Musica

Sergio Armaroli e Andrea Centazzo si incontrano tra Milano e Los Angeles in dieci conversazioni e altrettante divagazioni per una traiettoria narrativa che attraversa fluidamente il tempo con la percussione come stile e scelta di arte e vita. Una testimonianza urgente e uno sguardo molteplice e divergente secondo una prospettiva eccentrica su molte fasi della scena musicale e del music business degli ultimi cinquant’anni, dalle parole di un grande testimone e attore della rivoluzione musicale globale come Andrea Centazzo che insieme a Tony Oxley, Han Bennink, Pierre Favre e pochi altri ha dato una svolta alla percussione a partire dal jazz d’avanguardia e dall’improvvisazione totale fino alla musica colta, alla musica da film, al video e all’opera.

Tutti hanno sentito il suo nome, molti hanno udito la sua voce. La parabola spettacolare di un'artista che conobbe un'ascesa scabrosa benché non avara di riconoscimenti, fino a un culmine breve come tutti i culmini, e una prolungata, malinconica discesa verso una brusca morte misteriosa, ha ispirato romanzi, poesie, testi teatrali e musicali, spettacoli di danza, film, programmi radiofonici e televisivi. Crisalide mutatasi in icona di eleganza femminile, la greco-americana si fece italiana, anzi veneta (di Verona) e poi milanese, per finire francese o quasi: l'essenza internazionale del melodramma italiano non poteva essere sancita in forma più apodittica. Il suo canto, ora osannato ora censurato, il suo stile interpretativo paragonato alle grandi voci dell'Ottocento, le sue riconosciute facoltà di attrice hanno riportato prepotentemente l'opera lirica al centro del dibattito intellettuale, hanno aperto nuovi sentieri nel repertorio, hanno contribuito a rafforzare in Italia il ruolo della regìa operistica. Maria Callas (1923-1977) è tutto questo. Per la prima volta, filosofi, storici della letteratura, dell'arte, del teatro, del cinema, della danza, della moda, sociologi della comunicazione indagano gli effetti della sua presenza umana e artistica nella sfera dello spettacolo e del costume sociale. Lo studio del lascito artistico è affidato ai musicologi, impegnati anche a delineare possibili metodologie per un terreno di ricerca ancora poco dissodato – almeno in Italia – quale è l'interpretazione musicale. Dei ricordi parlano testimoni diretti e amici del grande soprano.

Dalla fine del XIX secolo la chitarra, prima acustica e poi elettrica, si è diffusa in ogni ambito musicale. "1001 chitarre" celebra la varietà e la popolarità di questo strumento, ancora oggi in cima ai desideri di ogni musicista o aspirante tale. Tutti i marchi più famosi (Fender, Gibson, Epiphone, Martin, Gretsch, Rickenbacker) sono ampiamente rappresentati, così come i brand giapponesi (Ibanez, Yamaha, Teisco) ed europei (Burns, Eko, Höfner) saliti alla ribalta negli anni Sessanta. Esistono chitarre di ogni forma e dimensione, stile e colore; ogni strumento poi è legato indissolubilmente ai musicisti che ne hanno fatto uso e a particolari generi musicali. Ma uno sguardo più attento al libro rivela altri tesori, legati a sentimenti come la nostalgia e all’amore per la musica in quanto tale. Il libro spiega ciò che rende speciali i diversi modelli di chitarra, chi sono i musicisti che li hanno scelti e quali brani ascoltare per avere un saggio delle loro qualità timbriche. Una guida completa che non dovrebbe mancare nella biblioteca di ogni appassionato. Prefazione di Dave Gregory.

Intorno ai Led Zeppelin circolano molte leggende, vere o presunte che siano. Gli stessi Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham e John Paul Jones hanno spesso tanto alimentato quanto parzialmente negato queste storie, senza aver potuto o voluto sfuggire al mito che era ormai nato intorno al loro nome. Certo è che in poco più di un decennio – dal 1969 con le prime note di ‘Good Times Bad Times’, sino alla morte di John Bonham avvenuta nel 1980 – la band del dirigibile ha ingurgitato e distrutto tutto ciò che nella musica c’era prima e tutto ciò che ci sarebbe stato dopo, frantumando record e inventando quasi ogni cliché del mondo del rock. L’intento di questo libro è dunque di ripercorrere la saga dei Led Zeppelin attraverso l’analisi di ogni singola canzone, ricostruendone le origini, la creazione di musiche e testi, le sessioni di registrazione, arrivando nel contempo a svelare gli aneddoti più divertenti e le vicende più drammatiche scolpite nei solchi dei nove album in studio della band.

Carlo Massarini torna a raccontare la musica, come sempre in maniera molto personale. 120 concerti visti e fotografati da lui. Un racconto in diretta, fatto sera per sera, per restituire le emozioni vissute ‘dal vivo’ attraverso parole e immagini e interviste ai protagonisti. Il tutto arricchito da QR code che permettono di rivedere brani di quello stesso concerto o di altri che riportano a quell’atmosfera. Nella personale selezione fatta da Massarini ci sono gli highlander e gli artisti delle nuove generazioni, sia italiani, sia stranieri, e le leggende che non sono più con noi. C’è il rock, certo, ma anche blues e jazz e rap e molti artisti di world music. Protagonisti di un’epoca in cui tutto è (ancora) possibile, perché non ci sono più confini. Di genere e geografici. Un libro di forti emozioni, una fotografia della migliore musica ‘che gira intorno’ in questi anni. Colta dal vivo, nel momento che per un’artista è la prova del fuoco e la sua definitiva affermazione. Prefazione di Vasco Rossi.

La storia della musica, da Joan Baez e Jimi Hendrix a Madonna e Lady Gaga, come chiave di interpretazione della moda e della società. Secondo Frida Giannini. Il libro è un viaggio nel tempo - dal 1969 a oggi, da David Bowie a Rihanna, da Kurt Cobain a Lady Gaga -, un percorso iconografico di suggestioni visuali, confronti, anche inaspettati, e contrapposizioni, di testimonianze e aneddoti. Il '69 è il Big Bang della musica. Woodstock e Space Oddity. E il primo uomo sulla Luna. David Bowie come punto di partenza e filo conduttore di un tour tra i palcoscenici, i concerti e i momenti che hanno fatto la storia non solo della musica, ma del costume. Bowie non ha partecipato a Woodstock, ma proprio lì si è ritirato negli ultimi anni della sua vita. Frida Giannini, grande appassionata di musica e profonda conoscitrice di David Bowie, vede in lui la perfetta ed eclettica commistione tra sonorità e costume. "A journey into the style and music of my icons since 1969" è la storia della musica e dell'evoluzione della moda, ma anche la storia personale di Frida Giannini: testimonianza della sua curiosità per il rock e il pop, ereditata dallo zio, Daniele Vellani, Dj e collezionista di vinili, che l'ha accompagnata anche professionalmente nelle sue ispirazioni e riferimenti creativi e negli incontri in prima persona con i protagonisti dello show-biz. Questo volume fotografico pone l'accento su abiti di scena, acconciature, gesti, scenografie, perché l'evoluzione della musica accompagna l'evoluzione delle mode, dei costumi, della società che cambia e viceversa, in un dialogo di influenze e ispirazioni, epoche e avvenimenti storici.

L’idea di un nuovo dizionario del jazz nasce dall’attuale esigenza di aggiornarsi all’uso e consumo di questa “musica dei sensi”. La sua fruizione e conoscenza, infatti, sembrano tornati alle origini, quando i fragili 78 giri suonati su ingombranti buffi grammofoni consentivano di ascoltare un pezzo alla volta, così come oggi scegliersi un brano online (quasi mai un intero album) diventa il mezzo, anzi il medium più comodo: dal dilettante al professionista, dallo studente al professore, dall’esperto al neofita trionfano i singoli successi del passato e del presente, che continuano a fare grande, immensa, epocale la black music nata da ex schiavi africani e ora diffusa in teatri, auditorium, festival di tutto il mondo. Ma c’è un secondo importante paradosso da rilevare: nonostante queste ultimissime comode tecnologie, si assiste di recente a un ritorno al vinile, il caro vecchio long playing, che tra gli anni Cinquanta e Ottanta del secolo scorso diventa un autentico fenomeno culturale e un oggetto di culto ricercatissimo, in grado di racchiudere un macrocosmo sonoro tra i solchi di venti minuti a facciata. Un valido motivo per offrire un dizionario non indirizzato unicamente ai soli album (come avviene negli altri libri) bensì svolto soprattutto attraverso i brani celebri, inteso, quindi, per garantire una selezione di singoli pezzi memorabili, raggruppati a loro volta attraverso i grandi stili jazz (hot, swing, bebop, e così via) che storicamente si susseguono dall’origine ai nostri giorni. Un infinito songbook unico nel genere, di facile consultazione, destinato a durare nel tempo per chi voglia avvicinarsi al jazz nella maniera più diretta, creativa e affascinante.

«In questo “Medioevo tecnologico”– dove la mente digitale crede ancora nel mito dell’oggettività scientifica e seziona con il suo “bisturi razionale” osservazione e osservato, arte e scienza – la musica e lo scientismo dimenticano che, per generare i suoni, bisogna conoscere la proportio aurea, studiata da giganti del pensiero come Pitagora, Leonardo, Bruno e Böhme. Esiste “un’intonazione scientifica” con cui fare musica: i rapporti tra le note dovrebbero seguire gli stessi rapporti matematici che governano la riproduzione di molte specie, la fillotassi e il nostro sistema solare o, se preferite, il sistema sol-la-re». Frutto di anni di ricerche, il libro mette in correlazione la musica e la scienza dell’intonazione, conducendo il lettore attraverso l’antica sapienza di Pitagora, Fibonacci, Leonardo da Vinci e Giovanni Keplero, per giungere alle più moderne ricerche della fisica quantistica e delle neuroscienze. L’Autore mostra come l’uniformità al la a 440 hertz sia stata una scelta arbitraria decisa da poche influenti persone, senza portare alcuna valida motivazione o evidenza né scientifica né artistica a sostegno di quest’imposizione, allontanandoci così dall’intonazione naturale a 432 Hz, correlata alla risonanza terrestre. Con questo libro prenderai consapevolezza di: quali aree cerebrali attivi la musica e a quali ottave di frequenza il cervello umano operi; quale ruolo ricoprano le onde sonore nel modificare la pressione sanguigna, la respirazione, il battito cardiaco, la resistenza elettrica della pelle, la risposta neuroendocrina, la concentrazione ed altre componenti essenziali al benessere umano. Questa è l’opera più esaustiva in commercio sul tema dell’intonazione a 432 Hz, nota anche come La Verdiano, in quanto caldeggiata da Giuseppe Verdi. «Sarebbe proprio il caso, prima di iniziare la lettura, di ascoltare un bel concerto dal vivo con il la intonato a 432 hertz. [...] Personalmente, poco dopo aver letto questo libro nella sua edizione precedente, mi sono deciso a intonare il pianoforte di casa mia a 432 Hz. Il mio ultimo disco è stato registrato con questa intonazione. Tutto ciò per un motivo semplice: ho la sensazione che lo strumento, in questo modo, abbia un suono più caldo e pastoso. È lampante che fin qui siamo in presenza di motivazioni piuttosto personali e poco oggettive. Ma a sostegno della mia decisione, ecco saltar fuori – dalle pagine di questo libro – nientemeno che la scienza». Stefano Bollani «Ecco un progetto avventuroso, un’impresa importante. Riccardo Tristano Tuis è riuscito a catturare l’essenza della nascente rivoluzione musicale con parole semplici, comprendendo la sua grande complessità in modo eccezionale e rendendola comprensibile al lettore comune». Ananda Bosman

La musica è stata sempre una fedele amica, la colonna sonora della mia vita. In questo libro racconto che questa passione ha un'origine ed un nome: i Beatles. Loro sono stati il faro che ha illuminato il mio cammino musicale. Tutto è iniziato con timide note su chitarra e pianoforte, ma il momento più importante è stato quando sono entrato per la prima volta in uno studio di registrazione dove le mie abbozzate composizioni sono diventate canzoni compiute, plasmate con cura da talentuosi arrangiatori. Ho così vissuto un sogno crescente e in queste pagine vorrei consigliare tutti i musicisti principianti a mettersi in gioco ed esperimentare di più, proprio come ho fatto io. Sono certo infatti che ci siano canzoni stupende che aspettano soltanto di essere portate alla luce. Il mio è un invito a tirarle fuori dal cassetto e a farle ascoltare a chi poi le finalizzerà al meglio. Poi, come d'incanto, la vostra musica potrà prender vita su piattaforme famose come Spotify, con la possibilità così di esser ascoltate da molte persone. La soddisfazione che ne deriverà sarà un regalo inaspettato che la musica stessa vi restituirà. Benvenuti quindi in un mondo in cui le note diventano storie e le storie diventano canzoni.

Scritta da due dei più importanti musicologi al mondo – l’uno inglese e l’altra americana – questa storia dell’opera si è fatta subito notare alla sua uscita, nel 2014, per il taglio al tempo stesso innovativo e rigoroso. Innovativo perché per la prima volta la storia dell’opera viene scritta basandosi sulla performance, sulla rappresentazione dal vivo, e non sulla composizione. Si tratta di un approccio che avvicina lo storico alla posizione del pubblico, e allo stesso tempo trasforma la storia dell’opera in una vicenda spettacolare e umana che comprende i teatri, gli interpreti e il pubblico, e non solo i compositori. In occasione di questa pubblicazione gli autori hanno completamente rivisto e aggiornato il volume, aggiungendo due capitoli per spingere la trattazione fino alle ultime tendenze del presente. Un libro pieno di idee, di esempi, di riferimenti inaspettati e di confronti con le altre arti e con il mondo dello spettacolo; non un semplice manuale, ma un testo da cui si impara moltissimo, attraversato da una passione e una competenza magistrali.

Che il 1973 sia un anno “storico” lo dimostra la lunga lista dei capolavori usciti in quei dodici mesi. Basti citare the dark side of the moon dei Pink Floyd. Uno per tutti. Ma gli altri non sono da meno: dai Genesis a Mike Oldfield, dai Led Zeppelin a Bruce Springsteen, dagli Who agli Yes, senza dimenticare gli italiani dell’irripetibile generazione progressive (Osanna, Le Orme, Acqua Fragile). 33 i recensori coinvolti – esperti, scrittori, saggisti – come i giri di un Lp, per raccontare “oggi” questa straordinaria musica di “ieri”, una musica per tutti i gusti, dal blues al jazz, dal folk alla psichedelia, dal rock al prog. La vera sfida dei curatori è stata quella di provare a rileggere lavori molto conosciuti attraverso occhi nuovi, contemporanei; e se molti dei partecipanti al progetto, “diversamente giovani”, hanno avuto la possibilità di vivere in diretta gli eventi di cui scrivono, non mancano i “giovanotti”, quelli che hanno saputo apprezzare l’eredità che qualcuno ha loro lasciato, e ora ne fanno buon uso, condividendo col mondo la loro passione e le loro conoscenze. È passato mezzo secolo, ma questa musica fa ancora parte delle nostre vite e delle nostre coscienze.