Carlo Cambi Editore

Il curatore Alberto Fiz, attento studioso di Michelangelo Pistoletto, presenta una mostra e un catalogo non usuali, dal titolo "Origins and consequences" ("Origini e conseguenze"), in grado di affrontare i diversi aspetti di un'indagine complessa e articolata. Attraverso una selezione di opere che spazia dal 1958 al 2012 con dipinti, quadri specchianti, sculture e disegni, viene posta al centro la dialettica tra arte e vita, che Pistoletto, in occasione di un’intervista realizzata da Giovanni Lista nell'ottobre 1998, racchiude nel termine “movimento totale”. Anche la scultura rappresenta un’ulteriore conferma di come l’opera di Pistoletto, nel suo complesso girovagare tra l’io e l’altro, tra tempo e spazio, sin dalla fine degli anni Cinquanta, non faccia altro che circuire la realtà distraendola dalla rappresentazione. L’arte non solo confina con la vita, ma la invade, in un circolo virtuoso dove tutto appare intercambiabile e profondamente instabile. Nell'era digitale attendiamo dallo specchio di confermare la nostra presenza. Anche solo con un "like".

"Lost in ceramics", 90 opere di Andrea Viviani, tra i più interessanti scultori contemporanei che hanno scelto come medium privilegiato quello della ceramica. “La sua è una scultura” - scrive Cesare Biasini Selvaggi, curatore della mostra - “che va ricevuta come ‘una torta in faccia’. Con tutta la sua ricca farcia di smalti al selenio, in riduzione, di acrilici su poliuretano espanso, e ancora di ceramiche e ferri su cuscini in gommapiuma rivestita di prato sintetico. L’effetto collaterale? Trovarsi catapultati all'improvviso su un’isola misteriosa. Soltanto in apparenza siamo di fronte a visioni ludiche. In realtà Andrea Viviani intende scuotere il nostro immaginario con verità più profonde, avendo disseminato le sue opere di ironici enigmi e misteri sul senso della vita, per evidenziare la follia dei tempi moderni”.

Una pubblicazione sugli “Artisti al teatro”: spesso il fruitore di un’opera musicale si limita all'ascolto della musica e si appassiona alla storia e alle arie più famose, ma anche la parte scenografica e quella dei costumi sono protagoniste nella messa in scena dello spettacolo. Sarà quindi un’interessante sorpresa scoprire che molti artisti contemporanei si sono dedicati con successo ai bozzetti per i costumi degli interpreti e a quelli delle scene, ulteriore testimonianza, se mai ce ne fosse bisogno, dell’estrema qualità artistica e capacità di attrazione che da sempre caratterizza il Maggio Musicale Fiorentino. Grazie a questo catalogo scopriamo, quindi, che artisti del calibro di Gino Severini, Enrico Prampolini, Mario Sironi, Bob Wilson, Derek Jarman, Fausto Melotti, Giulio Paolini, Toti Scialoja, Franco Angeli, Piero Dorazio, Piero Sadun, Giacomo Manzù hanno amato il Maggio Musicale e ne hanno fatto uno stimolo della propria creatività. Un’occasione inedita per osservare da vicino disegni e modelli conservati a Firenze, presso l’Archivio Storico del Teatro.

“Magione Arts District” nasce nella Kalsa, quartiere centrale simbolo di Palermo e della sua storia, sorto durante la dominazione islamica. Aperto alla sperimentazione e alla contaminazione tra le arti e le esperienze, al confronto e allo scambio culturale, ospita nei suoi locali, tutti su strada, un fitto programma espositivo, in cui si alterneranno artisti “established” ad altri emergenti, di diverse provenienze geografiche. Non solo mostre, tuttavia, ma anche conferenze, presentazioni di libri, incontri culturali, eventi e manifestazioni per coinvolgere il quartiere e la città. Il progetto del “Magione Arts District”, realizzato dall'Associazione Archivi Ventrone in partnership con lo Spazio Contemporaneo Agorà di Palermo, si propone di indagare le soglie di coniugazione e di conflitto nell'epoca contemporanea definita “l’età delle migrazioni”. Dal fenomeno migratorio di interi popoli a quello più inedito delle informazioni che corrono in tempo reale lungo le rotte invisibili del web. Il tema dell’identità mette davanti la società a un doppio binario: quello dell’incontro e quello del conflitto, quello della ricomposizione e quello della deflagrazione delle contraddizioni.

Qui diresti che sia la stessa cornice del quadro a ritagliare una porzione di puro silenzio. Più che di spazio, un frammento di tempo sospeso, ove catturato e bloccato vi appare un istante rivelatore: la quintessenza d’un misterioso messaggio di cui, lì per lì, non riesci a cogliere la portata. Anzi, proprio perché così esiguo nei connotati che lo compongono, quasi potresti crederlo ai limiti dell’insignificanza. Se non fosse che quello seguita a catturarti lo sguardo. È questo il primo effetto che ti suscita un’opera come Armonie #1 di Marco Nizzoli, d’istinto architetto minimalista d’effetti musicali ancor prima, forse, che pittore che attinga ogni pretesto dalle apparenze del vero. Perché, inavvertitamente, l’atto estetico in cui Marco ti coinvolge è quello d’indurti con dolcezza a una sorta di spoliazione interiore. Attirandoti in un suo cerchio magico di grazia contemplativa.

Pubblicazione sulla storia del grande enologo Giacomo Tachis e sulla sua preziosa biblioteca. In gran parte sono italiani e francesi, che parlano della storia del vino dal Cinquecento fino ai giorni nostri, ma anche centinaia di faldoni. Ogni faldone contiene la storia di un grande vino, famoso nel mondo, dal primo campione a tutte le correzioni enologiche, fino al risultato finale. In questo volume ci sono, quindi, le 27 etichette più importanti create da Giacomo Tachis dal nord fino al sud Italia, isole comprese: tutti vini che hanno contribuito e contribuiscono alla leggenda del prodotto in Italia e nel mondo. Qui troverete la storia di ognuno di essi, dalla sua nascita fino a oggi, raccontata dal produttore, e una ricetta, studiata da uno chef stellato, abbinata a quel vino. Questo libro, uno scrigno di tesori resi di facile lettura per tutti, anche per i non addetti ai lavori, presenta numerose fotografie di Bruno Bruchi ed è curato dal giornalista eno-gastronomico Andrea Cappelli, che ricorda e spiega come la storia dei grandi vini in Italia, per oltre trent'anni, porti la firma di Giacomo Tachis, la cui biblioteca resta patrimonio di ognuno.

La grande scritta MUSEO, realizzata da Paolo Parisi, polarizza l’attenzione dei cittadini e dei turisti dalla piazza Santa Maria Novella di Firenze direttamente verso il loggiato, cerniera rinascimentale che apre e chiude la riconoscibilità e permeabilità del museo Novecento. La parola MUSEO, con la sua dimensione di monumento, sembra poter uscire fuori dalle arcate. La varietà cromatica e di lettering comunica nel contesto aureo del loggiato con armonie dissonanti e dissacranti, come un’esecuzione jazz in una cappella del Quattrocento. La parola è il risultato di un’operazione composita di prelievo e di citazione, di taglia e cuci, infine di un significativo sovradimensionamento. Le sagome di legno sono state ritagliate al massimo della misura consentita loro per ragioni di sicurezza, oltre quattro metri. Ogni lettera si appoggia alla cancellata ed è ancorata alla stessa. Parisi ha trovato il modo di interagire con la presenza qualificante dei segni rinascimentali, con la funzione comunicativa e non ultimo con alcune opere di maestri del Novecento presenti nel Museo al momento dell’ideazione: Ori, Cagli, Scheggi, Chiari e la testata di «Firenze Futurista» del 1921.

Il lavoro di Zhivago Duncan manifesta un parallelismo tra la sua passione per i diversi miti della Creazione e le connessioni che ne scaturiscono. Tutto prende vita dal poema sumero Enuma Elish, che lo tocca particolarmente, essendo egli per metà siriano. Nei primi batik l’artista dipinge paesaggi astratti ed eterei, che rimandano a scenari immaginari descritti nel poema. E così crea una propria narrativa. Tutto ciò si trasforma infine nello sviluppo dell’Epica della Creazione, che prende visivamente forma attraverso i successivi dipinti batik. “Sembra che in questo particolare momento, e non solo in Siria, così tanti dogmi storici stanno crollando o si trovano sull'orlo del collasso, nonostante la maggior parte dell’umanità rimanga tuttora ancorata a strutture religiose arcaiche”. Su questa strada che unisce il nulla al non luogo Duncan tenta di ricostruire metaforicamente una realtà attuale riscrivendone le origini. La natura e l’isolamento sono fondamentali nel lavoro di Duncan e, malgrado la vita cittadina sia il contesto in cui l’opera continua a vivere oltre la propria creazione, la natura è l’ambiente in cui nasce.

Vi è una coerenza profonda tra i contenuti di questo ciclo pittorico di Nello Petrucci e la tecnica da lui adottata, il décollage. Protagonista assoluta è la stratificazione. La nostra storia, nella sua profondità temporale, e la contemporaneità, nell'affastellamento della comunicazione globale. Lo strappo, che è urlo o ferita nella sua privazione, offre l'opportunità della creazione mediante un movimento che è inverso a quello della composizione, il togliere, utilizzando per giunta un ready-made, ovvero i resti della comunicazione stratificata sui muri cittadini. Rotella parlava di magia e di messaggio nell'arte. Petrucci si rifà al Rotella degli anni Cinquanta, alla ricerca sperimentale che si collocava più nell'ambito dell'informale muovendosi in direzione di una suggestione visionaria che facesse da contraltare al degrado e il senso di effimero dell'esistenza. Una tecnica che privilegia la causalità e dunque la freschezza del gesto pittorico capace di trasformare emozioni in visioni.

Quello di Fantini è un disegno dal tratto arcaico, surreale ed essenziale, che sembra dialogare con le opere di Osvaldo Licini conservate presso l'omonima galleria location della mostra attraverso la lente distorta di una pittura per molti aspetti assimilabile a quella del cinema sperimentale di David Lynch. Senza cadere in citazioni esplicite, l'artista sembra interrogarsi sul rapporto dialettico tra astrazione e figurazione tipiche del mondo e della sensibilità di Licini; lo fa utilizzando sfondi geometrici che dividono la superficie in due parti e con l'utilizzo di parole o lettere che si stagliano come quinte teatrali su figure dal segno morbido e sinuoso. “Sono 2”, come i colori presenti nelle opere, come i mezzi e le tecniche utilizzate, tutto con l'intento di favorire la costruzione di uno spazio che sembri creato dalle stesse figure che forgiano l'immagine. È una ricerca di superficie la sua, come quella di molti artisti contemporanei che non cercano la retorica della profondità oramai sbiadita da tecniche sempre più invasive di controllo, ma puntano sull'intensità del presente, dell'evidente senza prospettive.

Frank Holliday è uno degli artisti del Club 57, lo storico locale dell'East Village di New York al quale recentemente il MoMA della Grande Mela ha dedicato un'importante mostra. Egli fa il suo primo ingresso in un'istituzione museale italiana con una personale di 36 opere dipinte nel suo studio vicino a Piazza Navona, dove ha lavorato alacremente nell'estate del 2016, avendo come ispirazione i Maestri della storia dell'arte. Per Holliday i termini delle pittura sono abbastanza fluidi e la totale priorità va assegnata ai fenomeni puramente pittorici. Tuttavia, anche quando in queste sue opere più recenti sembra prevalere la libera invenzione, essa rimane pur sempre determinata da spunti esterni, qua e là riconoscibili, nonostante siano stati trasfigurati dalla memoria. Per dirla con le parole di Paul Klee, infatti, Holliday è “astratto con qualche ricordo, soprattutto quello di chi non c'è più”.