione ad altrettante poesie, disegni, narrazioni, ma solo 2 argomenti, l’amore e la morte, che hanno da sempre affascinato il rock più cupo e le sue innumerevoli derivazioni così come autori e narratori nell’arco di decenni. Non fanno eccezione Daniele, Antonio e Daniela, che sotto l’acronimo di D.A.D. - Desperates Authors Discovering, si sono messi alla prova con brani ermetici, evocativi, spietati e frantumanti, la colonna sonora di una generazione che ora deve lasciare un’eredità e un testimone complesso e controverso, una grande passione per la musica meno rassicurante.

Dall'esperienza del corso di "Addestramento Mentale: un supporto alla formazione del musicista" tenuto presso il Conservatorio "Giacomo Puccini" della Spezia, l'autrice elabora quel percorso didattico in un progetto di ricerca, su un tema che ancora non è entrato a pieno titolo nella didattica ufficiale delle istituzioni AFAM. Conosciuto come "ansia da prestazione", in realtà si tratta di qualcosa di molto più articolato, del quale, l'apprendimento di una corretta gestione delle proprie emozioni è solo il punto di partenza. L'aspetto emozionale, che investe la figura del musicista in quanto tale, non può più essere relegato alla maggiore o minore forza d'animo del singolo musicista. Anzi, forse è giunto il momento di mettere definitivamente da parte alcuni cliché, che ancora oggi continuano a sopravvivere. Per esempio considerare normale uno stato ansioso, più o meno invalidante, prima di un concerto, un esame o una semplice esercitazione di classe. Al contrario, saper gestire lo stress da palcoscenico, è qualcosa che si può e si deve imparare. Infatti, osservando il problema dal punto di vista dei musicisti, è emerso che fare musica, può rivelarsi un ostacolo al loro benessere psicofisico, proprio per l'incapacità di affrontare le sfide che si presentano di volta in volta. Per cui, anche in ambito artistico musicale, l'introduzione di buone pratiche riconducibili alla mindfulness o a sámatha, hanno dato risultati assai significativi in merito all'ottenimento di quel benessere indispensabile per raggiungere alti livelli professionali. Risulta evidente che, alzando i livelli di consapevolezza, concentrazione e attenzione, i musicisti possono sviluppare migliori capacità di esecuzione sentendosi perfettamente a proprio agio. Ma non solo mindfulness o sámatha, parallelamente, ed è questo il valore aggiunto, nel percorso illustrato in questo saggio si pone l'accento anche sull'efficacia di un addestramento di tipo cognitivo. Aspetto non trascurabile che mette al centro alcune potenzialità della mente umana che altrimenti rimarrebbero inutilizzate. Raccontare che esiste una soluzione ai problemi emotivi, tramite un percorso funzionale e strutturato, può essere molto utile a chi si dedica all'arte musicale a tutti i livelli. Il saggio inoltre, è corredato di alcuni esercizi in riferimento agli argomenti trattati, che sono stati sperimentati nelle varie edizioni del corso, inseriti in apposite schede per una più rapida consultazione.

Armstrong, Braxton, Coltrane, Davis, Ellington, Fitzgerald, Jarrett, Mingus, Monk, Art Ensemble of Chicago...: oltre duecento profili di maestri del jazz, pensati per un lettore non esperto ma che vuole avvicinarsi a questa musica. Quali dischi sono assolutamente indispensabili per capire quale meravigliosa esperienza sia il jazz? Attraverso l’analisi dei singoli dischi Carlo Boccadoro offre una serie di consigli per orientarsi in questo variegato universo e allo stesso tempo ne delinea una sua particolare «storia» che va dal dixieland di New Orleans sino al jazz contemporaneo, suddivisa in categorie strumentali: i pianisti, i cantanti, i solisti di tromba, di sax, le grandi orchestre… Pagina dopo pagina sfilano sotto i nostri occhi i capolavori del jazz e le loro registrazioni discografiche esemplari in un percorso stimolante e ricco di sorprese dove non mancano aneddoti curiosi che riusciranno ad affascinare anche gli esperti in materia.

Artista eclettico, radicato nella tradizione jazz ma capace di innervarla con il rock, il pop e la musica classica, creatore di uno stile personalissimo, riconoscibile dopo poche note, imitato dai pianisti più giovani di lui e da molti coetanei, Brad Mehldau è uno dei musicisti che meglio è riuscito, nell’intero panorama mondiale, a portare il jazz nel XXI secolo. Americano, nato nel 1970, attivo sulle scene jazz fin dai primi anni Novanta, è oggi ritenuto da gran parte della critica uno dei pianisti-faro del presente. I suoi dischi, sia in trio sia da solista, si vendono in tutto il mondo e sono sempre accolti come dei veri e propri eventi. Nonostante il successo, tuttavia, finora è mancata una vera monografia di qualità dedicata alla vita e alle opere di Mehldau. Ritratto di un pianista eclettico tenta per la prima volta di colmare questa lacuna attraverso due prospettive complementari: quella di un critico e giornalista Sergio Pasquandrea e quella del pianista Carlo Morena, capaci insieme di illuminare tutti gli aspetti della figura di Mehldau. Il libro è arricchito dall’analisi accurata di tre improvvisazioni celebri del jazzista americano, la cui trascrizione integrale sarà scaricabile attraverso un codice QR. Un libro ricco di approfondimenti ma costruito in modo da offrire un vivido racconto dell’universo artistico di Brad Mehldau a ogni tipo di lettore.

“La trap è sempre differente, marginale, eccessiva, anche adesso che occupa il centro della scena” con i brani di Sfera Ebbasta, Anna Pepe, Tony Effe e tanti altri trapper in cima a ogni classifica di streaming. Non serve più spiegare che cosa sia e da dove venga questa musica. Anzi, la stessa trap è ampiamente in grado di spiegare il Paese, come una specie di mitologia sotterranea e onnipresente. L’ossessione per la ricchezza, la paura della povertà, l’attrazione per il crimine e il potere, i conflitti di classe. Queste storie di riscatto, tradimento, successo raccontano la realtà urbana contemporanea con una vitalità che manca al pop rassicurante e consolatorio. Alberto Piccinini e Giovanni Robertini mostrano la natura spesso conflittuale e polarizzata del dibattito pubblico in cui la trap è immersa, tra ansie securitarie e panico morale sui famigerati maranza. Ma soprattutto "Maxi-rissa" ci porta dentro il mondo di Baby Gang, Simba La Rue, Paky – un “fumettone di case popolari, pistole, famiglie divise, piccoli criminali, spaccio, vendette, macchinoni e Rolex” –, offrendoci uno sguardo unico, provocatorio e finalmente empatico sulle disuguaglianze, l’identità delle seconde generazioni, il rapporto tra centro e periferie nell’Italia di oggi.

"Un ricordo al futuro" è la raccolta delle conferenze tenute da Luciano Berio a Harvard tra il 1993 e il 1994. Scardinando vecchie strutture di pensiero e senza timore di sfidare le convenzioni, Berio ci guida in un viaggio teorico in sei tappe, ciascuna articolata attorno a uno specifico tema: dal legame fra teoria e pratica alle possibilità inventive della «traduzione» musicale (la trascrizione, l’adattamento), dal processo creativo della composizione al provocatorio concetto di «dimenticanza», inteso come atto di rinnovamento. Incontro dopo incontro, Berio ripercorre le tracce dei suoi maestri – quelli più antichi e quelli più recenti –, in un fruttuoso confronto alla pari, dove la musica si intreccia con la letteratura, la poesia, la filosofia. Un prezioso inedito arricchisce le lezioni di Harvard in questo volume curato da Talia Pecker Berio. Si tratta delle lezioni magistrali che, su invito di Umberto Eco, Berio tenne nella primavera del 2000 presso la Scuola Superiore di Studi Umanistici di Bologna. Questo affiancamento consente al lettore di seguire gli sviluppi di una riflessione in continuo divenire e la creatività di un artista, di un pensatore che amava riscrivere se stesso perennemente, ogni volta rinnovandosi. L’orecchio allenato riconoscerà tra le voci del passato e la melodia del presente il suono di una penombra lontana: l’avvenire. Ed è un ascolto che accetta la sfida e la responsabilità di dover ogni volta «reinventare il senso». Berio amava spesso ripetere il motto «rem tene, verba sequentur»: la sua affascinante scrittura testimonia e rispecchia questa convinzione, rivelando un orizzonte di pensiero, non solo musicale, eccezionalmente ricco e profondo, che da decenni non smette di interrogare il nostro presente e il nostro futuro.

In "Napoli balla" le superstar della musica - da Pino Daniele a Liberato - si confondono in una folla di discografici, Dj, turnisti, raver, clubber e punk, insieme a rispettabili musicisti d’orchestra che scrivono di nascosto brani discofunk. I corpi che danzano nella notte inventano nuovi codici di relazione contribuendo a dare forma alla città: il dancefloor è lo spazio sociale della decolonizzazione, e la storia ha portato a Napoli i suoni di un mondo postcoloniale. Questo racconto ibrido percorre randomicamente le sottoculture musicali della città tra gli anni ’70 e oggi: tracce «invisibili agli archivi di carta», che attraversano i grandi avvenimenti storici. Tra night club, discoteche e garage, sotto le botole nel tufo o nascosta dai palazzi, Napoli si muove, segreta e inafferrabile, con radici nell’Africa nera, il cuore nell’Atlantico e lo sguardo sempre rivolto alle metropoli del mondo.

L’estro compositivo e la lungimirante visione artistica di Pete Townshend, chitarrista e mente del gruppo inglese The Who – che oggi taglia il traguardo degli 80 anni, lui che sei decenni fa scriveva l’immortale verso “Spero di morire prima di diventare vecchio” – sono geniali e, nello stesso tempo, complessi. Ne sono testimonianza l’originale e versatile discografia solista, per il momento interrotta dopo il concept-drama psychoderelict (il settimo album in studio del 1993), e i numerosi progetti arrangiati per orchestre da camera o sinfoniche. Un’alternanza di successi e risultati meno riusciti, con un seguito – per lo più, immeritatamente – minore rispetto a quello delle reunion con Roger Daltrey, negli ultimi decenni. Eleonora Bagarotti segue da molti anni Pete Townshend nei suoi vari percorsi e in questo libro approfondisce il suo repertorio solistico e i progetti più rilevanti, da Tommy in versione musical a Classic Quadrophenia, dal gruppo Deep End a Lifehouse, restituendo un’analisi filologica e una critica musicale sempre accurata e stimolante. Il volume è arricchito dai commenti dello stesso Townshend raccolti sul campo.

“Music Masterclass” è un manuale completo e appassionato pensato per chi sogna di affermarsi nel mondo della musica. Scritto da Domenico “Mimmo” Paganelli, veterano dell’industria musicale con quarant’anni di esperienza, il libro raccoglie il meglio di una carriera fatta di incontri, sacrifici e trionfi. Attraverso testimonianze e consigli di grandi artisti e addetti ai lavori il lettore potrà immergersi in un percorso formativo che abbraccia tutti gli aspetti del mestiere: dalla tecnica vocale alla scrittura dei testi, dalla produzione musicale alla promozione e alla gestione dell’immagine artistica. Il manuale non si limita a fornire indicazioni tecniche, ma offre anche una riflessione profonda sul valore della passione, della perseveranza e della creatività. Ogni capitolo è una finestra aperta sulla realtà di un settore in continua evoluzione, dove la tradizione si intreccia con l’innovazione e dove l’unicità di ogni artista diventa il vero motore del successo. Le esperienze narrate, arricchite da aneddoti personali e dai contributi di professionisti che hanno segnato la storia della musica italiana, invitano a guardare oltre le mode passeggere per costruire una carriera solida e autentica. Una guida indispensabile sia per i talenti emergenti che per chi, pur avendo già raggiunto il successo, desidera continuare a crescere. “Music Masterclass” dimostra che la musica è arte, emozione e coraggio, frutto di una costante ricerca dell’eccellenza. Con questo manuale, ogni artista potrà trasformare la propria passione in una storia di successo duratura, capace di lasciare un segno indelebile nel panorama musicale. Contiene interviste e racconti a cura di: Laura Valente - Francesco Sarcina (Le Vibrazioni) - Phil Palmer - Francesco Caprini (Rock targato Italia) - Vasco Rossi - Francesco Guccini - Cromo - Geoff Westley - Piero Cassano - Alberto Salerno - Mario Lavezzi - Mauro Paoluzzi - Mara Maionchi - Dino Stewart - Antonio Vandoni (Radio Italia solo musica italiana) - Carlo Lecchi (presidente AVI) - Riccardo Vitanza (Parole & Dintorni).

Un metodo in due volumi per lo sviluppo della propria creatività. Nato come guida per i corsi accademici di chitarra jazz nei Conservatori ed adatto a tutti i musicisti. Il Volume 2 approfondisce l’uso di arpeggi su cadenze minori ed accordi alterati. Nell’ambito armonico affronta le triadi “late” e i movimenti interni. Nel capitolo scale: sixth diminished, pentatoniche, esatonali e diminuite. Vi sono esercizi pratici su progressioni come il Rhythm Changes e altri standards. Include l’improvvisazione su cadenze complesse, i Coltrane changes e 10 strumenti tra idee ritmiche, voice leading ed intervalli. Introduce tecniche di contrappunto e il concetto di Sister Dominants.

Questo volume presenta una raccolta di celebri composizioni di Ennio Morricone, arrangiate per quartetto di sassofoni da Paolo Favini. Le trascrizioni offrono una nuova prospettiva sonora sulle melodie iconiche del Maestro, valorizzando le potenzialità timbriche e dinamiche dell’ensemble sax. Il repertorio include alcuni dei brani più noti e intensi della produzione morriconiana: Accadde a Venezia, Alfonsina delle camelie, C’era una volta il West, Childhood Memories, Come un madrigale, Deborah’s Theme, Gabriel’s Oboe, Giù la testa, Indagine su un cittadino, Al di sopra di ogni sospetto, Infinito, Malèna, Metti, una sera a cena, Mille echi, Regan’s Theme e You’re Still You. Il libro include sia le partiture complete (Full Scores) sia le parti staccate (Single Parts) per ogni strumento, rendendolo ideale per la preparazione di esecuzioni sia didattiche che professionali. Un omaggio raffinato e coinvolgente, pensato per interpreti che vogliono confrontarsi con la profondità emotiva e la ricchezza espressiva della musica di Morricone attraverso la voce duttile e calda del quartetto di sassofoni.

Una sessione di riscaldamento ben strutturata è fondamentale per ogni chitarrista: migliora la sincronizzazione, rafforza muscoli e tendini, e prepara a una pratica più efficace. Questo metodo propone un percorso completo, graduale e pensato per il chitarrista moderno, indipendentemente dallo stile musicale. Attraverso 15 capitoli e oltre 300 esercizi, il libro affronta aspetti tecnici essenziali come la pennata alternata, le allargature, il legato, la coordinazione e la resistenza, senza trascurare lo studio delle scale fondamentali. Sono inclusi anche esercizi di accompagnamento ritmico e tre assoli finali in stile Pop, Blues e Smooth Jazz. Ideale come warm-up quotidiano, questo metodo aiuta a costruire una tecnica solida e una maggiore consapevolezza musicale.