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Esponente di punta del movimento impressionista, Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) rimane un gigante della storia dell'arte ancora molto amato dal pubblico. Affascinante, sensuale e baciata dal sole, la sua opera è frutto di una pittura allegra e luminosa, eseguita en plein air e caratterizzata dalla tipica sperimentazione coloristica dell'epoca. Pittore assai prolifico, nel corso della sua vita Renoir realizzò diverse migliaia di opere. Fortemente influenzato da predecessori quali Courbet, Degas, Manet e Delacroix, insieme a colleghi contemporanei del calibro di Monet esplorò un nuovo uso del colore e della pennellata per rendere tessitura e profondità con passate di vernice di diverse tonalità. Attratto da scene intime e affettuose di vita quotidiana, Renoir ritrasse innamorati, madri e numerosi nudi. Nel corso della sua carriera, Renoir approfondì diversi stili e tecniche, passando dalla delicatezza della pennellata impressionista a una fisicità più classica e vigorosa, definita talvolta il suo “periodo Ingres”, per realizzare infine opere immortali come Le bagnanti. Questa fondamentale introduzione all'artista offre una selezione delle principali opere realizzate da Renoir nel corso della sua lunga e prolifica carriera per esplorarne tanto le innovazioni apportate in pittura quanto il richiamo alle tradizioni nella rappresentazione della bellezza, dell'armonia e della figura femminile.

Le incredibili fotografie di Frédéric Chaubin ci guidano in un viaggio contemplativo attraverso l’Europa. Stone Age presenta i più suggestivi castelli medievali descrivendo, per la prima volta in una prospettiva ampia, la varietà e il background di queste fortificazioni. Include fotografie di oltre 200 edifici, situati in 21 paesi diversi. Il titolo Stone Age allude al modo in cui le forme e i materiali grezzi di questi castelli incarnano la preistoria del Brutalismo. Molto prima dell’età moderna, essi stabiliscono regole di funzionalità e razionalità. Inoltre, sorgendo dalla roccia, questi edifici sono letteralmente fatti di pietra (come spesso testimonia il loro toponimo). L’opera copre 400 anni (dal XII al XV secolo) e si inserisce nel turbolento contesto del Medioevo feudale, durante il quale in tutta Europa si usava fortificare le dimore dell’alta e bassa aristocrazia. L’Europa è la cornice ideale per racchiudere un’architettura che, seguendo i mutamenti storici, oltrepassa i confini del presente. Inoltre, nella narrativa occidentale, questi castelli sono tipicamente associati all’Europa. L’approccio di Frederic Chaubin è simile a quello usato nella sua precedente opera CCCP. Gli edifici qui ritratti sono disseminati in vaste aree e appaiono decontestualizzati nei nostri scenari odierni. I castelli fortificati hanno perso il loro scopo originario 500 anni fa; questa raccolta è dedicata alla loro sopravvivenza. Le immagini sono state scattate con una fotocamera a banco ottico Linhof, usando pellicole 4 x 5 e 6 x 9. Questo progetto è il risultato di cinque anni di viaggi e ricerche.

Un tour completo sulla vita e le opere del capofila del design italiano. Scoprite la visione caleidoscopica di uno dei maggiori architetti, designer e art director del XX secolo. Questa indagine sulla vita e le opere di Gio Ponti ha una portata senza precedenti, e presenta fotografie e disegni inediti riprodotti ad alta risoluzione in formato XXL. Realizzato in stretta collaborazione con l’Archivio Gio Ponti, questo volume è un affascinante viaggio in un universo unico e coloratissimo.

Peter Lindbergh e Azzedine Alaïa, il fotografo e lo stilista, erano uniti dal loro amore per il nero, un amore che avrebbero coltivato allo stesso modo nella stampa alla gelatina d’argento e nei capi in tinta unita. Lindbergh utilizzava immancabilmente il bianco e nero per esprimere la sua ricerca di autenticità attraverso i volti cui dava risalto. Alaïa attingeva alla monocromia di capi senza tempo per creare vere e proprie sculture per il corpo. Questo libro immortala lo straordinario dialogo tra i due artisti. Illustrando la loro comunanza di spirito, le immagini in queste pagine celebrano un sodalizio artistico unico e documentano i successi che hanno fatto la storia della fotografia e della moda. Pur essendo nati in continenti diversi, Lindbergh e Alaïa hanno inseguito orizzonti simili. Mentre Lindbergh vedeva crescere la sua fama in Germania grazie al lavoro per la rivista Stern e fondava il suo studio a Parigi nel 1978, Alaïa lavorava avvolto nella discrezione e le sue tecniche sofisticate erano un segreto prezioso per i clienti più importanti dell’alta moda. Alaïa divenne l’architetto dei corpi, svelandoli e rivelandoli, mentre Lindbergh diede loro risalto illuminandone l’anima e la personalità. A poco a poco, divennero i creativi di riferimento nelle rispettive discipline. Entrambi rifiutavano qualsiasi artificio distogliesse l’attenzione dal vero soggetto e fu naturale per loro trovarsi a collaborare con risultati davvero potenti.

Che si tratti di un'avventura culinaria nella vibrante Città del Messico, di un viaggio storico e meditativo in treno attraverso la Siberia o di un viaggio in solitaria a Parigi, prepara la tua wish list con le scoperte di Explorer, una raccolta di 100 viaggi da sogno curata dagli illustri scrittori e fotografi di viaggio del New York Times. Gli autori offrono una guida, dal punto di vista personale a quello pratico, con fotografie vivaci che catturano lo stupore di ogni luogo.

Nel novembre del 2020, i Depeche Mode sono stati ammessi alla Rock & Roll Hall of Fame. Al momento di ricevere l’onorificenza, Dave Gahan ha dichiarato: “Vorrei ringraziare Anton Corbijn, che grazie a Dio è arrivato al momento giusto ed è riuscito a renderci cool”. Questa edizione XXL contiene oltre 500 fotografie tratte dai vasti archivi di Corbijn, alcune delle quali mai pubblicate, tra cui ritratti spontanei ambientati in luoghi come Madrid, Amburgo, il deserto della California, Praga e Marrakech (alcuni dei quali scattati durante la realizzazione di video iconici come quelli di “Enjoy the Silence” e “Personal Jesus”), una marea di immagini estemporanee e straordinari scatti dal vivo di tutti i tour della band a partire dal 1988. Completano l’opera schizzi e progetti per allestimenti scenici e copertine degli album, didascalie scritte a mano da Corbijn che collocano il lettore nel bel mezzo dello scatto e una lunga intervista con il maestro olandese.

Icona della New York anni Ottanta, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) cominciò a farsi conoscere come writer con lo pseudonimo di “SAMO”, prima di allestire il suo studio e assurgere rapidamente alla notorietà all'età di vent'anni. Anche se la sua carriera durò appena un decennio, resta una figura di culto nel campo dell'arte improntata alla critica sociale e un pioniere della mediazione tra graffitismo e arte da galleria. Le opere di Basquiat attingono a diverse fonti e mezzi espressivi per creare un lessico artistico originale e incisivo, formulando una critica pungente alle strutture del potere e del razzismo. La sua produzione fonde astrattismo e figurativismo, poesia e pittura, mentre le sue influenze comprendono l'arte greca, romana e africana, la poesia francese, la musica jazz e i lavori di artisti contemporanei come Andy Warhol e Cy Twombly. I risultati sono commistioni vivide e viscerali di parole, emblemi africani, figure da cartone animato, chiazze di colori accesi e molto altro. Questo volume presenta la breve ma prolifica carriera di Basquiat, il suo stile unico e il suo profondo coinvolgimento nelle questioni sempre attuali di integrazione e segregazione, povertà e ricchezza.

Dai Beatles a Beck, da Sinatra a Sam Smith, una sfilata di artisti che hanno segnato la propria epoca è passata dalle porte della Capitol Records Tower, uno degli edifici più riconoscibili di Hollywood e sede di una delle case discografiche più prestigiose al mondo negli ultimi 75 anni. Per celebrare il suo ruolo di primo piano nella storia della musica, Taschen presenta questa cronaca ufficiale della Capitol Records, dalla sua fondazione nel 1942 a oggi. Grazie a un’introduzione di Beck e a saggi firmati da storici della cultura e critici musicali e architettonici, oltre che a centinaia di fotografie provenienti dai vasti archivi della Capitol, seguiamo l’evoluzione della casa discografica e la produzione di alcuni dei migliori album del XX e XXI secolo. Attraversando pop, rock, country, musica classica, soul e jazz, questa storia fotografica e musicale riunisce le star più famose, amate e di maggior successo dell’etichetta, così come le meteore che hanno vissuto brevissimi momenti di gloria. Lungo il percorso, incontriamo personaggi come Miles Davis, Nat King Cole, The Kingston Trio e Frank Sinatra nei primi vent’anni di vita della Capitol; i Beach Boys, The Band e i Beatles negli anni ’60; grandi nomi del rock internazionale come Pink Floyd, Wings, Steve Miller Band, Bob Seger e Linda Ronstadt negli anni ’70, e star contemporanee come Coldplay, Katy Perry e Sam Smith. Imprescindibile per gli appassionati di musica, Capitol Records è una vivace celebrazione di un gigante dell’industria discografica, artefice della colonna sonora di generazioni passate, presenti e future.

Nelle sue vivacissime opere, la pittrice brasiliana Beatriz Milhazes unisce due visioni del mondo molto diverse. Le sue composizioni astratte, che si inseriscono perfettamente in un panorama artistico modernista che va da Henri Matisse a Bridget Riley, sono impreziosite dai colori e dalla luce del suo paese natale. I suoi dipinti sono ricchi di elementi che simboleggiano la vita quotidiana in Brasile, evocando il carnevale, l’artigianato tradizionale e motivi che spaziano dal barocco al pop, orchestrati tra loro in un esuberante ritmo visivo. Questa atmosfera variopinta emana un irresistibile fascino esotico ma, come nelle opere di Paul Gauguin, ci troviamo davanti a un paradiso spezzato in cui riecheggiano toni più cupi e malinconici, sia nelle promesse della vita tropicale sia in quelle dell’astrazione modernista. Ricercando questo equilibrio, alla fine degli anni Ottanta Milhazes ha sviluppato una speciale tecnica di stampa, che consiste nel dipingere i motivi su fogli di plastica che poi incolla alla tela, lasciandoli ad asciugare; dopodiché, la plastica viene staccata in modo che la pittura rimanga sulla tela. Questo metodo consente all’artista di sovrapporre vari strati, ottenendo un’iridescenza che conferisce alle sue opere un’aura luminosa ma anche un certo luccichio malinconico. Dal suo esordio nei primi anni Novanta, Milhazes ha esteso la sua attività ad altri media, producendo serigrafie, collage fatti di cioccolato e carte di caramelle, sculture come giganteschi mobili costruiti con decorazioni di carnevale, progetti site-specific che trasformano facciate di edifici in vetrate colorate, ed esperimenti con il corpo e il ritmo in collaborazione con il corpo di ballo di sua sorella Marcia. Questa edizione aggiornata, ampliata per includere le opere realizzate fino al 2020, esplora tutte le fasi creative dell’artista, dagli inizi a oggi, con oltre 280 lavori. Il libro è stato creato in stretta collaborazione con l’artista, sia per la selezione delle immagini sia per la creazione di pagine speciali tra i capitoli. È compresa anche una conversazione con il curatore Hans Werner Holzwarth in cui l’artista svela i suoi metodi di lavoro e illustra le idee e il background culturale alla base delle sue opere. Un saggio sulla storia dell’arte di David Ebony, un dizionario poetico dei temi principali della produzione di Milhazes di Adriano Pedrosa e una biografia aggiornata e dettagliata dell’artista di Luiza Interlenghi arricchiscono questa accurata monografia.

Permettendo di condurre ricerche su tutto ciò che spazia dai buchi neri ai pianeti extrasolari, il telescopio Hubble non ha solamente rivoluzionato il mondo dell’astronomia, ma ha completamente cambiato il modo in cui percepiamo la nostra stessa presenza all’interno dell’universo. In occasione del 30° anniversario del suo lancio in orbita, questa edizione aggiornata di "Expanding Universe" presenta 30 immagini nuove di zecca, che rivelano altri tesori nascosti direttamente dagli archivi di Hubble. L’orbita di Hubble al di fuori dell’atmosfera terrestre gli permette di scattare fotografie ad altissima risoluzione e praticamente senza alcuna fonte luminosa sullo sfondo. I risultati delle sue acute osservazioni hanno permesso di rispondere ad alcune delle più intriganti domande relative al tempo e allo spazio, svelando al tempo stesso nuovi misteri, come la strana “energia oscura” che fa sì che l’universo si espanda a un ritmo in continua accelerazione. Un saggio a cura del critico fotografico Owen Edwards illustra le immagini da una prospettiva fotografica, mentre un’intervista con Zoltan Levay ne analizza la composizione. Gli astronauti veterani di Hubble, nonché membri illustri della comunità spaziale, Charles F. Bolden, Jr. e John Mace Grunsfeld offrono inoltre una visione dall’interno sull’eredità di Hubble e il futuro dell’esplorazione spaziale.

Dalle adrenaliniche 24 Ore di Le Mans al leggendario Goodwood Festival of Speed, dal prestigioso Concorso d’Eleganza Villa d’Este sul Lago di Como all’esclusiva Monterey Car Week, gli appuntamenti e il mercato del collezionismo d’auto sono andati crescendo esponenzialmente. Ogni anno migliaia di appassionati affluiscono a incontri del settore, raduni, aste e concorsi d’eleganza in tutto il mondo, e i prezzi dei motori più rari sono saliti sempre più di giri, al punto che il valore delle 100 auto presentate in questo libro supera il miliardo di dollari. Questo libro è un’antologia automobilistica, rivolta sia ai collezionisti più esperti, sia agli amatori sbalorditi. Un vero gioiello per gli intenditori, che passa in rassegna 100 delle più magnifiche, eccellenti e bramate auto di tutti i tempi per raccontare un’avvincente storia di design automobilistico e sforzo ingegneristico, caratterizzata dalla costante ricerca di prestazioni sempre migliori sia sulla pista che fuori, dalla prima vincitrice della 500 Miglia di Indianapolis, la Marmon Wasp del 1910, alla futuristica Aston Martin Valkyrie del 2020. Anni luce avanti rispetto a qualsiasi catalogo generico, questo splendido volume trasuda eleganza e autorevolezza, selezionando il meglio del meglio e omaggiando ogni modello attraverso le sontuose riproduzioni fotografiche che merita, tra scatti straordinari dei fotografi d’auto leader del settore e rari tesori d’archivio, dalle foto di fabbrica originali ai poster di celebri eventi motoristici. La presentazione di ciascuna delle auto include descrizioni a cura di esperti e specifiche complete di tutti i dettagli: marca, modello, anno, cilindrata, trasmissione e il fondamentale numero di produzione. I rinomati luminari di design Peter e Charlotte Fiell attingono con entusiasmo alla loro sconfinata esperienza e conoscenza dall’interno di aste, musei e collezioni d’auto in giro per il mondo per creare una selezione della crème de la crème delle automobili di stupefacente bellezza e portata internazionale. L’antologia abbraccia inoltre l’intera storia dell’automobile, includendo modelli rari come una Stutz Bearcat Modello A del 1912, ma anche perle meno note quali una straordinaria Talbot-Lago T150-C SS “Goutte d’Eau” Coupé del 1937 di Figoni et Falaschi. Questo compendio superlativo si apre con una prefazione di Rob Myers, fondatore di RM Sotheby’s, e un’introduzione a cura degli autori che offre una prospettiva unica su tutti i retroscena del collezionismo d’auto ad alti livelli. Il filo principale del discorso è inframmezzato da interviste approfondite con Frederick Simeone, fondatore del premiato Museo automobilistico della Fondazione Simeone; il Duca di Richmond e Gordon, creatore dei celeberrimi Goodwood Festival of Speed e Goodwood Revival; Sandra Button, presidente del Concorso d’Eleganza di Pebble Beach; John Collins, commerciante leader di Ferrari storiche e Shelby Myers, responsabile generale delle vendite private di RM Sotheby’s, che offrono una prospettiva da addetti ai lavori sul mondo del collezionismo d’auto.

Un po’ storia del design, un po’ passeggiata nostalgica lungo i viali della memoria musicale, questa antologia di copertine di album jazz è soprattutto una miniera di esplorazione creativa e culturale. L’opera copre un arco di cinquant’anni e riunisce le più audaci e dinamiche copertine di vinili che hanno contribuito a forgiare non solo un genere musicale, ma un particolare approccio alla vita. Questa ampia selezione include copertine realizzate dal 1940 fino al declino della produzione di LP nei primi anni ’90. Ciascuna di queste opere contribuisce all’energia trasmessa dall’album con un proprio ritmo visivo fatto di cornici, linee, testi e forme. Per soddisfare anche gli appassionati di musica più esigenti, ogni copertina è accompagnata da una scheda informativa che include musicista, nome dell’album, art director, fotografo, illustratore, anno di pubblicazione, etichetta e altre notizie interessanti.