Letteratura teatrale

"Gore" è un’opera teatrale dirompente e surreale, che gioca con il linguaggio per smascherare le contraddizioni della comunicazione e delle relazioni umane. In un universo grottesco e imprevedibile, i personaggi si muovono tra tensioni e incomprensioni, dando vita a dialoghi frammentati e situazioni paradossali in cui ogni scambio diventa una rivelazione delle loro insicurezze più profonde. Daulte intreccia umorismo e crudeltà con una teatralità irriverente, capace di spiazzare e affascinare, esplorando i limiti della comprensione, mostrando quanto sia sottile l’equilibrio tra ciò che si dice, ciò che si sente e ciò che resta inespresso. Un’esperienza teatrale unica, che sfida le convenzioni e coinvolge il pubblico in un gioco audace e spiazzante.

"Madri" è un’indagine sull’intimo, sul pudore, sull’identità, sull’ingarbugliarsi ossessivo del pensiero. In una situazione di stasi una madre e un figlio non trovano qualcosa, la conclusione di una frase che hanno dimenticato. Varie risposte e strade vengono eluse in questo testo. Finché nel finale resta una sola strada possibile.

Per la prima volta in volume, tre monologhi scritti, vissuti e interpretati da Mauro Covacich in un viaggio letterario tra Trieste e gli scrittori che l’hanno resa immortale. Le manie, l’umanità, gli autentici colpi di genio di tre giganti della letteratura del Novecento: Italo Svevo, che impara l’italiano sui libri di scuola; James Joyce, che durante i lunghi anni trascorsi a Trieste parla e canta nel dialetto locale; Umberto Saba, che dedica i suoi versi più belli a una città che gli sarà sempre stretta. Tre atti a formare la biografia di una città, un viaggio che attraversa tre stagioni letterarie affini ma allo stesso tempo distanti e diverse, tutte con al centro il capoluogo giuliano.

L'amore adolescente di Romeo e Giulietta, la passione matura e fatale di Antonio e Cleopatra, la gelosia che acceca Otello e arma la sua mano contro Desdemona: non c'è autore che più del grande drammaturgo inglese abbia esplorato le tante sfaccettature dell'amore, consegnando alla storia della letteratura celebri coppie di amanti che incarnano altrettanti volti del più antico e universale dei sentimenti. Innocente o frutto di inganno, casto o lussurioso, ricambiato o conflittuale, l'amore in Shakespeare è una forza a cui è impossibile resistere: è una passione che travolge e sconvolge, un incendio che divampa e distrugge, una potenza che può cambiare il destino degli individui, redimerli o dannarli per sempre. Profondo indagatore dei sentimenti, nella tragedie come nelle commedie Shakespeare ci regala indimenticabili scene d'amore che dopo quattro secoli continuano a emozionarci.

In questa selezione delle opere di William Shakespeare l'amore è, di volta in volta, trionfante, felice, tragico, inaspettato, a prima vista, ingenuo, appassionato. Dalle commedie alle tragedie, dalle opere più famose alle meno note, ne scopriamo tutto il potere in storie indimenticabili come Molto rumore per nulla, Romeo e Giulietta, La dodicesima notte, Troilo e Cressida, Sogno di una notte di mezza estate, La tempesta, e molte altre.

In questo testo, nato per la messa in scena ma godibilissimo indipendentemente da essa, incontriamo Ivan, il più discusso dei quattro fratelli Karamazov, dopo la morte. L’autore lo colloca in un Purgatorio in cui egli attende, irrisolto come le sue domande, finché non gli viene data l’opportunità di compiere un viaggio sulla Terra, per parlare con un prete e porgli alcune delle questioni che lo hanno dilaniato in vita e continuano a tormentarlo dopo la morte. Nei famosissimi deliri di Ivan Karamazov, la questione dei “bimbetti” è centrale. Uno dei suoi interrogativi principali, in definitiva, è: se Dio esiste, come può permettere la sofferenza dei bambini? L’autore “presenta” a Ivan Karamazov tre storie di bambini, diversissime tra loro ma ugualmente tragiche, che contribuiscono a creare nuove domande e nuove riflessioni.

Il mondo contadino e la coralità popolare, il classismo sociale e il desiderio di riscatto. È una Sicilia che non c’è più, ma che risiede nell’identità e nella memoria del suo popolo, quella affrescata in queste commedie teatrali. Già apprezzato come poeta dialettale, Giuseppe Tomasello dimostra straordinarie capacità narrative nel tratteggiare personaggi e situazioni, alternando vivace comicità e riflessione sociale. Biancavilla è al centro dei racconti: tradizioni, consuetudini, usi, costumi e un dialetto ormai scomparsi. Uno spaccato etno-antropologico di grande valore storico e dal quale emergono temi universali come l’amore, la famiglia, la fede cristiana, la lotta di classe, il progresso. “Nobili e riccu”, “A fuitina”, “U patri all’antica”, “U merru chiacchiaruni”, “U cuttigghiu”, “U villicu”, “Cornelio scanzacorna”, “U zziu d’America”, “Turi Pidda” e “La nascita di Gesù”: testi teatrali che proiettano Tomasello tra le voci più autentiche ed appassionate della cultura siciliana.

“Il cerchio perfetto di Einstein” è il copione teatrale dello spettacolo sorto dall'incontro creativo tra studenti e docenti dell'Università degli Studi della Basilicata con il sostegno della Fondazione Leonardo Sinisgalli, per esplorare i temi della libertà e della responsabilità morale degli uomini di scienza. Trae ispirazione da un’opera di Dürrenmatt, mettendo in scena figure illustri come Marie Curie, Einstein e Newton, insieme a personaggi come Laura Capon, moglie di Enrico Fermi, e Giorgia de Cousandier, compagna di Leonardo Sinisgalli per ricordare i celebri “ragazzi di via Panisperna”. Al centro della scena domina la figura del poeta ingegnere Leonardo Sinisgalli, che incarna un Neo-Umanesimo dove Poesia e Scienza si intrecciano per promuovere il progresso civile. Sono presenti i contributi critici di Nicola Cavallo e Maria Teresa Imbriani, la premessa di Mimmo Sammartino e Luigi Beneduci, due articoli, introdotti da Sara Petta, di Leonardo Sinisgalli e Giorgia De Cousandier su Enrico Fermi.

L'opera di Alessio Grispini intende essere una prosecuzione fittizia del celebre racconto di Hoffmann "Le miniere di Falun", presente nella raccolta di testi narrativi "Die Serapions Brüder". Il dramma è ambientato nei pressi del noto complesso minerario della cittadina svedese. Diversamente dal testo originale, in cui il protagonista della storia è condannato a una tragica fine, l'autore intende approfondire e sviluppare quella crisi esistenziale, la scelta fra una solitaria vocazione e l'idillio familiare, che era emersa già nelle ultime pagine del racconto di Hoffmann. Intrappolato fra due tendenze antagoniste, fra l'aspirazione a eguagliare, da un lato, nelle profondità della miniera, la perfezione incarnata da Torbern, minatore eccelso, e appartenere, dall'altro, alla prospettiva di una vita semplice e felice che Ulla gli promette in superficie, Elis si consumerà in un conflitto interiore che coinvolgerà inevitabilmente gli attori emozionali del dramma, moltiplicandone le voci e culminando nella follia della giovane sposa. Il tema della vocazione, in contrasto all'idillio d'amore, sarà qui portato alle estreme conseguenze e rappresenta, senza dubbio, un insistente nodo di riflessione dell'intera opera. Se in Hoffmann il finale si può considerare consolatorio o romantico, pur nella considerazione della morte come esito estremo, nel nostro caso abbiamo una maggiore coscienza delle inclinazioni dei singoli attori emozionali, la loro fusione è 'relativa' e rimane nell'alveo dell'onirismo, della sfera fantastica, della magia. Un finale che possiamo definire 'aperto' e che in questa sua peculiarità riflette il senso della possibilità e della ricerca continua cui l'uomo è destinato.

Il volume raccoglie alcune tra le più importanti opere teatrali di Ion Luca Caragiale. Il filo rosso che accomuna i tre testi teatrali è l’umorismo, elemento che deriva non solo dal contrasto tra l’essenza e l’apparenza dei personaggi, ma anche dal linguaggio che essi utilizzano: pur essendo espressione di una realtà specifica del diciannovesimo secolo, grazie allʼabilità letteraria di Caragiale, i protagonisti delle sue drammaturgie diventano figure universali, capaci di incarnare vizi e debolezze umane che possono essere riconosciute in qualsiasi epoca e contesto sociale.

Ho conosciuto Vincenzo Furfaro nel 2022 per un'intervista al debutto a Cittanova del monologo teatrale "Sono Morto Ma Non Lo Sapevo". Confesso che a colpirmi, più che il candore con cui tramite Messenger mi aveva invitato ad accorgermi di lui, fu la parola chiave che buttò nella conversazione: Gaber. Tra tutti gli argomenti con cui un giovane scrittore sconosciuto e di provincia è concesso che si cimenti, pensai, mai e poi mai può esserci la biografia - ancora oggi controversa - di un grande italiano. E fu con questo mix fra pregiudizio e curiosità che seguii quella prima, fino agli applausi finali che certamente omaggiavano lui ma, io penso, anche l'ardore - pure questo controcorrente - del suo coraggio. Lo stesso che oggi viene premiato dalla scelta di Città del Sole edizioni di offrire quel testo al grande pubblico, come perimetro dalla lettura piacevole in cui far agitare alcune cose significative che possono incuriosire il lettore. In primis l'espediente inventato da Furfaro, non originale nella forma ma diverso nell'approdo culturale, ovvero la finzione di un Gaber che torna vivo - o meglio fantasma narrante sulla scena - per leggere il mondo che è venuto dopo la sua scomparsa. E se "con i se e con i ma" non si può leggere la storia, e quindi interpretare il futuro, è la seconda certezza che il libro porta con sé che annulla ogni supposizione, ogni dubbio sull'utilità della messa in scena ora sul foglio: leggiamo le pagine di un talentuoso provocatore, che per additare il quotidiano stupidario della politica odierna - a tutti i livelli - ha scelto di resuscitare il massimo esperto della dissacrazione italiana. …Eccolo, dunque, nella sua finale perfezione l'intrigante perimetro di questo libro, per scegliere non da che parte stare - in fondo né Gaber, né Furfaro hanno una parte - ma per esaltare, ancora nel 2024, la razza estinta degli anarchici che costruiscono bombe… con le parole, senza essere maleducati con il Potere, senza scassare chitarre sul palco, senza tikketoccare in maniera compulsiva la vacuità dei propri stili. dalla Prefazione di Agostino Pantano