Edizioni ETS: Canone teatrale europeo

Nella prima parte della massima opera di Goethe - qui in una nuova traduzione e con una particolare attenzione alle messinscene europee del testo - Faust, professore universitario, si dà alla magia onde comprendere ciò che tiene insieme il mondo nell'intimo suo essere. L'ardore conoscitivo è molteplice: politico, animico, intellettuale, estetico, scientifico, spirituale, ultramondano. Dopo averlo a lungo invocato, Faust entra per un estatico istante in contatto con lo Spirito della Terra, un aspetto del divino, che di quel mondo crea la veste vivente, e sperimenta il più alto raggiungimento della sua vita. Nulla potrà offrirgli di paragonabile un povero Mefistofele, forza infera, e la scommessa è vinta in partenza.

"Saul" è uno dei lavori più maturi e artisticamente di successo di Alfieri, forse il suo capolavoro. Il volume offre un’analisi della tragedia che dà conto della sua storia testuale, del suo rapporto con fonti e modelli e della profonda qualità teatrale raggiunta dalla scrittura di Alfieri. L’opera è messa in relazione con i principali dibattiti culturali, artistici e politici della fine del XVIII secolo e cerca di gettare qualche nuova luce nella sua interpretazione. Se la finezza del ritratto psicologico dell’unico personaggio biblico che si trova nelle tragedie di Alfieri ha spesso portato a vedere Saul solo come un eccezionale esempio di poesia, l’idea principale del volume è che Saul sia anche strettamente coerente con l’impulso politico di Alfieri e in particolare sia la dimostrazione dell’idea dell’autore dell’inevitabile degenerazione di tutto il potere assoluto, anche di quello che potrebbe sembrare un potere benevolo. "Saul" è qui letto applicando il modello di Girard del desiderio mimetico, così mostrando che il suicidio di Saul non è l’annullamento di un personaggio che incarna una contraddizione insolubile, ma, per una volta nell’opera di Alfieri, è la vittoria del padre, il sacrificio del re che si afferma come padre sul tiranno. Apparato critico in italiano e inglese.

Il volume presenta il testo teatrale più discusso dello scrittore austriaco Arthur Schnitzler (1862-1931), Reigen - Girotondo - La Ronde, approfondendo nel saggio iniziale l'analisi della gestazione dell'opera sulla base del manoscritto che l'autrice ha ritrovato nella Bibliotheca Bodmeriana di Cologny (Ginevra) e pubblicato per la prima volta presso l'editore Fischer di Francoforte nel 2004. I dieci dialoghi che compongono l'opera sono proposti qui in una nuova traduzione italiana. La fortuna teatrale e i rifacimenti del testo per il palcoscenico, il cinema e il balletto sono illustrati nel saggio conclusivo. Chiude il volume una scelta bibliografica.

Philip C. Kolin ha definito "A streetcar named desire" come "una delle più influenti pièce del Novecento". Si tratta certo di considerazioni valide non solo per il mondo anglosassone. "Streetcar" ebbe un immediato e profondo impatto su un Europa devastata dalla Seconda Guerra Mondiale; a un Europa che usciva dal fascismo "Streetcar" mostrava uno stile di vita aperto, tanto da essere associato alle idee di liberazione politica, di letteratura alternativa, di emancipazione sessuale. Gli aspetti sensazionalistici di Williams contribuirono ad attrarre un largo pubblico, ma la fama che lo riconosce probabilmente come il più grande e più fortunato dei drammaturghi americani si fonda sul suo linguaggio, sulla poesia del suo teatro.

Il dramma a tesi di Dumas figlio si propone come un teatro "intelligente", di riflessione morale, in più o meno aperta polemica con il vaudeville e il puro divertissement. Il volume contiene, oltre a una nuova traduzione del dramma e della prefazione di Dumas fils, un capitolo introduttivo nel quale viene indagata la forza mitogena e la canonicità del testo per la cultura europea ed extraeuropea. Il saggio introduttivo si propone di mettere in luce l'intrinseca dualità del testo stesso, dalla quale si è generato appunto il mito. Nel saggio finale si propone invece l'analisi di due rappresentazioni considerate cruciali per la storia drammaturgica del testo, in Francia e in Italia. Segue un brevissimo excursus della fortuna scenica della pièce nel mondo, e una bibliografia selettiva.

Peer Gynt di Henrik Ibsen (1867) è, per i norvegesi, un'opera poetica fondante l'identità nazionale, come il Don Chisciotte per la Spagna, il Faust per la Germania e la Divina Commedia per l'Italia. In una più universale prospettiva, Peer Gynt ha del resto molte analogie con questi classici perché affronta i temi cruciali del destino civile e metafisico dell'uomo, del senso della sua esistenza e del suo impegno morale. Per questo, Harold Bloom l'ha definito il «centro di Ibsen»: un'immensa capricciosa e sconvolgente opera poetica, che sintetizza e concentra tutta la complessità della natura umana - sospesa fra eroismo e vigliaccheria, abnegazione e istinto, santità e perdizione analizzata e trasfigurata dal grande drammaturgo, con sguardo implacabile e profondo.

Al suo apparire sulla scena del Novecento, "La cantatrice chauve" di Eugène Ionesco rappresenta un momento di rottura dei canoni della drammaturgia moderna. L'autore analizza l'opera del drammaturgo rumeno in due saggi bilingue sia nella prospettiva della storia della cultura (con riferimento alle matrici comuni al pensiero contemporaneo), sia della storia delle forme drammatiche e performative.