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L’inizio del XX secolo sembrava carico di promesse per la Germania. Se la periferia si riempiva di caseggiati per ospitare il nuovo proletariato industriale, negli ampi viali del centro, appena costruiti, la gente passeggiava con orgoglio fra meravigliose residenze borghesi. L’economia fioriva, l’aristocrazia e i militari godevano di enorme prestigio e la maggior parte della popolazione adorava il Keiser. Attraverso 800 fotografie a colori, questo libro racconta la Germania di inizio secolo come amava rappresentarsi: sicura di sé, sfavillante, patriottica e fiduciosa nel progresso e – per chi poteva permetterselo – nello stile cosmopolita. Come in "America 1900", le immagini sono rari esempi di fotocromia, una tecnica che permise di ottenere stampe litografiche a partire da negativi in bianco e nero. Dai castelli delle fiabe di Ludovico II di Baviera nelle Alpi, ai lussuosi resort sul Mar Baltico e sul Mare del Nord, queste immagini raccontano una Germania in trasformazione, piena di ottimismo e bellezza. Le innovazioni della tecnica e i moderni boulevard si affiancano ai borghi medievali, alle tradizioni rurali e alle foreste maestose, creando un panorama affascinante e nostalgico di un’epoca perduta, distrutta dal tempo e dalla storia.

Le Polaroid detengono da sempre un posto privilegiato nel pantheon della fotografia, specialmente da quando le tecniche digitali hanno preso piede. La stampa istantanea e la totale assenza di interventi di editing conferiscono a queste immagini uniche un incantevole realismo. In nessun altro mezzo fotografico l’attimo è in grado di trovare le propria forma materiale con una tale sincerità e rapidità. Nel corso della sua carriera Helmut Newton utilizzò le Polaroid non solo in virtù della loro poesia, ma anche e soprattutto come strumento essenziale per realizzare le prove di luce e composizione che precedono i servizi. Molti fotografi si sbarazzavano di questi scatti di prova. Per nostra fortuna, Newton li conservò, cosicché dopo la sua morte la moglie June Newton potè raccogliere questi affascinanti reperti che svelano i retroscena di alcune delle sue opere più celebri, dai classici nudi milanesi alle foto con abiti in lattice a Saint-Tropez. Grazie ai segni e alle scritte calligrafiche visibili sulle immagini, queste fotografie degli anni Settanta, Ottanta e Novanta possono essere paragonate agli schizzi preparatori di capolavori pittorici. Gettando uno sguardo suggestivo sulla direzione e il processo creativo di Newton, si pongono come opere d’arte nella loro essenza e come documenti storici che testimoniano l’epoca passata della fashion photography.

Egon Schiele (1890–1918) morto precocemente a causa dell’epidemia di Spagnola, dopo essersi liberato dell’ingombrante presenza del suo mentore e modello Gustav Klimt, ebbe solo un decennio per lasciare la sua impronta indelebile nella storia dell’arte moderna. Bambino prodigio, ben consapevole del proprio genio, giovane ribelle e provocatore cronico, seppe affrontare e vincere questa sfida impossibile. Le sue linee storte, i corpi contorti, l’erotismo esplicito e gli autoritratti nei quali si ritraeva emaciato e stravolto in bilico fra genio e follia, non avevano niente a che fare con l’amore, la sensualità e la devozione appassionata delle opere di Klimt. Al contrario i quadri di Schiele con onestà talmente brutale da sconvolgere e cambiare in maniera irreversibile la società viennese. Sebbene le sue opere siano state successivamente bollate come “degenerate” e per un certo periodo di tempo perfino dimenticate, hanno influenzato generazioni di artisti - da Günter Brus a Francis Bacon e Tracey Emin. Oggi i suoi quadri, che allora non furono capiti, vengono battuti all’asta per cifre eccezionali sul mercato internazionale. "Egon Schiele. Complete Paintings, 1909–1918", passa in rassegna tutti i 221 dipinti e i 146 disegni realizzati da Schiele nel suo ultimo decennio così innovativo e prolifico. Con molti pezzi fotografati appositamente per questo libro, le opere sono accompagnate da scritti e poesie di Schiele stesso e da saggi esplicativi della sua vita e delle sue opere che ci permettono di collocare il maestro austriaco all’interno del contesto dell’Espressionismo europeo e di capire la straordinaria eredità che ci ha lasciato.

Angoli netti, forme bizzarre, colori sporchi e prospettive distorte sono elementi tipici dell'espressionismo, il movimento nato nel XX secolo che rese protagoniste le emozioni, preferendole alla realtà oggettiva. Particolarmente florido in Germania e Austria, l'approccio espressionista si fece strada sulla scena internazionale e oggi è considerato uno dei cambiamenti che più hanno influenzato la storia dell'arte. Gli espressionisti, rappresentati dal gruppo Die Brücke (Il ponte) e Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro), nonché da artisti del calibro di Vasilij Kandinskij, Egon Schiele ed Emil Nolde, rinnegarono l'impressionismo, definendolo “l'abnegazione dell'uomo, ridotto a mero strumento di registrazione del mondo esterno”, per dedicarsi alla rappresentazione della realtà nuda e cruda, così come la si vive, non come la si vede. I loro dipinti vibrano di una grande carica emotiva, trasmessa grazie a una palette di colori intensi e innaturali, pennellate ampie e trame spesse. Esplorando le peculiarità stilistiche del gruppo, gli influssi e i suoi protagonisti principali, questo volume introduttivo presenta il panorama espressionista, con i suoi stati d'animo, le idee e le emozioni, alla ricerca della verità più autentica.

Scopri la Vienna di fine secolo in questa esplorazione dei suoi più importanti protagonisti, completa di sontuose riproduzioni a doppia pagina di pittura, scultura, architettura e design e di un saggio di Rainer Metzger. In occasione del centenario della morte dei maestri Klimt, Schiele, Wagner e Moser, questa collezione si unisce alla celebrazione del Modernismo di Vienna del 2018.

L’arte fantasy, quel variopinto miscuglio di mito, muscoli e fanciulle sensuali, prese il via nel 1923 con il lancio della rivista fantasy Weird Tales, si sviluppò negli anni Sessanta grazie alle copertine di Frank Frazetta per le edizioni tascabili del Signore degli anelli e di Conan il barbaro, nonché all’avvento della psichedelia fantasy, per poi dilagare negli anni Settanta con il gioco di ruolo Dungeons & Dragons, la mitica rivista francese Métal Hurlant e il primo film di Star Wars. Il numero di artisti attivi nel settore raggiunse il picco durante quel decennio, ma una nuova generazione di fan scoprì il genere grazie ai giochi di carte collezionabili negli anni Novanta, generando l’odierno interesse di massa per questa forma d’arte. Le rare volte che sono stati messi in vendita, i dipinti a olio di Frank Frazetta sono stati acquistati per oltre 5 milioni di dollari, in tempi recenti. I fan fanno la fila alle fiere del fumetto per incontrare Boris Vallejo, Rodney Matthews, Greg Hildebrandt, Michael Whelan e Philippe Druillet, e onorare la memoria di icone come HR Giger, Jeffrey Catherine Jones e Frazetta. Questo gigantesco tomo contiene dipinti originali, contestualizzati da schizzi preparatori, sculture, calendari, riviste e libri tascabili, per immergersi appieno in questo genere dinamico e fantasioso. Interessanti e approfondite biografie offrono uno sguardo rivelatore sulla vita di ciascun artista. Completata da pagine pieghevoli e inserti all’inizio di ogni capitolo, questa raccolta sarà la guida più completa e raffinata su questo amatissimo genere per molti anni a venire.

Nonostante lo stato di perenne instabilità della sua vita privata, Ai Weiwei non cessa di esercitare il suo ruolo di magnete culturale. Noto tanto per le opinioni politiche e l’attività sui social media quanto per i suoi interventi a favore dei diritti civili, l’approccio contemporaneo al ready made e la conoscenza delle arti tradizionali cinesi, la sua fama si è estesa a tutto il mondo dell’arte e oltre. Realizzato a partire dalla Collector’s Edition in tiratura limitata, questo volume si pone come la monografia definitiva su Ai Weiwei, di cui esplora nel dettaglio e in profondità ogni fase della carriera, fino al suo rilascio da parte del governo cinese. Dai primi passi nella città di New York agli interventi più recenti, l’abbondanza di materiale visivo permette di ripercorrere l’evoluzione di questo artista, soffermandosi sui momenti più significativi della sua carriera quali l’irruzione sulla scena internazionale nei primi anni Duemila, l’installazione Sunflower Seeds alla Turbine Hall presso la Tate Modern, la sua risposta al terremoto in Sichuan del 2008, e l’incarcerazione del 2011. Le numerosissime immagini, che includono scatti dietro le quinte del lavoro in studio, e le tante dichiarazioni tratte da interviste esclusive rilasciate da Ai Weiwei, ci garantiscono un accesso privilegiato al mondo dell’artista per comprenderne i processi operativi, l’influenza e la grandezza. Il libro include testi a firma di Uli Sigg, amico di lunga data di Ai Weiwei ed ex ambasciatore svizzero in Cina; di Roger M. Buergel, curatore di documenta 12 (2007), che ospitò l’opera di Weiwei Fairytale; e degli esperti di cultura e politica cinese Carlos Rojas, William A. Callahan, e James J. Lally.

Con le sue strutture geometriche arroccate sulle colline, sulle spiagge e nei deserti della California, John Lautner ha creato alcuni degli edifici più originali del XX secolo. Questo libro introduttivo analizza le sue opere principali e la sua estetica iconica in un'epoca di tecnologia spaziale, crescita economica e benessere.

L'estetica modernista in architettura, arte e design del prodotto è familiare a molte delle persone che hanno una propensione per la creatività. In elevate strutture in vetro o in tele minimaliste riconosciamo un'epoca di progresso tecnologico che ha affermato il potere dell'uomo nel dare forma all'ambiente, rompendo, radicalmente, con le convenzioni e le costrizioni del passato. Meno noto ma non meno affascinante è la distillazione del Modernismo nel logo design. Con la creazione di concept visivi dalle linee pulite, i graphic designer aspiravano ad allontanarsi dalla mistica che identificavano con l'arte commerciale e a bilanciare un mondo sempre più complesso con la chiarezza del tratto. Questa pubblicazione raccoglie circa 6000 marchi registrati, concentrati nel periodo 1940-1980, per prendere in esame come l'attitudine e gli imperativi modernisti abbiano dato vita alla corporate identity. Spaziando dai gruppi editoriali ai giganti della vendita al dettaglio, dalle linee aeree alle gallerie d'arte, questa ampia rassegna di loghi è organizzata in tre capitoli in base al tipo di design: "Geometric", "Effect" e "Typographic".

È stata un'era di eroi possenti, mostri incompresi e cattivi dalla psicologia complessa. Con la pubblicazione, nel novembre del 1961, di Fantastic Four n. 1, il colosso del fumetto Marvel ha inaugurato un periodo di profonde trasformazioni nella cultura pop. Per i due decenni successivi, tra le sue pagine hanno saltato, sfrecciato e giganteggiato personaggi iconici come Hulk, Spider-Man, Iron Man e gli X-Men. Capitan America è stato risuscitato dall'ibernazione cui era stato sottoposto negli anni '40, mentre gli Avengers sono diventati i più grandi supereroi del mondo. Il pantheon si è arricchito di Daredevil, Dr. Strange e decine di altri personaggi, ciascuno con la sua furfantesca schiera di malvagi avversari. A distanza di quasi 60 anni, questi elettrizzanti eroi degli anni '60 e '70 sono più popolari che mai e continuano a combattere per il Bene in fumetti, negozi di giocattoli e film record di incassi in tutto il mondo. In The Marvel Age of Comics 1961–1978, il leggendario fumettista e curatore editoriale Roy Thomas vi porta al cuore di questo periodo fondamentale della storia del fumetto, un'epoca di trionfale innovazione, tanto a livello di personaggi quanto di narrazione, che ha reinventato il genere supereroistico. Corredato dipiù di 500 immagini e contributi di addetti ai lavori, il libro ripercorre la nascita di eroi epici in virtù dei loro poteri e al tempo stesso appartenenti a un mondo che i lettori sentivano simile al proprio: eroi con cui era facile immedesimarsi, alle prese con gli stessi problemi, le stesse lotte e gli stessi difetti di chiunque altro. Negli anni '70, la Casa delle Idee si era ormai cimentata anche nel genere horror, fantasy e delle arti marziali, introducendo nella sua scuderia di semidei titanici personaggi memorabili come l'Uomo Cosa, Conan e Shang-Chi e dimostrando che la propria cifra narrativa poteva avere successo e prosperare al di là di mantelli e calzamaglie. Il libro ci fa inoltre conoscere gli straordinari creativi Marvel, nomi quasi altrettanto familiari di quelli dei mortali (e degli immortali!) a cui hanno dato vita –Stan “l'Uomo” Lee, Jack “il Re” Kirby e Steve Ditko – nonché una sfilza di grandi come John Romita, John Buscema, Marie Severin, Jim Steranko e innumerevoli altri. Il risultato è una miniera di preziosi dietro-le-quinte e una perla per la biblioteca di ogni appassionato di fumetti, pervasa dallo spirito innovativo e dall'energia che si respiravano in un'epoca invincibile sia per la Marvel sia per i suoi eroi.

L'opera di Charles Rennie Mackintosh fonde tradizione scozzese, funzionalità moderna ed eleganza giapponese in un'opera unica di architettura e design. Promotore dello stile di Glasgow di fine secolo, Mackintosh ha influenzato anche l'Art Nouveau in Europa con il suo repertorio audace ma lirico di linee vivaci, proporzioni eleganti e motivi naturali.