Musica

Edi "Kermit" Toffoli, uno dei primi punk della scena italiana, si racconta in questo libro che si legge come un romanzo e ci trasporta nell'Italia degli anni '70-'80 visti dalla profonda provincia del nord-est. Alla fine degli anni '70 l'onda lunga del punk, ritirandosi, aveva abbandonato sulla riva ogni genere di relitti e creature degli abissi. Tra di essi anche il giovane Kermit, che folgorato dal punk si era inopinatamente messo contro la famiglia, la scuola, i coetanei, l'intera comunità e le rigide convenzioni sociali della piccola vita di provincia. La sua diventò ben presto una lotta per la sopravvivenza, non politica o ideologica ma indissolubilmente personale, condotta sul finire degli anni '70 in una terra di frontiera sfregiata dalle cicatrici del terremoto e dominata dalle logiche prioritarie della ricostruzione. Una vita in bilico tra la lotta per la sopravvivenza e la gestione della sua amata band musicale, destreggiandosi tra bande ostili e discoteche violente, baraccopoli e centri sociali, radio private, reduci sessantottini, droghe e fanzines. Unico sostegno: i due amici che suonano con lui nei The Sex, il gruppo in cui Kermit ha messo tutto se stesso. Insieme, faranno salti mortali per riuscire a registrare le loro cassette e tenere concerti nelle condizioni più avverse che si possano immaginare. Ben presto il rifiuto delle convenzioni, la mancanza di punti di riferimento e la perdita di contatto con la realtà non mancheranno di riscuotere il loro pedaggio e questa crociata contro i mulini a vento porterà il giovane a scendere progressivamente la china in una lenta deriva fisica e psichica. In tutto questo sarà sostanzialmente la musica a dettare il copione, costituendo sia la malattia che la cura. Prima trasportando il ragazzo fino ai confini della pazzia, poi fornendogli un'ancora di salvezza e una motivazione per risollevarsi.

«Io cerco di scrivere canzoni ispirandomi ai discorsi che si possono fare sui tram, in mezzo alla gente, dove ti rendi subito conto dell'andazzo sociale. Non voglio dare insegnamenti, voglio soltanto fare il cronista»

Testo di supporto ai docenti e studenti dei Licei Musicali, corsi Accademici e propedeutici AFAM. Attraverso 131 esercizi accuratamente progettati, questo testo è un supporto didattico che offre un approccio all’armonia tonale, di stampo logico e progressivo comprendo le competenze di base fondamentali per gli aspiranti musicisti. Gli esercizi sono suddivisi in categorie tematiche e affrontano una vasta gamma di concetti: gradi armonici, disposizione delle voci, cadenze, accordi di settima, di sesta eccedente, progressioni, ritardi, note estranee all’armonia, etc. All’inizio di ogni argomento, una pagina introduttiva fornisce alcune brevi nozioni che lo studente potrà integrare nella sezione dedicata degli “Appunti”. La struttura dell’eserciziario è essenziale e chiara, così da renderlo pratico ai docenti che possono personalizzarlo in base alle loro specifiche esigenze di insegnamento. Allo stesso tempo, fornisce agli studenti un supporto affidabile per consolidare le loro conoscenze; ciascun esercizio è stato attentamente progettato per esplorare in dettaglio ogni concetto esposto, consentendo di approfondire e di assimilare il materiale in modo più efficiente.

Nel diciannovesimo secolo il timpano era uno strumento musicale impreciso e veniva spesso considerato e inserito nelle opere liriche per la sua valenza ritmica piuttosto che melodica. Conseguentemente per questo strumento l'intonazione era indicata in partitura con cura per le indicazioni ritmiche ma non così per la definizione dell'intonazione. Gli autori qui analizzano criticamente le partiture originali di tre opere di Giuseppe Verdi fornendo la chiave di lettura per una corretta interpretazione della scrittura originale. In questo primo volume il lavoro di revisione approccia le opere Traviata, Ernani e Don Carlos.

Il libro analizza il ruolo paradigmatico della band noise/art rock Sonic Youth all’interno della cultura visuale e mediale, soprattutto degli anni ’80 e ’90. La produzione audiovisiva del quartetto travalica i contenuti musicali raccordandosi alla Pop Art, all’Appropriation Art, all’arte concettuale e al cinema underground attraverso gli esiti di una serie di collaborazioni emblematiche, soprattutto nella forma del videoclip e del film. Emersi dalla scena artistica di downtown New York di inizio anni ’80, con l’influenza del punk e della no wave, i Sonic Youth creano un sistema di relazioni che traspone e articola al proprio interno il concetto di “scena culturale”, diventando motori del paradigma di una “indie culture” che dagli Stati Uniti ha influenzato il resto del mondo. In questo network Do-It-Yourself – trans-locale ed espanso – di musicisti, artisti e film-maker, la band ha attivato strategie artistiche e comunicative più ampie incentrate sul corpo (body, corpse, youth) visto come epicentro della cultura americana, che mirano a rimettere in discussione le convenzioni di genere (come music genre, gender, film genre).

Il 5 ottobre 1962 uscivano in contemporanea il primo 45 giri dei Beatles (Love Me Do) e il primo film di James Bond (Dr. No - Licenza di uccidere). Da quel giorno, la cultura pop mondiale non è stata più la stessa: nascevano di fatto i “favolosi anni Sessanta”, il decennio più creativo e stimolante del Novecento. Prendendo spunto da quella coincidenza, il libro (impreziosito da una grafica nello stile dell’epoca e da immagini storiche) ripercorre l’epopea di una stagione che ha visto il mondo della musica, del cinema, delle arti, della moda e del costume subire una scossa di dimensioni gigantesche. Non a caso, in quei giorni il Time definiva Londra “Swinging” mentre Diana Vreeland, direttrice di Vogue, celebrava la capitale inglese come “la città più alla moda del mondo”. Dal brodo primordiale degli anni ’50 sino alla “fine del sogno” nel 1970, l’opera si concentra su quel percorso che ha visto la musica come elemento catalizzatore e catalizzante che ha ispirato e si è fatta ispirare dalle altre forme di espressione artistica, creando così un movimento rivoluzionario e controculturale capace di travolgere il mondo. La musica di Beatles, Rolling Stones, Who, Pink Floyd, Animals, Kinks, Cream e di tante altre rock band leggendarie è stata la colonna sonora perfetta di quegli anni ed esprime ancora oggi un fascino formidabile di grande attualità.

Le ultime sei Sonate per pianoforte di Beethoven - come le sfingi, o più semplicemente come tutti i capolavori degni di questo nome - non smettono mai di interrogarci. I fili che le legano non tracciano contorni definiti, né disegnano traiettorie chiaramente orientate verso una meta, ciononostante le stringono l’una all’altra saldamente. Il desiderio di far luce sulle loro peculiarità ha già spinto intere generazioni di appassionati ed esperti ad affrontarne lo studio. Federica Rovelli le discute con l’obiettivo di stimolare una riflessione sfrondata di diversi cliché affermatisi nel corso del tempo. Nella prima parte del libro — dedicata agli anni in cui queste opere videro la luce (quelli tra il 1814 e il 1823) - riferisce dei principali aggiornamenti del settore proprio con questo scopo. Alla biblioteca del compositore dedica un intero capitolo per narrare tanto degli interessi beethoveniani quanto del contesto culturale in cui essi si svilupparono. Nella seconda si concentra quindi sulle sei Sonate in oggetto affrontando questioni relative alla loro genesi, analisi e interpretazione. Le sezioni dedicate allo studio del processo creativo chiariscono quale fortunata eccezione rappresentino queste opere: per esse è tramandata infatti una quantità di materiali preparatori (schizzi, abbozzi, autografi, copie e bozze di stampa) raramente a disposizione.

Dramma in quattro parti da El Trovador di Antonio García-Gutierréz. Libretto di Salvatore Cammarano e Leone Emanuele Bardare, musica di Giuseppe Verdi. Prima rappresentazione Roma, Teatro Apollo, 19 gennaio 1853. Con un saggio di Pierachille Dolfini.

Il secondo volume dell'opera di Daniel Roca, Ignacio Cabello ed Emilio Molina, porta avanti l'impostazione pratica utilizzata nel primo volume. La grammatica armonica del cosiddetto common period (da Bach a Brahms) è spiegata e concepita attraverso l'analisi delle opere dei suoi grandi autori, dove per ogni brano si eseguono le attività di analisi formale, armonica, melodica, ritmica e strumentale. Chiude ciascuna unità didattica una interessante attività compositiva e creativa, prima in stile imitativo poi in stile libero.