Studi teatrali

All’interno del progetto Echos, un pas de deux tra arte visiva e teatro, i due artisti, Alfredo Jaar e Romeo Castellucci, uno per ognuno dei due linguaggi, si trovano a rispondere alle stesse domande, come di fronte a un immaginario specchio. La struttura del doppio, dello specchio appunto, riflette e incrocia idealmente i differenti sguardi, gli approcci e i risultati che trovano – non a caso – sorprendenti comunanze. Alfredo Jaar e Romeo Castellucci, personaggi di spicco nella creazione contemporanea, sono i protagonisti del primo volume. Romeo Castellucci, regista, creatore di scene, luci e costumi, è tra i più significativi autori del teatro contemporaneo. Diplomato in pittura e scenografia all’Accademia di Belle Arti di Bologna, nel 1981 è cofondatore della Socìetas Raffaello Sanzio. Nel 2005 è stato direttore della sezione teatro della Biennale di Venezia e nel 2008 è stato artista associato della 62a edizione del Festival d’Avignon. Vincitore del Leone d’oro alla carriera nel 2013, l’anno successivo gli è stata conferita la laurea ad honorem in musica e teatro dall’Università di Bologna. Tra le sue creazioni più recenti: le opere teatrali Il Terzo Reich (2020), Bros (2021), la regia delle opere liriche Pavane für Prometheus IX (2021) e Il Castello di Barbablù (2022), l’azione pubblica Milano (2021) e l’installazione domani (2022). Alfredo Jaar è un artista, architetto e regista cileno Vive e lavora a New York. Ha studiato architettura durante il regime dittatoriale in Cile e si è trasferito a New York nel 1982. Il suo lavoro si concentra su questioni sociopolitiche, sulla semiotica delle immagini, sui temi dell’utopia e del fallimento. Ha partecipato alla Biennale d’Arte di Venezia (1986, 2007, 2009, 2013), alla Biennale di San Paolo (1987, 1989, 2010, 2021) e a Documenta (1987, 2002). Ha ricevuto l’Hiroshima Art Prize nel 2018 e l’Hasselblad Award nel 2020. Le sue opere sono state esposte in tutto il mondo.

Riformare il teatro unisce riflessioni e ricerche atte a sondare le evoluzioni compiute dal teatro e i suoi protagonisti dall’età moderna alla contemporaneità: dalle riforme e i riformatori lungo tutto il corso della storia del teatro italiana e internazionale, a tutte quelle figure – attori, registi, autori, pedagoghi – che sono state in grado di innovarne le forme e i linguaggi.

La creazione di uno spettacolo teatrale è spesso il risultato di un complesso lavoro di squadra che richiede molta tecnica e una perfetta organizzazione dei processi produttivi. Un ingranaggio fondamentale di questa macchina è rappresentato dai collaboratori del regista, nelle persone dell'aiuto regista, dell'assistente alla regia, del direttore di scena, degli assistenti di palcoscenico e dei maestri collaboratori. Nonostante l'importanza di questi ruoli, mancava in letteratura un testo a essi dedicato, che potesse sostenere la preparazione di tutti quegli studenti che, una volta diplomati, spesso si trovano a muovere i primi passi nel mondo del lavoro proprio svolgendo mestieri all'interno del reparto regia. È con l'idea di colmare questo vuoto che nasce Lavorare a teatro: il reparto regia, il cui percorso ricalca in maniera esaustiva l'intero ciclo produttivo di uno spettacolo, dalla pre-produzione fi no ad arrivare alle ultime repliche e alla sua archiviazione finale, senza tralasciare di affrontare anche la parte contrattualistica e burocratica. Completano il testo diversi esempi e modelli di documenti che il collaboratore del regista si troverà a dover utilizzare o redigere durante una produzione, oltre a un'interessante prefazione di Robert Carsen.

“L’uomo non deve cercare ma lasciarsi trovare da qualcosa che non conosce e che può soltanto intuire, da qualcosa di impercettibile che fischietta al di là delle proprie convinzioni”. Emmanuel Gallot-Lavallée. Il titolo di questo libro spiega il motivo di un viaggio dentro se stessi, quello compiuto da un Maestro di teatro che abbandona i sentieri già battuti della didattica istituzionale per incaricare i suoi studenti del compito più arduo e difficile: quello di diventare esseri umani. Pagina dopo pagina, il modello formativo proposto e sperimentato dall’Autore in decenni di pedagogia del teatro, inizia da un lavoro di ascolto e di ricerca interiore per poi approdare all’incontro, allo scambio, al confronto. Attraverso esercitazioni, dialoghi immaginari e racconti di una vita semplice, l’Autore affida alla figura di una allieva bambina, di un merlo e di una mucca la funzione di guida, in quello che è un vero e proprio percorso alla scoperta “del perché l’amore è come uscire dal porto e scoprire l’oceano”.

Tra il 1998 e il 2015, anno della sua scomparsa, la collaborazione tra Luca Ronconi e il Piccolo Teatro di Milano ha dato vita ad alcuni degli spettacoli più geniali e innovativi del teatro europeo contemporaneo. Questo libro raccoglie una serie di interviste in cui il regista approfondisce le oltre trenta opere dirette in quel periodo, rivelando i segreti di bottega e le riflessioni dietro al suo lavoro. Da La vita è sogno di Calderón de la Barca a Lehman Trilogy di Stefano Massini, passando per sperimentazioni su testi non nati per il palcoscenico come Lolita di Nabokov o Infinities, Ronconi in queste pagine si trova così ad approfondire i temi della sua ricerca artistica: la metamorfosi dell’identità; la relazione tra vita, sogno e messinscena; il necessario dialogo con i classici. Ne emerge il ritratto di un artista che ha saputo reinventare il rapporto tra testo e rappresentazione, facendo del teatro uno strumento per leggere e reinterpretare il mondo; ma anche di un insegnante attento, capace di spingere i suoi allievi a trovare sempre una propria voce e a dare forma alle intuizioni più nascoste. Arricchito dai contributi inediti di Sergio Escobar, Roberta Carlotto, Giovanni Agosti e Claudio Longhi, Gli anni del Piccolo è la testimonianza artistica di una ricchissima stagione creativa di Luca Ronconi: un’opera che ci conduce nel laboratorio di un grande innovatore, che ci ha lasciato un nuovo modo di guardare ai testi, agli spazi e alle infinite possibilità della scena.

Questo saggio esplora l'affascinante relazione tra teatro e moda, due forme d'arte distinte ma intimamente legate. Sin dalle origini, i costumi e gli abiti hanno avuto un ruolo cruciale nella definizione dei personaggi e nel contesto narrativo, influenzando la percezione del pubblico e contribuendo a creare atmosfere uniche. Attraverso un'analisi storica, il saggio illustra come le tendenze della moda abbiano orientato le scelte stilistiche nei costumi e, viceversa, come il teatro abbia ispirato molti designers. Vengono presentati esempi iconici di produzioni che hanno segnato epoche e stili, evidenziando il potere del palcoscenico come fonte di creatività per le passerelle. Inoltre, il saggio esamina il ruolo della moda come strumento di comunicazione e simbolo di identità, sia nel contesto teatrale che nella vita quotidiana. Si analizza come il linguaggio visivo della moda possa enfatizzare temi e messaggi drammatici, creando un dialogo continuo tra queste due discipline. L'interazione tra teatro e moda si rivela così un fenomeno artistico e un riflesso delle trasformazioni sociali, rendendo questo legame sempre attuale e significativo.

In occasione del centoquarantesimo anniversario del Teatro Gentile di Fabriano, questa pubblicazione celebra la ricca storia teatrale della città, dalle origini ai giorni nostri. Dedicata a Corrado Santini, figura centrale del teatro fabrianese, il volume valorizza il suo ruolo di custode della memoria storica, grazie a recensioni, scritti e materiale documentario che hanno contribuito a ricostruire le vicende del teatro. Attraverso una ricerca approfondita, sono state recuperate notizie e immagini inedite, evidenziando quattro secoli di intensa attività teatrale. L'opera racconta la determinazione dei fabrianesi nel preservare il teatro, anche di fronte a calamità come terremoti e incendi, e celebra il forte legame della città con questa forma d'arte, confermando il Teatro Gentile come cuore pulsante della cultura locale.

Il volume è una riflessione articolata sui 50 anni del Teatro d'Oggetti, con le parentele e le differenze che lo connettono alle altre forme del Teatro di Figura, dalle cause storiche che ne hanno preparato la nascita al percorso del Teatro d'Oggetti dalle origini a oggi. Seguono argomenti di valenza preliminare: i vari tipi di rapporti che intratteniamo con gli oggetti e i criteri d'indagine per impiegarli fuori dall'uso funzionale. Si entra poi nella parte più direttamente manualistica, accompagnando passo passo le fasi di allestimento dello spettacolo: dai criteri generali di base del movimento, dello spazio, e del suono che vanno messi in campo per collocare gli oggetti nelle caratteristiche delle trame da mettere in scena, nel loro trattamento drammaturgico fino al momento in cui scocca la scintilla dell'incontro fra oggetto e narrazione. Infine, la descrizione e l'analisi della struttura del progetto a cui Angelini e Serafini stanno lavorando dal 2000: la Macchina per il Teatro Incosciente. Un dispositivo scenico che è contemporaneamente uno spettacolo, uno strumento di visualizzazione e insegnamento della drammaturgia e un evento ludico interattivo fra regista attore e spettatore. In sottofondo, il metodo di lavoro via via collaudato e rifinito, che ha portato gli autori a incontrare pubblici di diverse parti del mondo, in Europa, Asia e Americhe, diversi per età, condizioni sociali e culture. Con esiti comunicativi e spettacolari sempre efficaci.

Tra cinema e televisione, web e social, realtà virtuale e manipolazioni digitali, l’impatto delle moderne tecnologie nel Teatro è diventato estremamente invasivo, nella misura in cui la loro semplice funzione di supporto è trasbordata nella ricerca di nuove forme ibridate di scrittura e drammaturgia. E se il cosiddetto video-teatro di fine Novecento rappresentò, soprattutto in Italia, un punto di incontro con le più variegate discipline artistiche antiche e moderne, negli anni Duemila si è sviluppato un percorso multimediale sempre più innovativo e sperimentale, dalle prospettive davvero imprevedibili. Questo libro vuole esplorare un versante del teatro meno conosciuto, ma molto suggestivo, proiettato verso il futuro ma sempre saldamente ancorato ai capisaldi di una storia millenaria, fatta di arte e di profonda umanità. Con questo primo contributo si apre una Collana di studi e ricerche in ambito teatrale a cura della UILT, Unione Italiana Libero Teatro, la federazione nazionale di centinaia di compagnie teatrali amatoriali, nata nel 1977 e ramificata in tutto il territorio nazionale.

Se è vero che l’attore è un artigiano che usa come strumento di lavoro la sua voce e tutto il suo corpo, ebbene, questo libro potrebbe rappresentare la sua Cassetta degli Attrezzi. Attrezzi che possono essere usati da aspiranti attori, da professionisti che vogliono esercitarsi o da insegnanti di recitazione che cercano materiale nuovo da sottoporre ai propri allievi. Monologhi, racconti, dialoghi a due, tre, quattro personaggi e soprattutto tantissime “frasi” che rappresentano i più diversi stati d’animo che un attore deve poter rappresentare. In più, ci sono consigli, suggerimenti e persino trucchi che possono essere utilissimi a chi si accosta alla recitazione. A completare la Cassetta degli Attrezzi, per così dire, ci sono anche un Compendio di Prosodìa (che chiarisce i problemi dell’intonazione del parlato) e un Compendio di Ortoepìa a cura di Riccardo Cascadan (che chiarisce tutte le regole che governano la corretta pronuncia delle singole parole).