Cinema, televisione e radio

Un viaggio appassionante nella storia di Radio Proposta, la radio comunitaria che ha saputo trasformare Brugherio in un laboratorio di idee, musica e socialità. Tra incendi improvvisi, tombolate natalizie, programmi innovativi e concerti live, il racconto intreccia episodi e aneddoti di chi ha vissuto e animato la radio, dal direttore ai DJ, dai tecnici agli ascoltatori fedeli. Nelle pagine emerge il valore della comunicazione sociale, la forza delle collaborazioni, le emozioni dei grandi eventi musicali e la gioia delle semplici dediche di compleanno. Un mosaico di voci, ricordi e progetti che celebra la radio come comunità viva, pronta a reinventarsi di fronte a ogni sfida, e strumento capace di unire generazioni, raccontare il territorio e accendere passioni indimenticabili.

La storia dell’umanità è costellata di massacri. L’Europa moderna vi ha contribuito in modo decisivo, esportandoli su scala mondiale, con la conquista del resto del mondo nell’arco di oltre mezzo millennio. Ma tra le innumerevoli tragedie di cui è stata artefice, la coscienza europea si è vista lacerata in modo indelebile dall’evento della Shoah. Lo sterminio di milioni di persone, condotto in base a stereotipi legati ai fantasmi della razza o della religione, rese visibile quell’orrore che la civiltà europea aveva praticato innumerevoli volte nelle Americhe, in Africa, Asia e Oceania, e che era stato percepito nelle nazioni colonizzatrici in modo molto sfumato. L’esigenza di raccontare eventi come il genocidio degli ebrei, dei rom e dei popoli slavi, ha prodotto un cortocircuito tra l’estetica e l’etica. Come sarebbe stato possibile raccontare eventi così tragici ed estremi senza cadere nella spettacolarizzazione dell’orrore, senza tradire la memoria dei testimoni e offendere il martirio delle vittime? L’impossibilità della rappresentazione di una tragedia di tale portata, e al contempo la sua imprescindibile necessità, è l’argomento di questo libro. Molti registi hanno cercato in vario modo di assumere queste contraddizioni insanabili, e tali questioni sono presto divenute universali. Auschwitz non ha mai cessato di ripetersi. Rappresentare il male supremo è ancora un’esigenza dell’arte, mentre l’orologio dell’apocalisse avanza inesorabile.

Questo libro introduce il lettore nell'universo cinematografico di Billy Wilder, classe 1906, ebreo transfuga dalla Germania di Hitler nel 1933, rifugiatosi dapprima in Francia poi negli Stati Uniti dove scrive la sceneggiatura del film Ninotchka e dal 1942 dirige una serie di lungometraggi ritenuti capolavori della settima arte: da La fiamma del peccato a Giorni perduti, che tratta in modo diretto il tema dell'alcolismo e che gli permette di vincere i suoi primi Oscar come miglior regista e miglior sceneggiatore. Viale del tramonto, Sabrina, L'appartamento, sono film che hanno segnato con eleganza e raffinatezza stilistica il cinema del dopoguerra incontrando un successo di pubblico e di critica che non conosce ombre e di cui il libro di Giorgio Penzo racconta gli sviluppi. Un testo libro che approfondisce Billy Wilder raccontandone le anime di autore noir e di memorabili commedie, ma anche le grandi collaborazioni, tra cui quella con Marilyn Monroe (A qualcuno piace caldo, Quando la moglie è in vacanza) e quella con Jack Lemmon e Walter Matthau (Prima pagina, Buddy Buddy). Giorgio Penzo è nato a Trieste e si è laureato in filosofia con una tesi in Storia del cinema. Poliglotta e viaggiatore, ha pubblicato Orson Welles fra Quarto potere e Il processo (2015) e, con il figlio Marco Stanley Kubrick (2017). Per Falsopiano ha scritto A proposito di Ingmar Bergman 1955-1982, Akira Kurosawa. L'ultimo imperatore, Andrej Tarkovskij e L'intimismo favolistico di François Truffaut.

Cosa non è stato ancora detto sul conto di Pier Paolo Pasolini? Partendo da questa ambiziosa domanda, il volume esplora la cinematografia incompiuta del primo intellettuale transmediale della cultura italiana. E si propone come prima antologia analitica dei 32 film mai realizzati, raccolti dopo un ventennale scavo tra archivi e pubblicazioni. Alcuni sono inediti, altri "ricostruiti" a posteriori. È il caso della pellicola che Pasolini avrebbe dovuto realizzare su e con Adriano Celentano, dal titolo Il ragazzo della Via Gluck. Nel corso delle ricerche, la materia del libro si è arricchita di una nuova missione: ricostruire e ipotizzare per la prima volta la struttura dell’inedita Trilogia della Morte, di cui conosciamo il primo capitolo (Salò) e l’ultimo (il trattamento di Porno-Teo-Kolossal). Mancava all’appello un titolo, individuato “per caso” nel progetto (immaginato) su Gilles de Rais, modello quattrocentesco della figura fiabesca di Barbablù. «Nun esiste la fine», fa dire Pasolini a Ninetto nel suo ultimo film. Neanche questo volume vuole «finire». La sua aspirazione è essere confutato, demolito, superato. Perché vorrà dire che la ricerca non si è fermata.

Da simbolo del terrore atomico a divinità pop: la metamorfosi infinita di Godzilla – Oltre 200 immagini a colori e QR code Nato dalle ombre della storia e dalla paura dell’atomo, Godzilla è molto più di un mostro. Da oltre settant’anni il suo ruggito accompagna le inquietudini del mondo contemporaneo, trasformando il kaijū più famoso del cinema in un vero e proprio mito globale. Questo volume ripercorre l’intera evoluzione della creatura — dal trauma del 1954 alla rinascita del MonsterVerse — mostrando come ogni epoca abbia dato un nuovo significato al gigante della Toho. Un viaggio visivo e narrativo attraverso l’era Shōwa, l’era Heisei e l’era Millennium, fino alle interpretazioni più recenti come Shin Godzilla e Godzilla Minus One: tre grandi stagioni in cui il mostro diventa, di volta in volta, allegoria della bomba, eroe pop, simbolo della crisi tecnologica, messaggero ecologico o divinità naturale. Attraverso cinema, animazione, serie TV, videogiochi, parchi tematici e merchandising, il libro racconta l’espansione trans-mediale dell’icona Godzilla e il suo ruolo nella cultura pop mondiale.

Un libro sulle serie che ci hanno cambiato: storie che hanno riscritto il nostro modo di guardare, parlare, pensare, perfino di vivere. Seguendo un percorso ideale che attraversa le quattro stagioni dell'anno, troverete opere che più di altre sono diventate specchio della nostra realtà, linguaggio comune, riferimento culturale. Non necessariamente i titoli più celebrati o di maggior successo (anche se molti lo sono), ma mondi narrativi coerenti, con le loro atmosfere, i loro ritmi, le loro palette cromatiche e la loro estetica. Serie discusse, imitate, citate, che hanno influenzato gusti, mode, conversazioni, immaginari collettivi. Non a caso, la rassegna prende le mosse da Lost, indiscusso capostipite della serialità contemporanea. Ogni scheda, oltre a raccontare temi e personaggi della serie, apre non meno interessanti prospettive laterali: chi potrebbe amarla, i luoghi da visitare, quali sono i suoi oggetti iconici, le curiosità che pochi conoscono, le hit musicali che ne richiamano le atmosfere e anche in che direzione proseguire il viaggio dopo l'ultima puntata (altre serie, film e libri affini). 52 serie tv da vedere prima di morire è una guida sentimentale, una mappa sensoriale di vibrazioni e stati d'animo: un piccolo «Vogue» delle serie in cui Shameless convive con Black Mirror, Peaky Blinders con Dieci capodanni, Stranger Things con Una mamma per amica. Storie diversissime ma legate da un filo comune: lasciano il segno. E ora aspettano solo voi per essere scoperte, ritrovate, guardate con occhi nuovi.

Penultimo film di Charlie Chaplin, “Un re a New York” è il suo primo girato in Europa dove, vittima del maccartismo, si è trasferito dopo il divieto a rientrare negli Stati Uniti. È forse la sua opera più amara e apertamente autobiografica, in cui il bersaglio della satira è proprio l’american way of life. Protagonista il re 'vagabondo' Shadov – interpretato dallo stesso regista – in fuga da un immaginario stato europeo travolto dalla rivoluzione per approdare nell’America delle libertà, che scopre invece dominata dal culto del denaro, dal cinismo mediatico, dalla pubblicità, dalla chirurgia estetica e dalla caccia alle 'streghe rosse'. Accanto al tono graffiante, sopravvive la grazia slapstick e musicale del grande clown, che si muove tra conferenze sull’energia atomica e cene di beneficenza come un principe fuori tempo, in un mondo dove tutto è spettacolo e nulla è più sacro. Il film è anche una struggente riflessione sulla vecchiaia e sull’esilio: Chaplin vi riversa il dolore personale per la patria perduta e la tenerezza di un padre che, nella figura del giovane comunista interpretato da suo figlio Michael, ritrova la purezza delle proprie battaglie giovanili. La lucidità e l’audacia del ritratto rendono Un re a New York, malcompreso dalla critica alla sua uscita, un'opera profetica e sorprendentemente attuale. Ancora una volta, un capolavoro da riscoprire. Oltre al film, il cofanetto propone un disco di approfondimenti e rarità (tra cui un video-essay di Cecilia Cenciarelli sul making of del film e due interviste a Jim Jarmusch e Michael Chaplin) e un booklet con saggi sul film di Cecilia Cenciarelli, Jonathan Rosenbaum e Peter von Bagh, un soggetto inedito di James Agee e un ricco apparato di documenti inediti provenienti dall’Archivio Chaplin della Cineteca di Bologna.

Il nuovo corso di «Bianco e nero» si inaugura con un numero dedicato all’incubatrice del miglior cinema italiano recente: il documentario, o – come si diceva un tempo – il cinema del reale. Non un genere ma un insieme di pratiche che si muovono oltre lo schermo cinematografico: dal film-saggio al diario in prima persona, dal ritratto al true crime. E dal cinema alle gallerie, dalla televisione ai new media. Ogni documentario è una postura verso il mondo, una scelta estetica e insieme etica che interroga il rapporto tra chi filma, ciò che filma e chi guarda. Negli ultimi venticinque anni il documentario italiano ha attraversato la Storia e i suoi traumi – dal G8 di Genova alla pandemia – interrogandosi su come raccontare il potere, la realtà mediatizzata, le migrazioni, il sé. Ha rinnovato le proprie forme, dialogando con i maestri del passato e offrendo strumenti ad autori come Pietro Marcello, Alina Marazzi, Leonardo Di Costanzo, Michelangelo Frammartino, Alice Rohrwacher. Questo volume prova a restituire la complessità di un ecosistema creativo e critico, dalle pratiche alle teorie, dalle scuole agli enti di sostegno. Un mosaico di immagini che continuano a insegnarci a guardare.

Come si racconta una storia in pochi minuti? Come si progetta uno spot pubblicitario che lasci il segno? Short storytelling è una guida pratica per chi vuole lavorare con i formati brevi nei media: spot, cortometraggi, episodi di serie anche di una durata inferiore ai dieci minuti, miniserie e contenuti social. Attraverso esempi concreti e strumenti narrativi indispensabili, questo libro esplora i meccanismi del racconto breve: dall'hook al pay off, dal ritmo di montaggio ai diversi tipi di twist, dal punto di vista narrativo all'insight emotivo. Progettare con consapevolezza uno storytelling stringato ma incisivo significa unire intuizione creativa e metodo, bilanciare emozione e struttura. Il testo che avete tra le mani aiuta a fare tutto questo: passo dopo passo, scena dopo scena, frame dopo frame. Pensato per studenti, creativi, autori, storyteller e tutti coloro che si confrontano con un pubblico sempre più distratto ma affamato di emozioni autentiche, il libro individua un percorso per padroneggiare questo specifico formato in tutte le sue sfaccettature. Con l'analisi di spot iconici, corti pluripremiati e serie di successo, Short storytelling fornisce una vera e propria cassetta degli attrezzi, da tenere sempre in tasca, per progettare l'audiovisivo contemporaneo.

Partendo da un ampio ventaglio di fonti anche inedite, questo libro intende studiare come un genere inizialmente percepito come eteroctono, il giallo, diventi, dopo la Seconda guerra mondiale, uno strumento in grado di rappresentare la società italiana, dando voce ai suoi bisogni e alle sue paure, tanto al cinema quanto sulla carta stampata. Si tratta di un genere dalle ramificazioni profonde e complesse, che produce numerosi adattamenti dalla pagina allo schermo. Nel corso dei decenni, diventa un luogo di sperimentazione, dove viene data espressione narrativa e visibilità a realtà che prima non erano rappresentabili. In questa ricostruzione, che valorizza film trascurati e autori non sempre associati al giallo tradizionale, l’opera di Scerbanenco ha un ruolo centrale, anche se non esclusivo. La sua produzione narrativa si svolge nell’arco di decenni e si mescola con altri generi, diventando emblematica delle trasformazioni del pubblico e dell’industria culturale. Ma con Venere privata, nel 1966, succede qualcosa di nuovo: viene riconosciuta dai media la nascita di un giallo italiano di impronta realistica. L’opera di Scerbanenco contribuisce inoltre a determinare, in modo diretto o indiretto, gli sviluppi del cinema poliziesco degli anni Settanta. Finché si affermano altri modelli ideologicamente molto diversi, come quelli dei romanzi di Fruttero & Lucentini, di Vincenzo Cerami, di Attilio Veraldi e di Loriano Macchiavelli, la cui influenza arriva fino al presente.