Letteratura teatrale

"Drammatico incontro tra un uomo ferito e una giovane prostituta. Ciò che lo spettatore è portato a credere inizialmente, si rivela man mano falso. La verità tarda a delinearsi, insieme alla reale identità dei protagonisti, fino al colpo di scena finale, che fa passare improvvisamente il testo da circostanze in apparenza realistiche a una condizione metafisica".

Il volume raccoglie le prime due commedie verghiane, risalenti al periodo fiorentino, I nuovi tartufi e Rose caduche, insieme agli abbozzi delle opere teatrali non compiute e a quanto ci è giunto delle sceneggiature cinematografiche. Se i frammenti delle opere teatrali attestano un costante scambievole rapporto tra novellistica e teatro, la collaborazione con la nascente industria cinematografica offre una ulteriore testimonianza della concezione profondamente sperimentale che Giovanni Verga ebbe dell'arte.

In un mondo segnato da ansia globale, crisi climatica e incertezze politiche, una giovane coppia affronta il dilemma: è giusto avere un figlio oggi? Tra esitazioni e slanci, la decisione si fa complessa. Cosa rischia di rompersi prima: la coppia o l’ambiente? Il testo si trasforma in un’indagine ecologica, dove il respiro diventa simbolo e ritmo della narrazione. Il dialogo si fa incalzante, denso di pensieri confusi, battute rapidissime, recriminazioni e confessioni. Polmoni di Duncan Macmillan è una pièce essenziale e potente, che racconta l’intimità, le contraddizioni e le fragilità di una generazione sospesa, per cui l’incertezza è condizione esistenziale. Con due soli attori in scena e un palco spoglio, il ritmo frenetico del linguaggio restituisce con realismo la complessità dei rapporti umani.

I poeti in invénta gnént. I sta da santéi al ciàcri di sgrazì i céva e’ vlén ma quéi ch’i s fa e’ cóul e luìlt, sla testa tal nóvli, i s rufièna e’ zil pr’avòe e’ parmès ad fè i sburóun s’un pèz ad chèrta. I poeti non inventano nulla. Stanno ad ascoltare le chiacchiere dei disgraziati rubano il veleno a quelli che si fanno il culo e loro, con la testa tra le nuvole, si ruffianano il cielo per avere il permesso di fare gli sbruffoni su un pezzo di carta.

In un tempo e spazio indefinito, si colloca la vicenda di Antigone, eroina tragica e figlia di Edipo. La sua storia si colloca nel suo momento più tragico, quando viene deciso da Creonte, il nuovo re, che Polinice, fratello di Antigone, non sarà sepolto. Sua sorella, consapevole della crudeltà della legge di Creonte, prende la decisione di seppellire suo fratello, pur sapendo che questo le costerà la vita. A cercare di distoglierla saranno sua sorella Ismene ed Emone, figlio di Creonte, da sempre innamorato di lei, ma tutto sarà inutile. Antigone ha deciso e andrà incontro al suo destino.

Dramma storico in cinque atti, venne composto nel 1597; seguì una seconda parte, scritta nel 1598. Mentre i nobili del Nord marciano su Londra per rovesciare il potere di re Enrico IV (1399-1413), suo figlio Enrico, il principe di Galles, ama divertirsi in compagnia del vecchio cavaliere Falstaff. Nella seconda parte, questo sodalizio cessa d’improvviso con la morte del re Enrico IV e l’ascesa al trono del figlio, che decide di rompere definitivamente con il proprio passato nel nome del primato assoluto della corona. L’opera è unica per la mirabile unità tematica nella complessità della struttura, per l’ampiezza della vicenda storica rievocata e la molteplicità dei personaggi, per la straordinaria, virtuosistica ricchezza del linguaggio nell’alternarsi di prosa e di poesia, il capolavoro di Shakespeare nell’ambito delle storie inglesi.

Lo Joseph Roth della Cripta dei Cappuccini, adattato per il teatro da Giacomo Pedini e Jacopo Giacomoni, si unisce alle battute caustiche di Goran Vojnovic e alle riflessioni meta-teatrali e narrative di Paolo Di Paolo per raccontare l’epopea assurda e grottesca del Novecento europeo. Il tramonto di un impero e la contestuale nascita del suo mito “mitteleuropeo”; e poi l’avidità del Novecento, la follia distruttiva del nazismo; e poi l’Europa divisa a metà, bloccata nell’ossessione comunista e nello spettro fascista dall’altro; e infine la caduta dell’URSS, la fine della lunga guerra fredda, le promesse illusorie e smodate di un capitalismo tanto allegro quanto vorace e senza limiti, sullo sfondo dell’epilogo sanguinario di un secolo di conflitti: la guerra nell’ex Jugoslavia.

Un grido che si fa parola, una ferita che diventa racconto. Dalle crepe la voce è un testo teatrale e poetico nato per dare corpo e suono a ciò che troppo spesso resta nel silenzio: la violenza sulle donne. Cinque voci, diverse e contrastanti, descrivono l'odio, la paura, il cinismo, la memoria, la resistenza e la speranza. Ogni monologo è un frammento e una testimonianza, una scheggia di verità che taglia e insieme illumina. Il risultato è un mosaico corale che non consola, ma scuote e ci costringe a guardare. Tratto dalla silloge “Ceramiche a capodanno”, questo testo non è soltanto letteratura: è un atto politico, un invito alla riflessione, uno strumento di memoria. Può essere letto, recitato, portato in scena o semplicemente ascoltato, perché la sua forza non sta nella forma ma nella necessità di spezzare il silenzio. Un libro che denuncia, che lotta per farsi sentire, che trasforma il dolore in responsabilità collettiva. Un libro che non racconta solo la violenza, ma la possibilità – fragile e reale – di rinascere dalle macerie che essa si lascia alle spalle.

«"L'incontro" - scrive l'autore del dramma - è un testo di fantasia, che nasce però dalla visione di volti sedati, vetri rotti, pareti scrostate, porte in ferro e passi rallentati lungo i corridoi di una lenta, inesorabile consapevolezza: quella che vivevano gli internati negli ospedali psichiatrici giudiziari (OPG) quando capivano di dovervi stare segregati indefinitamente, anche in presenza di un reato non grave. Il loro torto? Essere stati riconosciuti incapaci di intendere e volere. Ergastolani bianchi.» Valente e coraggioso, originalissimo, Marco Righetti traduce dunque in linguaggio drammatico, apparecchia a struttura teatrale un tema e un testo di grande valore civile, e ancor più, fascinazione psicopoietica… "L'incontro" è, in questo senso, un dono dell'immaginazione creativa, e della predisposizione, della sensibilità epocale. Dono potentissimo e insieme struggente (difficile non ricorrere al superlativo). Solo un'aggettivazione netta, calzante, può dare sintesi e i giusti elogi a quest'opera realmente ispirata, ardita, esemplare (a tratti dirompente), che chiede all'ingranaggio stesso, per lo più arrugginito ed abusato nel Teatro, nuove prospettive e macerazioni sensibili, nuovi orizzonti insieme d'indagine e perlustrazioni emotive… (Plinio Perilli)

Dimenticare tutto... No...davvero non si può...

Lucile Gruvelle s’intrecciano in un confronto appassionato, carico di visioni, rimpianti, colori e domande. Un fitto dialogo immaginario, ma intimo e reale, che si fa indagine poetica sulla vita, sull’arte e sul profondo sentire dell’animo umano. Una ricerca d’amore costante, ma ferita, macchiata, che ha l’aria di una sfida più che una curiosa esplorazione, di una lotta per la sopravvivenza più che un’indagine dell’io. Tra le pieghe del testo, così come nei meandri dell’arte e della vita di De Nittis, si aggira un’ombra inquietante. È il Minotauro, metafora di un male da affrontare e superare, mentre l’alfabeto della luce e la memoria dei colori disegnano mappe interiori fatte di emozioni, visioni e desideri. Il linguaggio scenico, evocativo e profondamente lirico, trasforma il dialogo in uno specchio teatrale che riflette il cuore del lettore, chiamato a condividere la vertigine dell’esistenza e la ricerca di senso. Un atto d’amore verso l’arte e la vita, dove parola, immagine e memoria si fondono nel tentativo struggente di trovare, ancora una volta, la luce.