Musica

Con Parole in musica di Cecilia d’Amico, attrice e autrice di pagine teatrali di diversissima natura, la collana Testi2, con quel “2” esponenziale riferito all’accoppiata di testi del medesimo autore, compie un ulteriore passo, rompendo consapevolmente la formula editoriale, che si era data (ma non esiste regola senza eccezioni): questa volta i testi sono tre, anche se binaria ne è la struttura, accoppiando la parola con la musica, il testo con le partiture musicali, così come due sono gli scritti, che li precedono a mo’ d’introduzione, di Alessandro Tinterri il primo, di Sandro Cappelletto, il secondo, dedicato alle musiche. Hänsel e Gretel, sono i protagonisti di Rodi, rodi! Morsicchia! La casina chi rosicchia?, moderna rivisitazione della fiaba dei Fratelli Grimm, calata nella nostra quotidianità bulimico-televisiva, dove la strega è un’anchorwoman di fastidiosa insipienza, esponente accreditata di un grado zero della comunicazione e anfitriona di un reality show dove si celebra il cibo spazzatura.

«Claudio Sanfilippo scrive canzoni da quaranta, forse addirittura da cinquant’anni. È un armadio di canzoni. Un armadio di quelli con due belle ante grandi a battente e dentro lo spazio comodo dove appendere le musiche buone e calde per l’inverno, tra i loden e i paletot; ci sono anche un bel po’ di ripiani per impilare maglie e maglioni, versi e strofe» scrive Gino Cervi nell’introdurre questo libro di ricordi e itinerario del cuore di un musicista che è stato autore di canzoni per grandi interpreti come Mina, Eugenio Finardi e Pierangelo Bertoli. Per l’autore è «una geografia sentimentale che si trasforma in testo, melodia, armonia, canto, un po’ come fanno i bambini quando giocano…»

Metallica, Anthrax, Ramones, AC/DC, Nightwish... sono solo i nomi più rilevanti di un elenco potenzialmente sterminato: quello delle band influenzate da Stephen King. C’è persino chi, come i punk californiani Pennywise, ha addirittura scelto il proprio moniker ispirandosi a uno dei suoi romanzi più famosi, IT. Lo stesso Stephen King è un’immensa enciclopedia musicale: tutta la sua produzione può essere letta attraverso i continui riferimenti che il Re fa a band e canzoni, rendendo in alcuni casi (come nel racconto ‘E hanno una band dell’altro mondo’ e nel romanzo Revival) la musica l’assoluta protagonista delle sue storie. "La musica di Stephen King" racconta il rapporto a doppio filo fra il Re e la musica: dall’impronta lasciata su interi dischi e brani, per arrivare all’influenza degli ascolti personali sulla propria scrittura. È un libro che muove dall’analisi appassionata delle sue opere passando per aneddoti musicali “horror” – come l’ossessione per ‘Mambo No. 5’ di Lou Bega – attraverso interviste, racconti dei protagonisti e ascolti di playlist potenzialmente infinite. Un atto d’amore verso il Re e verso gli innumerevoli mondi che ha contribuito a creare.

Dopo la fine dei CCCP (1990), con la caduta del muro di Berlino, quel che rimaneva dei CCCP originali (Giovanni Lindo Ferretti e Massimo Zamboni, il “nucleo emiliano”) si incontra con il “nucleo toscano” in uscita dai Litfiba, composto da Gianni Maroccolo e Francesco Magnelli, che già avevano collaborato all’ultimo album dei CCCP – Fedeli alla Linea, epica etica etnica pathos, insieme al loro tecnico del suono, Giorgio Canali. Con questa formazione, a cui si aggiunge Ginevra Di Marco alla voce, i C.S.I. a metà degli anni Novanta pubblicano tre album, per i quali, una volta tanto, vale la pena di spendere l’attributo “seminali”: ko de mondo, linea gotica, tabula rasa elettrificata. Il ruolo del Consorzio Suonatori Indipendenti è stato fondamentale non solamente all’interno del ricco panorama culturale di fine Novecento, ma ha costituito un punto di riferimento culturale ineluttabile anche per tutto ciò che è venuto dopo. Protagonisti di un’epoca di grande trasformazione, in bilico fra epoca bipolare e il caos del nuovo millennio, i C.S.I. hanno saputo costruire un’identità straordinaria e compatta fatta di ricerca artistica, desiderio, sperimentazione musicale e intelligenza politica da cui ancora oggi possiamo trarre spunto alla luce delle criticità e delle problematiche che sono venute dopo, del grande vuoto che loro hanno saputo prevedere e interpretare con largo anticipo.

Mario Morellini è un naturalista toscano che nella vita si occupa prevalentemente di educazione ambientale, realizzando laboratori didattici, allestendo mostre naturalistiche e collaborando con scuole, musei e libere università. Con la presente pubblicazione "La canzone de lo Guarracino. Canzone di anonimo napoletano del XVIII secolo", ispirata ad un celebre componimento napoletano del '700, Mario Morellini materializza sotto il tratto dei suoi disegni i pesci, ma sono "umani". Non è la prima volta che Mario accosta agli animali gli esseri umani per trasferire in una sorta di antologia citazioni significative e riflessioni dell'immaginario. La canzone descrive una battaglia tra vari organismi marini schierati chi a favore e chi contro questo pesce, che, innamorato della sardella, deve rinunciare al proprio amore perché la bella sardella è stata promessa a un altro, l'alletterato. Dall'elenco nutrito delle oltre settanta specie citate si può fare il confronto con quelle presenti oggi, minacciate da estinzione. Il libro quindi finisce per avere anche una certa valenza storico scientifica.

L’uso dei polychord sulla chitarra è da sempre considerato estremamente complesso, al limite della fattibilità. Questo testo mira a sfatare tale pregiudizio, dimostrando non solo la concreta possibilità di eseguire polychord sullo strumento, ma anche la vasta gamma di combinazioni realizzabili. Il libro esplora voicing complessi, affrontandone le difficoltà tecniche e musicali. Non si tratta di un semplice metodo didattico né di un mero catalogo di possibilità, ma di una vera e propria guida che illustra la costruzione e l’applicazione dei polychord, dall’accompagnamento all’armonizzazione di melodie, fino al loro utilizzo in diversi contesti orchestrali.

Questa edizione italiana di The Art of Partimento segue di tredici anni la pubblicazione originale per Oxford University Press e riflette la crescita esponenziale degli studi sul partimento. Questo libro esplora la tradizione storica del partimento come metodo formativo essenziale per i compositori tra Sette e Ottocento, mettendone in luce il ruolo pratico e la trasmissione non verbale delle competenze musicali. La nuova edizione corregge refusi, aggiorna ipotesi storiografiche e include scoperte recenti, come il manoscritto Ossietzky e le Regole di Francesco Mancini, che retrodatano l’origine del partimento a Napoli nel XVII secolo. Con un approccio teorico e pratico, il volume ambisce a rinnovare l’interesse per questa tradizione musicale nel suo luogo d’origine.

Questo non vuole essere il solito libro che prova a insegnare a cantare con esempi tecnici e spesso accademici, magari con un CD allegato ed esercizi da fare: lo scopo di questo libro è che una volta terminato possa lasciarti un qualcosa in più su cui riflettere. Sarebbe a una bella vittoria!Il messaggio è quello di far capire che un insegnante valido - oltre al talento e all'esperienza - deve avere anche una sensibilità e un lato umano molto sviluppati per riuscire a comunicare con le persone che si affidano a lui, anche in modi tutt'altro che accademici. Intuizione... Percezione... Sensibilità... Tanta esperienza... Questo è tutto ciò che serve per capire chi si ha davanti, dal punto di vista umano, anatomico e fisiologico. Insomma c'è bisogno che il talento umano combaci con quello artistico. Senza il primo nessuno potrà mai essere un ottimo insegnante. Di questo l'autore è sicuro.