Studi teatrali

“L’uomo non deve cercare ma lasciarsi trovare da qualcosa che non conosce e che può soltanto intuire, da qualcosa di impercettibile che fischietta al di là delle proprie convinzioni”. Emmanuel Gallot-Lavallée. Il titolo di questo libro spiega il motivo di un viaggio dentro se stessi, quello compiuto da un Maestro di teatro che abbandona i sentieri già battuti della didattica istituzionale per incaricare i suoi studenti del compito più arduo e difficile: quello di diventare esseri umani. Pagina dopo pagina, il modello formativo proposto e sperimentato dall’Autore in decenni di pedagogia del teatro, inizia da un lavoro di ascolto e di ricerca interiore per poi approdare all’incontro, allo scambio, al confronto. Attraverso esercitazioni, dialoghi immaginari e racconti di una vita semplice, l’Autore affida alla figura di una allieva bambina, di un merlo e di una mucca la funzione di guida, in quello che è un vero e proprio percorso alla scoperta “del perché l’amore è come uscire dal porto e scoprire l’oceano”.

Tra il 1998 e il 2015, anno della sua scomparsa, la collaborazione tra Luca Ronconi e il Piccolo Teatro di Milano ha dato vita ad alcuni degli spettacoli più geniali e innovativi del teatro europeo contemporaneo. Questo libro raccoglie una serie di interviste in cui il regista approfondisce le oltre trenta opere dirette in quel periodo, rivelando i segreti di bottega e le riflessioni dietro al suo lavoro. Da La vita è sogno di Calderón de la Barca a Lehman Trilogy di Stefano Massini, passando per sperimentazioni su testi non nati per il palcoscenico come Lolita di Nabokov o Infinities, Ronconi in queste pagine si trova così ad approfondire i temi della sua ricerca artistica: la metamorfosi dell’identità; la relazione tra vita, sogno e messinscena; il necessario dialogo con i classici. Ne emerge il ritratto di un artista che ha saputo reinventare il rapporto tra testo e rappresentazione, facendo del teatro uno strumento per leggere e reinterpretare il mondo; ma anche di un insegnante attento, capace di spingere i suoi allievi a trovare sempre una propria voce e a dare forma alle intuizioni più nascoste. Arricchito dai contributi inediti di Sergio Escobar, Roberta Carlotto, Giovanni Agosti e Claudio Longhi, Gli anni del Piccolo è la testimonianza artistica di una ricchissima stagione creativa di Luca Ronconi: un’opera che ci conduce nel laboratorio di un grande innovatore, che ci ha lasciato un nuovo modo di guardare ai testi, agli spazi e alle infinite possibilità della scena.

Questo saggio esplora l'affascinante relazione tra teatro e moda, due forme d'arte distinte ma intimamente legate. Sin dalle origini, i costumi e gli abiti hanno avuto un ruolo cruciale nella definizione dei personaggi e nel contesto narrativo, influenzando la percezione del pubblico e contribuendo a creare atmosfere uniche. Attraverso un'analisi storica, il saggio illustra come le tendenze della moda abbiano orientato le scelte stilistiche nei costumi e, viceversa, come il teatro abbia ispirato molti designers. Vengono presentati esempi iconici di produzioni che hanno segnato epoche e stili, evidenziando il potere del palcoscenico come fonte di creatività per le passerelle. Inoltre, il saggio esamina il ruolo della moda come strumento di comunicazione e simbolo di identità, sia nel contesto teatrale che nella vita quotidiana. Si analizza come il linguaggio visivo della moda possa enfatizzare temi e messaggi drammatici, creando un dialogo continuo tra queste due discipline. L'interazione tra teatro e moda si rivela così un fenomeno artistico e un riflesso delle trasformazioni sociali, rendendo questo legame sempre attuale e significativo.

In occasione del centoquarantesimo anniversario del Teatro Gentile di Fabriano, questa pubblicazione celebra la ricca storia teatrale della città, dalle origini ai giorni nostri. Dedicata a Corrado Santini, figura centrale del teatro fabrianese, il volume valorizza il suo ruolo di custode della memoria storica, grazie a recensioni, scritti e materiale documentario che hanno contribuito a ricostruire le vicende del teatro. Attraverso una ricerca approfondita, sono state recuperate notizie e immagini inedite, evidenziando quattro secoli di intensa attività teatrale. L'opera racconta la determinazione dei fabrianesi nel preservare il teatro, anche di fronte a calamità come terremoti e incendi, e celebra il forte legame della città con questa forma d'arte, confermando il Teatro Gentile come cuore pulsante della cultura locale.

Il volume è una riflessione articolata sui 50 anni del Teatro d'Oggetti, con le parentele e le differenze che lo connettono alle altre forme del Teatro di Figura, dalle cause storiche che ne hanno preparato la nascita al percorso del Teatro d'Oggetti dalle origini a oggi. Seguono argomenti di valenza preliminare: i vari tipi di rapporti che intratteniamo con gli oggetti e i criteri d'indagine per impiegarli fuori dall'uso funzionale. Si entra poi nella parte più direttamente manualistica, accompagnando passo passo le fasi di allestimento dello spettacolo: dai criteri generali di base del movimento, dello spazio, e del suono che vanno messi in campo per collocare gli oggetti nelle caratteristiche delle trame da mettere in scena, nel loro trattamento drammaturgico fino al momento in cui scocca la scintilla dell'incontro fra oggetto e narrazione. Infine, la descrizione e l'analisi della struttura del progetto a cui Angelini e Serafini stanno lavorando dal 2000: la Macchina per il Teatro Incosciente. Un dispositivo scenico che è contemporaneamente uno spettacolo, uno strumento di visualizzazione e insegnamento della drammaturgia e un evento ludico interattivo fra regista attore e spettatore. In sottofondo, il metodo di lavoro via via collaudato e rifinito, che ha portato gli autori a incontrare pubblici di diverse parti del mondo, in Europa, Asia e Americhe, diversi per età, condizioni sociali e culture. Con esiti comunicativi e spettacolari sempre efficaci.

Tra cinema e televisione, web e social, realtà virtuale e manipolazioni digitali, l’impatto delle moderne tecnologie nel Teatro è diventato estremamente invasivo, nella misura in cui la loro semplice funzione di supporto è trasbordata nella ricerca di nuove forme ibridate di scrittura e drammaturgia. E se il cosiddetto video-teatro di fine Novecento rappresentò, soprattutto in Italia, un punto di incontro con le più variegate discipline artistiche antiche e moderne, negli anni Duemila si è sviluppato un percorso multimediale sempre più innovativo e sperimentale, dalle prospettive davvero imprevedibili. Questo libro vuole esplorare un versante del teatro meno conosciuto, ma molto suggestivo, proiettato verso il futuro ma sempre saldamente ancorato ai capisaldi di una storia millenaria, fatta di arte e di profonda umanità. Con questo primo contributo si apre una Collana di studi e ricerche in ambito teatrale a cura della UILT, Unione Italiana Libero Teatro, la federazione nazionale di centinaia di compagnie teatrali amatoriali, nata nel 1977 e ramificata in tutto il territorio nazionale.

Se è vero che l’attore è un artigiano che usa come strumento di lavoro la sua voce e tutto il suo corpo, ebbene, questo libro potrebbe rappresentare la sua Cassetta degli Attrezzi. Attrezzi che possono essere usati da aspiranti attori, da professionisti che vogliono esercitarsi o da insegnanti di recitazione che cercano materiale nuovo da sottoporre ai propri allievi. Monologhi, racconti, dialoghi a due, tre, quattro personaggi e soprattutto tantissime “frasi” che rappresentano i più diversi stati d’animo che un attore deve poter rappresentare. In più, ci sono consigli, suggerimenti e persino trucchi che possono essere utilissimi a chi si accosta alla recitazione. A completare la Cassetta degli Attrezzi, per così dire, ci sono anche un Compendio di Prosodìa (che chiarisce i problemi dell’intonazione del parlato) e un Compendio di Ortoepìa a cura di Riccardo Cascadan (che chiarisce tutte le regole che governano la corretta pronuncia delle singole parole).

Nei tre preziosi saggi che compongono questo volume l'autrice analizza le versioni operistiche di alcuni dei più celebri poemi cavallereschi. Il primo saggio, dal titolo "Orlando in Händel", si presenta come un'analisi della rivisitazione teatrale del celebre Orlando furioso di Ariosto, che venne messa in scena per la prima volta nel 1733 al King's Theatre di Londra. Nel secondo, "Cavalieri all'opera", l'autrice si sofferma sulla produzione melodrammatica di tema cavalleresco, e in particolare analizza con cura le caratteristiche che i cavalieri, pensati per i poemi cavallereschi, assumono nei corrispettivi drammi musicali del Seicento e del Settecento. Infine, "Cavalieri spaesati tra Schubert, Schumann e Brahms" si presenta come una riflessione sui personaggi delle celebri opere epico-musicali, ovvero il Fierrabras di Schubert, la Genoveva di Schumann, e il Rinaldo di Brahms e risulta chiaro come il tema cavalleresco si prestasse a rielaborazioni moderne, cioè intrise di sensibilità illuministica e pure romantica. Filo conduttore che accompagna il lettore è l'elemento comico che proviene direttamente dai poemi originali; si tratta di una comicità che di fatto diventa in molti casi parodia, prolungamento o deformazione.

In seguito alla pubblicazione presso la casa editrice Titivillus di “Sorgenti. Nascita del Teatro Corporeo” e di “Étienne Decroux. La Statuaria Mobile e le Azioni”, questo libro viene a concludere la trilogia che l’autore ha voluto consacrare al “Teatro Corporeo”. Il primo volume si proponeva di circoscrivere mediante una narrazione autobiografica, le fonti ispiratrici che hanno contribuito alla nascita del Teatro Corporeo, in particolare l’insegnamento di Étienne Decroux e gli scritti visionari di Adolphe Appia. Il secondo volume era un omaggio al maestro incontestato del Mimo Corporeo che non ha mai cessato di operare per un teatro del corpo elaborando, parallelamente alle sue creazioni, una “disciplina” inedita e rigorosa che gli permetteva di rispondere alle esigenze del “teatro puro” al quale aspirava. Questo terzo e ultimo volume si focalizzerà ora sulle ricerche che l’autore ha condotto nel corso degli ultimi cinquant’anni per ricentrare l’arte del teatro sul primato del corpo grazie alle pratiche da lui create: il Corpo Energia e il Corpo Vocale. A compimento di questa opera, sarà presentato in appendice il Progetto architettonico per un teatro modulabile, nella prospettiva di aprire il convenzionale rapporto frontale platea/palco a una moltitudine di configurazioni relazionali diverse tra spettatori e attori.

Il teatro di figura è quella particolare arte teatrale che utilizza burattini, marionette, pupazzi, ombre. Oggetti come protagonisti dello spettacolo e segni di un linguaggio fortemente visivo e sensoriale. Il libro ripercorre le tappe della sua storia e isola le diverse tecniche di animazione che si sono succedute per esplorarle anzitutto nella complessità delle culture che le hanno generate. Al termine della trattazione principale di quasi tutti i capitoli vengono proposti dei box di approfondimenti pratici. Una sezione ricorrente in cui, da una parte, si forniscono chiare e semplici indicazioni su come realizzare una rappresentazione. Dall'altra si affrontano le particolari strategie operative, i trucchi materiali, o eventualmente le procedure tipiche, affinché un determinato "effetto" teatrale possa essere reso sulla scena. Infine, si passano in rassegna anche i nomi delle più significative compagnie contemporanee che utilizzano la tecnica di animazione in oggetto. Con un taglio fortemente orientato al presente - novità e caratteristica peculiare del volume - Il teatro di figura approfondisce ogni forma espressiva presa in esame per evidenziare come la sua tecnica e la sua rilevanza continuino a vivere e animare l'arte della comunicazione odierna.

Incentrato sull’Eduardo prima di Eduardo, il presente volume ricostruisce la formazione attoriale e l’apprendistato drammaturgico del celebre commediografo partenopeo, còlto al bivio tra due opposti modelli: da una parte quello del severo «padre-zio» − Eduardo Scarpetta −, alla cui scuola egli mosse i primi passi sulle tavole del palcoscenico, impegnandosi al tempo stesso nella ricopiatura dei testi paterni − primo cimento con la (ri)scrittura drammaturgica − e dall’altra il teatro di Luigi Pirandello, con cui Eduardo si misurò giovanissimo, prima come lettore, poi come capocomico e interprete di alcuni suoi capolavori (memorabile la sua interpretazione di Ciampa ne Il berretto a sonagli), infine come collega e coautore de L’abito nuovo (1936), ultima commedia del Siciliano, con cui, a mo’ di ideale passaggio di testimone, si compie la transizione da una psico-drammaturgia ispirata dalla crisi dell’Io moderno a una poetica di spiccata vocazione socio-etica e critico-sociale, che, posta alla base del suo teatro “dispari”, consentirà a De Filippo – detronizzati i “padri” – di trovare la sua agognata legittimazione ad essere Eduardo.