Magonza: ARTE

"Ecocosmico" è il racconto di una fitta trama di memorie, azioni e visioni che si intrecciano nel cuore del quartiere pesarese di Villa San Martino. Attraverso il dialogo tra l’installazione scultorea di Nevio Mengacci e il lavoro fotografico e video di Michele Alberto Sereni, il volume dà forma a un ecosistema poetico dove la materia, la luce e la memoria collettiva si fondono in una costellazione di simboli. Il progetto, curato da Milena Becci nell’ambito di “Pesaro 2024 - capitale italiana della cultura”, si sviluppa come un viaggio nell’invisibile: dalla piantumazione dei kaki sopravvissuti a Nagasaki alla raccolta dei racconti degli abitanti, fino alla creazione di un’opera che custodisce le vibrazioni del tempo e della comunità. Il vaso interrato di Mengacci, anello di ferro che delimita uno spazio sacro, e le immagini luminose di sereni, intime e sospese, tracciano una mappa emozionale che invita alla cura, all’ascolto, alla contemplazione. "Ecocosmico" non si limita a documentare un intervento urbano: si fa portatore di un pensiero ecologico e visionario, dove ogni gesto, ogni sguardo, ogni frammento di racconto contribuisce a comporre un universo vivo, in continuo divenire. Un libro che è insieme archivio e manifesto, memoria del passato e promessa di futuro.

Omnia alia sunt è un’opera che attraversa le soglie dell’apparenza per interrogare il reale. A partire da un gesto semplice ma radicale – modellare un fazzoletto di carta e fissarne la forma in uno scatto fotografico – Fabio Bix mette in discussione il concetto stesso di scultura, svincolandolo dal peso della materia e ancorandolo al campo sensibile dell’intuizione. Ma ciò che è minato alla base è il concetto stesso di verità e di (percezione della) realtà. Il volume raccoglie le tappe di un itinerario artistico che si dispiega tra le principali città del – "nostro" – mondo, dando vita a una topografia alternativa, in cui il fragile si fa icona e l’effimero assume densità simbolica. Le immagini prodotte non sono documenti, ma apparizioni: trasfigurazioni urbane che aprono a una percezione altra del quotidiano. Accompagnato dagli interventi di Maria Vittoria Baravelli, Massimo Minini e dello stesso Fabio Bix, il progetto si sviluppa come una riflessione plurivocale sulla possibilità di generare senso attraverso l’invisibile, il precario, il marginale. In questo orizzonte, la fotografia diviene non solo "medium", ma dispositivo critico: non cattura ciò che è, bensì rende visibile ciò che potrebbe essere. O, specularmente, mette in crisi ciò che crediamo essere la realtà. Come? tramite "la verità della finzione", appunto. L’arte, qui, non si pone come affermazione, ma come domanda. e ogni opera come soglia tra una realtà data e una realtà da immaginare.

"Restituzione. Dialogo su resti, eredità e gratitudini" è un libro intessuto come un tappeto: trama e ordito si rincorrono in un dialogo profondo tra Maria Letizia Proietti e Silvia Manca, esplorando l’insospettabile e radicale funzione e valore di resti, scarti, rovine, e della loro ricaduta sulla vita conscia e inconscia, soprattutto così come si lega ai temi del dono, dell’eredità, della gratitudine e della memoria, attraverso una scrittura insieme analitica e poetica. Sullo sfondo di un confronto affettuoso tra maestra e allieva, "Restituzione" si fa, così, meditazione anche sulla possibilità e sull’impossibilità di restituire tutto quello che, volenti o nolenti, consapevolmente o meno, si è ricevuto. Tra filosofia, poesia e mito – e con il concorso di immagini che non illustrano il testo scritto, ma vogliono solo meglio favorire la circolazione dei significanti interdetti –, il libro si dispiega come un mosaico di riflessioni che, necessariamente, sfuggono a ogni sistemazione definitiva, evocando il fragile ma perenne tessersi dell’umana complessità. In una società che consuma velocemente i suoi legami, "Restituzione" è un invito raro a considerare il valore essenziale e imprescindibile di ciò che resta di visto, invisto e invisibile e che non smette di vivere nel movimento inestinguibile dell’ereditare, dell’esserne o meno grati, e del celebrarlo.

Vidas Paralelas è un progetto editoriale di straordinaria intensità, nato dalla corrispondenza diaristica tra il poeta José Kozer (L'Avana, 1940) e l'artista Abel Herrero (L'Avana, 1971), entrambi accomunati dalle origini e dal percorso personale che li ha visti più volte esuli da territori e culture. È solito scorgere, nella prassi pittorica di Herrero, l'interesse per le contaminazioni del proprio lavoro con altre discipline che nel tempo hanno dato vita a collaborazioni con pensatori e poeti. In questa occasione, i paesaggi "saturazioni" dialogano con i componimenti scomodi, intensi di José Kozer, in un percorso essenziale e luminoso tra immagine e scrittura. Emerge, nell'insieme del libro, con tono talvolta giocoso e talvolta rigoroso, la loro riflessione sul senso della perdita. Con l'ironia che li unisce, e attraverso la forza delle loro opere, si elevano le comuni visioni e affinità su argomenti quali le origini, il destino, la storia.

L'astrazione non è solo il superamento della figurazione, ma un ripensamento radicale del rapporto tra artista, superficie e mondo. "Afro Burri Capogrossi. Alfabeto senza parole" indaga il momento in cui la rappresentazione del reale si trasforma, nei tre artisti, in una rivoluzione visiva: Burri sperimenta materiali non convenzionali – sacchi di juta, plastiche, legni bruciati, ferri –; Afro crea un raffinato equilibrio tra colore e dinamismo gestuale; Capogrossi elabora segni modulari capaci di generare un nuovo alfabeto visivo. Attraverso un percorso che si estende dagli anni Trenta agli anni Sessanta, il volume raccoglie saggi critici, documenti inediti e la documentazione fotografica della mostra ospitata presso Palazzo della Penna a Perugia (17 aprile - 6 luglio 2025). Un approfondimento sui rapporti tra gli artisti e la letteratura, insieme a una selezione di opere su carta, offre uno sguardo privilegiato sugli studi e le variazioni che hanno anticipato le loro innovazioni pittoriche.

Situato in corrispondenza del sito archeologico della Basilica Ulpia, di fronte la colonna traiana e i grandiosi fori imperiali, Forof rappresenta un innovativo punto di sperimentazione e incontro tra arte antica e contemporanea. Fondato nel 2022 da Giovanna Caruso Fendi, il centro culturale invita artisti di fama internazionale a dialogare con il passato millenario che abita i suoi spazi. La mostra "Nimbus Limbus Omnibus" (1 ottobre 2024 – 30 giugno 2025) curata da Bartolomeo Pietromarchi vede la partecipazione di Gelitin/Gelatin, collettivo viennese che dal 1993 lavora nell'ambito dell'arte relazionale attraverso opere ironiche e provocatorie che inducono a interrogarsi sul concetto stesso di opera d'arte. Il catalogo, in edizione bilingue (italiano / inglese), è il primo che racconta gli ambienti di Forof, un tempo sfondo dell'antico rito della "Manumissio" che sanciva la liberazione degli schiavi romani. Sulla scia di questa liberazione, il volume curato da Alessandro Sarteanesi e Bartolomeo Pietromarchi è stato concepito come vera e propria sperimentazione tipografica, fedele all'intento degli artisti di uscire dai limiti convenzionali entro cui siamo spesso confinati.

Una collezione, quella dell'antiquario Ivan Bruschi, che costituisce un "unicum" e che include reperti archeologici, dipinti, sculture, monete, armi, opere d'arte applicata. Il catalogo illustra, attraverso una recente documentazione fotografica e aggiornate schede di approfondimento, il nuovo allestimento dell'istituzione e una selezione di pezzi magistrali della raccolta che ha sede ad Arezzo e alla quale si sono aggiunte importanti opere delle collezioni Intesa Sanpaolo, disegnando un percorso interdisciplinare eterogeneo quanto prezioso. Il volume racchiude l'identità stessa della Casa Museo dell'Antiquariato Ivan Bruschi, accompagnando il visitatore in un'esperienza carica di storia e reminiscenze del passato europeo ed extraeuropeo.

Il volume documenta le prime due edizioni di "suoni delle terre mutate", ideato e curato dall'artista Ambra Lorito nei territori marchigiani più duramente colpiti dal disastro sismico del 2016. Ospitato in due località del comune di Castelraimondo (nel 2022 nel Borgo Di Castel Santa Maria e nel 2023 a Crispiero), il progetto ha visto il coinvolgimento di venticinque artisti, invitati a partecipare con le proprie opere, sculture, installazioni site-specific, video, dipinti, performance, valorizzando il territorio e stabilendo nuove connessioni con l'ambiente naturale. Attraverso la partecipazione attiva della cittadinanza, inoltre, il festival ha creato momenti di condivisione con l'intento di «riscoprire l'antica arte di vivere insieme». Il libro è costruito da un racconto fotografico delle opere, degli eventi e delle attività aperte al pubblico, e contiene un'intervista di Giulia Del Gobbo alla curatrice, focalizzata sugli aspetti più performativi del festival.

È la metafora del desiderio, il paradosso di un'esistenza che tende – continuamente e senza soluzioni – a esaudire o rimuovere impulsi e bisogni, ciò che Arcangelo Sassolino visualizza nella imponente struttura di putrelle che, come un metronomo, fa oscillare due pesanti lastre di marmo di Carnia, nello spazio della scuderia grande di villa e collezione Panza a Varese. Il cigolio metallico e sofferto dei pesanti bracci di ferro in movimento è il lamento di una sopportazione necessaria, seppur dolorosa, che tiene le diverse parti in costante sospensione, come simbolo di una condizione instabile e in perenne assestamento che non appartiene solo all'uomo ma interessa tutto ciò che esiste. Nel catalogo della mostra (24 ottobre 2024 - 23 febbraio 2025) le immagini dell'opera si susseguono ai testi di Gabriella Belli, a un'intervista di Angela Vettese ad Arcangelo Sassolino, e al saggio di Marta Spanevello.

La vitalità dell'ottone, la centralità della luce, il dialogo costante con lo spazio: Studio Gariboldi racconta l'opera di Aiko Miyawaki attraverso una selezione di sculture degli anni Sessanta e Settanta, restituendo al pubblico i sorprendenti esiti di un periodo ricco di sperimentazioni. Dal trasferimento a Milano nel 1960 alle amicizie con Fontana, Manzoni e Castellani, dalle esperienze internazionali fino alla grande mostra al Guggenheim nel 1967, "Sculpture from Twenty Nations", dove tra i settantasette artisti invitati Miyawaki è una delle sole tre donne presenti. In occasione del decimo anniversario dalla sua scomparsa, l'artista giapponese torna con la mostra "Aiko Miyawaki. Sculpture 1965–1975" (15 novembre 2024 - 28 gennaio 2025) in Corso Monforte 23, un tempo sede della casa di Lucio Fontana, ripercorrendo così quegli spazi tanto preziosi per il suo debutto artistico.

Michele Alberto Sereni ritrae, attraverso una sequenza fotografica intensa e poetica, sapiente e calibrata, l'incontro tra il plasticismo rinascimentale della torre martiniana di Cagli e la sua collezione di scultura contemporanea, costituita nel 1977 e che ha trovato in Eliseo Mattiacci e Fabrizio d'Amico i suoi artefici. Come nelle parole di Roberto Lacarbonara «"Il concavo e il convesso" è la misura aurea di questo gesto di osservazione – e di questo omaggio – che sereni dedica al monumento e alla collezione». Un percorso che inizia dall'opera di Paolo Icaro – autore di un testo ad apertura e legato, come altri artisti in questo volume, da un profondo legame di amicizia e stima a Sereni – e che si snoda negli spazi elissoidali con gli interventi di Almagno, Bolognini, Coletta, Gastini, Giuliani, Icaro, Kounellis, Lorenzetti, Mainolfi, Mattiacci, Mattiacci, Nagasawa, Nunzio, Paolini, Porcari, Scarpitta, Termini, Uncini, Zorio: «in ogni anfratto un agguato, è scultura nascosta, è presenza assente, è forte e non si mostra. È resistenza».

Arcangelo Sassolino sfida i limiti, i contorni, le resistenze dei materiali, recuperando – del cemento, della plastica, del vetro e dell'acciaio – la bellezza, l'eleganza, il potenziale e attraente pericolo. Il catalogo della mostra, curata da Luca Massimo Barbero presso la Repetto Gallery di Lugano (20 settembre 2024 - 18 gennaio 2025), racconta un'idea di scultura sganciata da ogni funzione monumentale, fatta di sperimentazioni che superano la tecnica e permettono di riscoprire i suoni dei materiali, il movimento del colore, la poesia, che unisce la condizione della vita, per sua natura precaria, all'arte. Il volume, in edizione bilingue (inglese / italiano), è impreziosito da un inserto a colori e da una copertina di fine confezione, rivestita in mezza tela.