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Viaggiare in Italia significa avvicinarsi quanto più possibile al paradiso. Per secoli scrittori, artisti, architetti e mercanti sono stati attirati dal nostro Paese, ispirati dalla bellezza di Venezia, Firenze, Napoli e Roma, e una quantità impressionante di libri, dipinti, poesie e sculture rende testimonianza del suo fascino intramontabile. Negli ultimi 60 anni l’Italia è diventata una delle principali mete di viaggio e di vacanza per turisti provenienti da tutto il mondo. La sua bellezza, se non eterna, è certamente durevole, e lo stile di vita rilassato e tranquillo che la caratterizza è ancora insuperato. Questo libro porta alla luce i più affascinanti paesaggi italiani toccando varie regioni del Paese, dalla Toscana all’Umbria, dalla Costiera amalfitana alle altrettanto magiche isole Eolie al largo delle coste siciliane. In questi luoghi mitici sorgono leggendari hotel ricchi di atmosfera, dove vengono ambientati romanzi, girati film, celebrati matrimoni e si vivono famose storie d’amore: Villa d’Este sul Lago di Como, Il Pellicano a Porto Ercole, Il San Pietro sulla Costiera amalfitana e Palazzo Margherita in Basilicata, solo per citarne alcuni. Pagina dopo pagina, Angelika Taschen ci guida inoltre alla scoperta di altri gioielli nascosti—dalla Locanda Cipriani sull’isola di Torcello, che farà la gioia di tutti i buongustai, al romantico Castello di Vicarello in Toscana, alla suggestiva Masseria Moroseta in Puglia.

Il Monte Fuji è storicamente uno dei simboli principali dell'immaginario culturale giapponese, e nessun'opera d'arte lo ha immortalato con maggiore virtuosismo della fondamentale serie di xilografie Trentasei vedute del Monte Fujidi Katsushika Hokusai (1760–1849). Il famoso incisore ritrae il Giappone del XIX secolo con grande maestria e devozione, celebrandone la campagna, le città, gli abitanti e la serafica bellezza della natura. Realizzata all'apice della carriera artistica di Hokusai, questa serie è un vero capolavoro dell'ukiyo-e che è valso all'incisore il riconoscimento a livello mondiale come uno dei più grandi maestri della sua arte. Le stampe rivelano l'ossessione di Hokusai per il Monte Fuji, nonché il fiorente turismo interno del tardo periodo Edo. Panorama caro ai viaggiatori diretti verso la capitale Edo (l'odierna Tokyo) lungo la strada del Tōkaidō, il Monte Fuji fa immancabilmente da sfondo a ciascuna delle scene uniche di questa serie. Hokusai ritrae il paesaggio tipico e il fascino provinciale di ogni località con una gamma di colori vivace e una squisita cura del dettaglio. La celeberrima serie, che include l'iconica opera Sotto la grande onda al largo di Kanagawa (nota anche come La grande onda) è un vero tesoro della storia dell'arte internazionale. Questa edizione in formato XXL è una delle poche ristampe complete della serie e rende omaggio alle composizioni e ai colori straordinari di Hokusai con una cura e uno splendore senza precedenti. Rilegato secondo la tradizione giapponese con carta non rifilata, Trentasei vedute del Monte Fuji contiene le 36 tavole originali più le altre 10 aggiunte dall'artista in un secondo momento.

Un pratico catalogo di cento tra gli illustratori i più celebri e affermati al mondo. Questa panoramica di artisti internazionali, tra cui Istvan Banyai, Gary Baseman, Seymour Chwast, Paul Davis, Brad Holland, Mirko Ilić, Anita Kunz, e Christoph Niemann, documenta tutto il dinamismo e la ricchezza della scena attuale dell’illustrazione. Ogni artista è introdotto da un autoritratto, alcuni lavori del suo portfolio e una breve descrizione a cura di Steven Heller, con una lista supplementare di mostre e pubblicazioni scelte. Nell’introduzione, Steven Heller descrive il dinamico mondo dell’illustrazione contemporanea e tutte le sfide che ha incontrato nel processo di selezione in un genere così competitivo e mutevole.

L'abito fa il monaco. L'abbigliamento di una persona, che si tratti di un sari, un kimono o un completo da ufficio, è un fattore importante per comprenderne la cultura, il ceto sociale, la personalità e perfino il credo religioso. Fondato nel 1978, il Kyoto Costume Institute riconosce l'importanza della moda dal punto di vista sociologico, storico e artistico. In possesso di una delle maggiori collezioni di capi di abbigliamento al mondo, il KCI ha accumulato un'ampia gamma di abiti storici, intimo, calzature e accessori di moda dal XVIII secolo a oggi. Attingendo all'ampia collezione dell'Istituto, Storia della moda dal XVIII al XX secolo farà compiere al lettore un viaggio affascinante attraverso gli ultimi tre secoli di tendenze in fatto di abbigliamento. Grazie alle fotografie degli abiti disposti da mani sapienti su manichini realizzati su misura, quest'opera ci mostra l'abbigliamento come “manifestazione essenziale del nostro essere autentico” e la passione dell'Istituto per la moda come una forma d'arte intricata e complessa. Tra le autrici del libro vi sono alcune delle menti più brillanti e degli sguardi più acuti nel campo delle scienze della moda: Akiko Fukai (direttrice e curatrice emerita del Kyoto Costume Institute), Tamami Suoh (curatrice del Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (docente di Storia della moda presso la Bunka Gakuen University di Tokyo), Reiko Koga (ex docente di Storia della moda presso la Bunka Gakuen University di Tokyo) e Rie Nii (curatrice del Kyoto Costume Institute).

La storia è complessa. La fortuna va e viene, gli imperi sorgono e tramontano, e il cambiamento –di natura sociale, politica o tecnologica – porta con sé vincitori, perdenti, sostenitori e nemici. Nel turbinio che ha segnato lo scorrere del tempo, il graphic design – in una sintesi vivace e ben definita che racchiude immagine e concetto – ha incarnato lo spirito di ogni epoca. Questo volume riassume in modo esaustivo e completo la storia del graphic design, a partire dal XIX secolo, fino agli anni immediatamente successivi alla Seconda guerra mondiale. Pagina dopo pagina, scoprirete l’evoluzione di questa forma di espressione creativa, dai primi design dei manifesti, fino ai successivi sviluppi che hanno interessato il mondo pubblicitario, le identità aziendali, il packaging e l’editoria. Procedendo in ordine cronologico, il libro raccoglie oltre 2000 design emblematici, provenienti da tutto il mondo, con 72 approfondimenti dettagliati che accompagnano i profili di 57 leader del settore, tra cui Alphonse Mucha (pubblicità del cioccolato), Edward Johnston (London Underground logo e font), El Lissitzky (grafica costruttivista), Herbert Matter (fotomontaggi per manifesti di viaggio dedicati alla Svizzera), Saul Bass (animazioni per titoli di testa), e A. M. Cassandre (manifesti art deco). Mettendo in campo la sua vasta conoscenza settoriale, l’autore Jens Müller presenta i design più significativi suddivisi per anno insieme ai progetti grafici che hanno fatto la storia. Al contempo, nel suo saggio introduttivo David Jury contestualizza il graphic design a partire dalle sue origini, individuate nelle stampe, le incisioni e le litografie del XIX secolo. Analizzando le locandine teatrali e le pubblicità destinate al mezzo stampa appartenenti a questo periodo è già possibile apprezzare differenze stilistiche sostanziali. Grazie al breve paragrafo che introduce al lettore ogni decennio e alla linea del tempo dalla grafica spettacolare che ne illustra la vasta produzione, il volume offre una visuale chiara e immediata sul panorama mondiale. Con il XX secolo ormai alle spalle, questa incredibile collezione delinea la nascita degli elementi che hanno in seguito influenzato alcuni tra i settori creativi più dinamici al mondo, rendendo omaggio all’enorme contributo che il graphic design ha apportato all’economia, la politica, le cause sociali, le arti, i media, e il nostro modo di vedere il mondo.

Nel corso degli anni, il graphic design – con la sua vivida e nitida sintesi di immagini e idee – ha catturato lo spirito di ogni epoca. Ogni minuto di ogni giorno siamo circondati da packaging minimalisti e colorate pubblicità, brillanti grafiche ambientali e agili interfacce. Il graphic design serve a trasmettere informazioni, ma al tempo stesso riflette le aspirazioni culturali e i valori di una società. Questo secondo volume completa la più esauriente indagine sul graphic design mai pubblicata, abbracciando gli anni dal 1960 a oggi. Circa 2500 design iconici provenienti da tutto il mondo compongono questa storia della cultura visiva contemporanea, dal trionfo dello stile tipografico internazionale all'avvento della rivoluzione digitale. Circa 130 progetti chiave analizzati al microscopio insieme a 120 biografie dei più importanti designer dell'epoca, tra cui Massimo Vignelli (ideatore della segnaletica della metropolitana di New York), Otl Aicher (creatore dell'identità del marchio Lufthansa), Yusaku Kamekura (autore di una campagna di manifesti per Nikon), Paula Scher (creatore dell'identità del brand Citibank), Neville Brody (responsabile grafico della rivista The Face) e Stefan Sagmeister (autore di poster scritti a mano). Grazie alla sua profonda conoscenza della materia, l'autore Jens Müller passa in rassegna i progetti più straordinari di ogni anno, che rappresentano altrettante pietre miliari nella storia del design. Seguendo un criterio cronologico, l'autore fornisce una breve presentazione di ogni decennio, completandola con magnifiche linee del tempo, e offrendo una visione d'insieme della varietà della produzione grafica e del panorama mondiale che quest'ultima ha descritto e, al tempo stesso, determinato. Questa raccolta di importanti lavori grafici rappresenta una riflessione ormai imprescindibile sull'evoluzione di un campo creativo aperto a continui cambiamenti e sfide. Questi progetti fondamentali fungono da coordinate all'interno della storia contemporanea, aiutandoci a riconoscere l'impatto decisivo del graphic design sulla nostra vita quotidiana.

Al volgere del XX secolo, il fotografo americano Edward Sheriff Curtis (1868–1952) si imbarcò in un progetto monumentale, uno studio dei Nativi dell’America del Nord che lo avrebbe impegnato per i successivi trent’anni. Con un approccio ambizioso dal punto di vista tanto artistico quanto scientifico, registrò con parole e immagini i resti di uno stile di vita tradizionale che stava già iniziando a scomparire. Con instancabile dedizione, Curtis visitò personalmente 80 tribù dal confine con il Messico allo stretto di Bering, conquistando la fiducia della popolazione con pazienza e sensibilità. L’opera fu stampata in 20 volumi tra il 1907 e il 1930 con il titolo The North American Indian, ma data la tiratura limitata a soli 272 esemplari, gli originali divennero presto estremamente rari. Questo libro raccoglie l’intero portfolio di Curtis sui Nativi americani in un unico volume, rendendo nuovamente accessibile il suo straordinario lavoro, che rappresenta tanto un prezioso documento storico, quanto un trionfo dell’arte fotografica.

L’abito fa il monaco. L’abbigliamento di una persona, che si tratti di un sari, di un kimono o di un completo da ufficio, è un fattore importante per comprenderne la cultura, la classe sociale, la personalità e perfino il credo religioso. Fondato nel 1978, il Kyoto Costume Institute riconosce l’importanza della moda dal punto di vista sociologico, storico e artistico. In possesso di una delle collezioni più grandi del mondo, il KCI ha accumulato un’ampia gamma di abiti storici, biancheria intima, calzature e accessori di moda che spaziano dal XVIII secolo al giorno d’oggi. Attingendo all’ampia collezione dell’Istituto, Fashion History guida i lettori in un viaggio affascinante attraverso gli ultimi tre secoli di tendenze in fatto di abbigliamento. Grazie alle impeccabili fotografie degli abiti disposti da mani sapienti su manichini realizzati su misura, quest’opera ci mostra l’abbigliamento come “manifestazione essenziale del nostro essere autentico” e la passione per la moda dell’Istituto come una forma d’arte intricata e complessa.

Nel 2016, Nike e lo stilista Virgil Abloh hanno unito le forze per creare una collezione di sneakers che celebrasse dieci dei modelli di scarpe più iconici prodotti dall’azienda di abbigliamento sportivo dell’Oregon. Questo progetto, battezzato “The Ten”, rivisita modelli celeberrimi come Air Jordan 1, Air Max 90, Air Force 1 e Zoom Vaporfly, tra gli altri, donando nuova linfa vitale alla cultura delle sneakers. I nuovi design di Virgil Abloh sono magistrali esempi di ingegnosità e sprizzano classe da tutti i pori. Attingendo alla genialità delle scarpe originali e sfruttando lettering, etichette ironiche, collage e tecniche scultoree, Abloh gioca con diversi linguaggi ed elementi plastici per costruire un nuovo significato. Ispirandosi allo spirito del dadaismo, alla teoria dell’architettura e alle performance d’avanguardia, il designer analizza l’iconicità di ciascun modello e la decostruisce tramite un assemblaggio artistico, trasformando ogni scarpa in un’opera di design industriale, una vera e propria scultura pronta da indossare. Icons ripercorre il processo creativo e di ricerca di Abloh attraverso documenti relativi ai prototipi, scambi di messaggi tra Abloh e i designer di Nike, e tesori rinvenuti negli archivi Nike. L’inconfondibile logo Swoosh viene staccato dalle Air Jordan per poi essere riapplicato usando del filo o del nastro adesivo, delle All Stars vengono tagliate a pezzi e sulle Air Force 1 appaiono le citazioni tra virgolette tipiche di Abloh. Attraverso uno sguardo dietro le quinte, il libro presenta ai lettori l’approccio fai-da-te di Abloh, capace di conferire un tocco unico a ogni modello della collezione Off-WhiteTM c/o Nike. Questo volume documenta l’approccio cooperativo di Abloh e ribadisce il potere della stampa. Per la sua progettazione, Nike e Abloh hanno collaborato con l’acclamato studio di design londinese Zak Group. Insieme hanno concepito un compendo in due parti, a metà strada tra catalogo e risorsa concettuale. La prima parte del libro esplora la cultura visiva delle sneakers, mentre la seconda definisce protagonisti, luoghi, oggetti, idee, materiali e ambienti che hanno permesso al progetto di svilupparsi. I testi del responsabile Nike Nicholas Schonberger, dello scrittore Troy Patterson, dello storico e curatore Glenn Adamson e dello stesso Virgil Abloh inquadrano questa collaborazione al confine tra moda e storia del design. Un’introduzione di Hiroshi Fujiwara colloca il progetto all’interno della storia delle collaborazioni di Nike.

In 14 anni di attività tra due guerre mondiali, la scuola tedesca di arte e design Bauhaus ha cambiato il volto della modernità. Con le sue idee utopiche per il futuro, l’istituto ha concepito un approccio integrato tra belle arti, artigianato e tecnologia, per poi applicarlo ed estenderlo a diversi media e ambiti, dal cinema al teatro, dalla scultura alla ceramica. Questo volume è realizzato in collaborazione con il Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung di Berlino, la più grande collezione al mondo sulla storia della Bauhaus. Con circa 550 immagini, tra cui piani architettonici, studi, fotografie, schizzi e modelli, il libro documenta non solo i progetti e le opere realizzate, ma anche le idee e le personalità più importanti di questa comunità creativa e idealista che operò in tre sedi successive: Weimar, Dessau e Berlino. Dagli scatti informali di ginnastica di gruppo ai disegni guidati da Paul Klee, dagli imponenti progetti architettonici a un elegantissimo posacenere di Marianne Brandt, la collezione è ricca di colori, materiali e geometrie che hanno contribuito a forgiare la visione di opera d’arte “totale” tipica della Bauhaus. In occasione del centenario della Bauhaus, Taschen propone un omaggio alla potenza e al rigore di una scuola che si è posta non solo come movimento pionieristico del Modernismo ma anche come paradigma di un’educazione artistica in cui espressione creativa e idee avanguardistiche contribuiscono alla realizzazione di opere al tempo stesso belle e funzionali. La rassegna include artisti come Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe, Lilly Reich e molti altri.

Ai tempi d’oro, il circo americano era uno degli spettacoli più imponenti mai visti. Fra il 1800 e metà del Novecento, i circhi itineranti erano capaci di riunire fino a 14.000 spettatori a show, impiegavano circa 1600 persone tra uomini e donne e percorrevano anche 20.000 miglia a stagione viaggiando in lungo e in largo sul vasto territorio americano. Lo spettacolo degli acrobati e dei domatori che mettevano in pericolo la loro vita, ma anche dei bizzarri pagliacci e dei giocolieri, ha sempre catturato l’immaginazione del popolo americano, quasi oscurando teatri, commedie e altre esibizioni itineranti. Questo libro riporta in vita le glorie e le fatiche del fenomeno circo attraverso alcune delle prime testimonianze fotografiche di esibizioni circensi, nonché locandine, litografie, striscioni e incisioni originali realizzate tra il XVI e il XIX secolo, che documentano le radici internazionali del circo. Lasciatevi trasportare in un mondo di emozioni forti e abilità straordinarie, coraggio e fascino. Le immagini includono scatti iconici di Mathew Brady e Cornell Capa, nonché fotografie poco note di Stanley Kubrick e Charles e Ray Eames.

Un tour completo sulla vita e le opere del capofila del design italiano. Scoprite la visione caleidoscopica di uno dei maggiori architetti, designer e art director del XX secolo. Questa indagine sulla vita e le opere di Gio Ponti ha una portata senza precedenti, e presenta fotografie e disegni inediti riprodotti ad alta risoluzione in formato XXL. Realizzato in stretta collaborazione con l’Archivio Gio Ponti, questo volume è un affascinante viaggio in un universo unico e coloratissimo.