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Il 18 novembre 1928 il topo più famoso del mondo fece il suo debutto sugli schermi. Oggi celebriamo i 90 anni di Topolino con una delle pubblicazioni illustrate più ampie mai dedicate all’universo Disney. A cominciare dai primi schizzi del personaggio, che in origine si chiamava Mortimer, ripercorriamo la carriera della più celebre creatura di Walt Disney e Ub Iwerks, il cui travolgente successo non aveva precedenti all’infuori di Charlie Chaplin. Attingendo senza riserve agli archivi Disney e alle collezioni pubbliche e private, gli autori raccontano tutta la storia del successo di Topolino: concept art, schizzi, sfondi, disegni per le animazioni e scatti storici tracciano le origini e l’evoluzione di classici intramontabili come Steamboat Willie, Fanfara e L’eroico ammazzasette, seguendo Topolino nella costruzione della sua leggendaria videoteca di corti, senza dimenticare le sue apparizioni in due storici lungometraggi, Fantasia e Bongo e i tre avventurieri. Progetti incompiuti, molti dei quali presentati per la prima volta attraverso gli storyboard originali, svelano altri risvolti possibili – ma mai realizzati – del personaggio. La scrupolosa ricerca d’archivio getta una nuova luce su capitoli poco noti della carriera di Topolino, come i programmi radio degli esordi, le origini del Mickey Mouse Club o il suo ruolo di icona patriotica durante la Seconda guerra mondiale. Lungo la strada, incontreremo i lavori di tutti i più importanti artisti che hanno immortalato Topolino in cartoni e fumetti, compresi nomi del calibro di Ub Iwerks, Win Smith, Ferdinand Horvath, Freddie Moore, Floyd Gottfredson, Carl Barks, Manuel Gonzales, Paul Murry, Romano Scarpa, Giorgio Cavazzano, Byron Erickson, César Ferioli e Noel Van Horn. Topolino ha lasciato una traccia indelebile nella cultura e nell’arte, diventando un soggetto d’elezione per esponenti della Pop art quali Andy Warhol, Keith Haring e Roy Lichtenstein. Come diceva Walt Disney: “Spero solo che non perderemo mai di vista una cosa, e cioè che tutto è iniziato con un topo”. E la storia di questo successo sembra non aver fine. Oggi, alla tenera età di 90 anni, Topolino resta amatissimo e popolare com’è sempre stato. Rendiamo omaggio a questo piccolo amico, alla sua leggenda e alla sua eredità, con un vero e proprio monumento al topo.

Nel 1947, Bill Gaines ereditò EC Comics, un’impresa fondata dal suo leggendario padre M. C. Gaines, che contribuì alla nascita del fumetto così come lo conosciamo durante il suo mandato a All-American Comics, portando alla luce testate mitiche come Wonder Woman e Lanterna Verde. Negli otto anni successivi, insieme ad alcuni maestri dell’epoca quali Al Feldstein, Harvey Kurtzman, e Wally Wood, Bill Gaines reinventò il concetto stesso di fumetto tramite titoli come "I racconti della cripta", "Crime SuspenStories", "Weird Science" e "MAD". EC si divertiva a raccontare crimini sanguinosi e horror morbosi dai finali ironici e sagaci, ma fu anche all’avanguardia nel proporre i primi fumetti di guerra realistici e le prime “vere” storie di fantascienza, affrontando argomenti tabù per l’epoca come razzismo, bigottismo, vigilantismo, antisemitismo, dipendenza dalle droghe e corruzione. Era troppo bello per durare: i moralisti degli anni Cinquanta si convinsero che i contenuti spesso eccessivi proposti da EC fossero tra le cause della delinquenza giovanile. Ci fu un’indagine approfondita su questi fumetti, e dopo un anno o giù di lì, l’incredibile EC Comics non esisteva più. TASCHEN presenta l’intrigante storia di questa famigerata impresa, scritta e curata dall’esperto Grant Geissman. Perfino i fan più sfegatati troveranno qualcosa di nuovo in queste pagine grazie alle oltre 100 rarità inedite fornite dagli archivi della famiglia Gaines. Molte immagini di copertina sono riprodotte direttamente dagli originali della casa madre, considerati tra le migliori copie sopravvissute dei fumetti EC. Contiene oltre 1000 illustrazioni che spaziano tra copertine famose e introvabili, vignette e pagine interne, fotografie rare, opere d’epoca originali e alcune delle storie più celebri mai stampate in quadricromia per pochi centesimi. Questo volume è il compendio definitivo su EC Comics, imperdibile per qualsiasi appassionato di fumetti o storico della cultura pop.

Queste cartoline realizzate con la tecnica della stampa fotocromatica provengono dalla collezione privata di Marc Walter e sono state prodotte dalla Detroit Photographic Company tra il 1888 e il 1924. Attraverso un processo di stampa litografica che risaliva a circa 20 anni prima, queste cartoline offrivano al pubblico americano le primissime fotografie a colori degli Stati Uniti. All’improvviso, tutti potevano vedere i colori del continente. Le ricche tinte ocra e marroni del Grand Canyon come l’abbagliante Atlantic City divennero un piacere visivo che non solo i loro abitanti potevano contemplare ma tutti gli americani, in ogni angolo del paese. Intrise di questo senso della scoperta e dell’avventura, le immagini qui raccolte costituiscono un viaggio attraverso il tempo, le persone e i luoghi. Ci fanno attraversare gli ampi e variegati paesaggi dell’America del Nord, incontrando le sue numerose comunità, e soprattutto ci portano indietro di oltre un secolo. In oltre 600 pagine, incluse alcune pieghevoli, quest’ampia panoramica ci trasporta dagli insediamenti dei Nativi americani fino a Chinatown, a New York, da alcuni degli ultimi cowboy fino allo splendore di Coney Island. Splendenti come lo erano 120 anni fa, queste immagini rare e notevoli che hanno portato l’America agli americani, ora portano il passato americano fino ai giorni nostri.

Da Coco Chanel ad Alexander McQueen, un secolo di grandi nomi della moda. Questa edizione aggiornata include 15 nuove etichette e presenta circa 500 capi della collezione permanente del Museum at FIT di New York. La direttrice del museo Valerie Steele e la leggenda della moda Suzy Menkes commentano il libro con i ritratti di Robert Nippoldt.

La vita e l’opera di Pieter Bruegel il Vecchio (1525–1569) furono segnate da forti contrasti culturali: fu infatti testimone delle guerre di religione e del severo regime del Duca d’Alba, l’allora governatore delle Fiandre, e toccò con mano le tragiche conseguenze dell’Inquisizione. A tutt’oggi, la vicenda dell’artista fiammingo resta avvolta nel mistero. Non si conosce con esattezza neanche il suo luogo di nascita. Ma se le prime ricerche enfatizzavano il carattere vernacolare della sua opera grafica e pittorica, studi più recenti hanno sottolineato piuttosto l’importanza del loro contenuto umanistico. Dopo aver debuttato come stampatore per l’editore Hieronymus Cock, Bruegel produsse numerose serie di stampe che furono diffuse in tutta Europa. Vi erano rappresentati vizi e virtù dell’umanità, insieme a gioiose scene di feste contadine e ariosi panorami. Col tempo, si dedicò sempre più intensamente alla pittura, al servizio dell’élite culturale di Anversa e Bruxelles. Questa monografia mostra Bruegel come un artista illuminato, che affrontò con coraggio le questioni più scottanti del suo tempo, proponendo nuove invenzioni e soluzioni. Invece di idealizzare la realtà, additò gli orrori dei conflitti religiosi e assunse una posizione molto critica nei confronti della Chiesa cattolica. A tal proposito, sviluppò un proprio linguaggio pittorico dissidente, inserendo all’interno di innocue scene quotidiane affermazioni subliminali, al fine di evitare ripercussioni. Questa raccolta in formato XXL riunisce tutti i 39 dipinti, i 65 disegni e le 89 incisioni di Bruegel, ciascuno dei quali fornisce una testimonianza unica della cultura religiosa e popolare dell’epoca, rivelando come, malgrado la morte precoce dell’artista, la sua opera si ponga in netta controtendenza rispetto al Rinascimento italiano. I versi satirici e i disegni critici che ci sono pervenuti testimoniano la sua distanza da altri artisti più italofili, ammiratori di Michelangelo e Raffaello. Pubblicato in occasione del 450° anniversario della sua morte e della prima mostra monografica a lui dedicata, presso il Kunsthistorisches Museum di Vienna, questo volume vi guiderà in un viaggio alla scoperta dello straordinario universo visivo di Bruegel.

State cercando un luogo dove trascorrere una vacanza rilassante, edificante e rigenerante? In questa guida aggiornata, Angelika Taschen raccoglie i centri per lo yoga più raffinati e suggestivi in tutto il mondo, come un esotico hotel di lusso in Bhutan, un eremo in India, un resort sulla spiaggia in Messico o una perla nascosta nelle foreste tropicali del Brasile. Le proposte più stuzzicanti comprendono il Parmarth Niketan Ashram a Rishikesh, una delle città sacre del Gange nonché celebre luogo di romitaggio dove i Beatles frequentarono l'eremo di Maharishi nel 1968; e Santani, un'ex piantagione di tè di 48 acri nello Sri Lanka dove una pace rigenerante incontra i più elevati standard di sostenibilità ecologica. Per quanto riguarda il nostro paese, l'Italia non è solo meta di turismo culturale e gastronomico, ma anche destinazione ideale per scrupolosi seguaci dello yoga: Santa Maria del Sole, in Puglia, offre il giusto equilibrio tra lo yoga e il sensuale stile di vita italiano. Tesoro nascosto sugli altopiani del Brasile, Alto Paraíso si annida nella lussureggiante foresta tropicale e ospita una flora e una fauna tra le più varie al mondo. L'Esalen Institute a Big Sur, in California, è una leggendaria meta New Age che offre yoga e molto altro, tra cui 500 seminari per rigenerare tanto il corpo quanto la mente; Kretashala, uno dei luoghi più famosi d'Europa in cui praticare il Vinyasa Yoga, offre un'autentica cucina cretese e viste mozzafiato sulla distesa infinita del mar Libico; mentre l'Amansala Bikini Bootcamp a Tulum, in Messico, coniuga lezioni di yoga e vita da spiaggia.

Il pittore Pierre-Joseph Redouté (1759–1840) dipinse esclusivamente acquerelli di piante da fiore, di cui poi realizzava stampe calcografiche accompagnate da minuziose descrizioni botaniche. Beniamino di facoltosi mecenati parigini (tra cui Giuseppina Bonaparte, moglie di Napoleone), Redouté era soprannominato “il Raffaello dei fiori” ed è considerato ancora oggi un maestro dell'illustrazione botanica. Questa raccolta ripropone il nostro bestseller formato XL in un'edizione più maneggevole e accessibile che riunisce a sua volta alcune delle più raffinate incisioni a colori tratte dalle illustrazioni di Redouté per i volumi Le rose, I gigli e Choix des plus belles fleurs et quelques branches des plus beaux fruits (Selezione dei più bei fiori e di alcuni rami con i frutti più mirabili). Oltre a presentare una vivace rassegna della combinazione di precisione e bellezza tipica di Redouté, il volume offre anche uno sguardo privilegiato sullo splendore dei giardini e delle serre di una Parigi d'altri tempi.

Questa raccolta esplora lo sviluppo delle infografiche e della comunicazione visiva nell'era dei big data, dai grafici e dalle mappe alle statistiche e ai diagrammi. Più di 400 esempi eccezionali, provenienti dal giornalismo, dall'arte, dalla pubblica amministrazione e dall'istruzione, sono accompagnati da saggi sull'arte dell'infografica e da schede informative su ogni progetto trattato.

Il pittore Pierre-Joseph Redouté (1759–1840) dipinse esclusivamente acquerelli di piante da fiore, di cui poi realizzava stampe calcografiche accompagnate da minuziose descrizioni botaniche. Beniamino di facoltosi mecenati parigini (tra cui Giuseppina Bonaparte, moglie di Napoleone), Redouté era soprannominato “il Raffaello dei fiori” ed è considerato ancora oggi un maestro dell'illustrazione botanica. Questa raccolta ripropone il nostro bestseller formato XL in un'edizione più maneggevole e accessibile che riunisce a sua volta alcune delle più raffinate incisioni a colori tratte dalle illustrazioni di Redouté per i volumi Le rose, I gigli e Choix des plus belles fleurs et quelques branches des plus beaux fruits (Selezione dei più bei fiori e di alcuni rami con i frutti più mirabili). Oltre a presentare una vivace rassegna della combinazione di precisione e bellezza tipica di Redouté, il volume offre anche uno sguardo privilegiato sullo splendore dei giardini e delle serre di una Parigi d'altri tempi.

La grafica degli album è indissolubilmente legata ai nostri ricordi musicali collettivi: quando pensiamo ai nostri dischi preferiti, ne visualizziamo subito la copertina. Molti fotografi, illustratori e art director sono diventati celebri grazie alle opere realizzate per un album musicale, i cui migliori esempi passeranno alla storia come istituzioni permanenti nella cultura popolare. Nel rendere omaggio a questa forma d'arte, Rock Covers vi offre una raccolta di oltre 750 copertine straordinarie di dischi rari e leggendari. Artisti disparati come Elvis Presley, i Beatles, i Sex Pistols, i Pink Floyd, i Cure, gli Iron Maiden e i Sonic Youth sono qui riuniti per celebrare le copertine che ne hanno definito gli album e lo status “di culto”. Ogni copertina è accompagnata da una scheda informativa che elenca l'art director, il fotografo o l'illustratore che l'ha realizzata, l'anno di uscita dell'album, la casa discografica e molto altro, mentre una breve descrizione dà rilievo a quasi 250 dischi che hanno segnato svolte particolari per un gruppo, un artista o un genere musicale. A fornire un contesto a questo ambizioso catalogo di “musica visiva” sono le interviste ai professionisti del settore che hanno fatto la storia del rock e le personali classifiche dei 10 migliori dischi da parte di dieci importanti collezionisti.

Tra piccoli cottage e sontuose ville, case sulla spiaggia e rifugi nella foresta, scoprite le dimore più belle e all'avanguardia del mondo. Questa futuristica selezione globale include archistar quali Shigeru Ban, MVRDV e Marcio Kogan, insieme a talenti emergenti come Aires Mateus, Xu Fu-Min, Vo Trong Nghia, Desai Chia e Shunri Nishizawa. Una rassegna di case di tutto il mondo, dall'Australia alla Nuova Zelanda, dalla Cina al Vietnam, dagli Stati Uniti al Messico e fino ai luoghi più inaspettati come Ecuador e Costa Rica. Il risultato è un'indagine completa sulla casa contemporanea, che evidenzia come le dimore di tutto il mondo abbiano in comune molto più di quanto potremmo aspettarci. Nell'India occidentale, tra alberi di guava e forti abbandonati, c'è un santuario progettato da e per Kamal Malik di Malik Architecture. La House of Three Streams è uno spettacolo tentacolare, con alti soffitti, verande e padiglioni, appollaiato su un crinale che affaccia su due burroni. Con il suo mix di acciaio, vetro, legno e pietra, la casa si snoda lungo il profilo del paesaggio, quasi come una propaggine della foresta. Casa Encina di Aranguren & Gallegos, un'elegante struttura costruita in pendenza e che ricorda un gazebo, si inserisce in modo simile nel panorama che la circonda. Annidata in una foresta di pini a nord di Madrid, presenta un livello inferiore incastonato nella roccia e collegato a quello superiore da un muro di pietra naturale. La Seaside House di Shinichi Ogawa è un'immacolata meraviglia minimalista a due piani che affaccia sul Pacifico, situata nella prefettura di Kanagawa. La zona giorno guarda su una terrazza a sbalzo e su una piscina a sfioro, dissolvendosi nell'oceano senza soluzione di continuità. In Vietnam, la casa di Shunri Nishizawa a Chau Doc trasuda raffinatezza tropicale con travi di legno a vista, bambù intrecciato, piante, pannelli in cemento, nonché terrazze e balconi interni. I suoi pannelli di ferro ondulato fungono da pareti apribili e serrande, accogliendo in casa la vista delle risaie circostanti. Queste case – e oltre una cinquantina di altre – hanno tutte un design unico. Tutte però giocano con il confine tra dentro e fuori, sempre in perfetta simbiosi con l'ambiente circostante.

È stato su una spiaggia di Malibu, nel 1988, che Peter Lindbergh ha scattato la serie White Shirts, ora nota in tutto il mondo. Semplici eppure fondamentali, quelle fotografie ci hanno fatto scoprire Linda Evangelista, Christy Turlington, Rachel Williams, Karen Alexander, Tatjana Patitz ed Estelle Lefébure segnando l'inizio di un'epoca che ha ridefinito il concetto di bellezza, mentre Lindbergh sarebbe passato a modificare la scena della fotografia di moda nei decenni successivi. Questa edizione, che riunisce più di 300 immagini scattate da Lindbergh in 40 anni di carriera, illustra le inflessioni cinematografiche e l'approccio umanista del fotografo tedesco, che ha realizzato immagini al contempo seducenti e introspettive. Nel 1980, Rei Kawakubo chiese a Lindbergh di realizzare gli scatti per una campagna di Commes des Garçons, una delle sue prime sortite nella fotografia pubblicitaria. Kawakubo gli diede carta bianca. Negli anni a venire seguirono collaborazioni con i nomi più venerati della moda, che sfociarono in rapporti di grande stima reciproca: nei suoi ritratti, il rispetto di Lindbergh per alcuni dei più grandi stilisti del nostro tempo è evidente. Tra gli altri, Lindbergh ha fotografato Azzedine Alaïa, Giorgio Armani, Alber Elbaz, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Yves Saint Laurent, Jil Sander e Yohji Yamamoto. Da molti considerato un pioniere nel suo campo, Lindbergh si è sottratto agli standard di bellezza dell'industria, celebrando invece l'essenza e la personalità dei suoi soggetti. Il suo contributo è stato inoltre fondamentale per l'ascesa di modelle come Kate Moss, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Cindy Crawford, Mariacarla Boscono, Lara Stone, Claudia Schiffer, Amber Valletta, Nadja Auermann e Kristen McMenamy. Ma il campo d'azione di Lindbergh si è esteso anche fino a Hollywood e oltre: ad apparire nei suoi scatti sono, tra gli altri, Cate Blanchett, Charlotte Rampling, Richard Gere, Isabelle Huppert, Nicole Kidman, Madonna, Brad Pitt, Catherine Deneuve e Jeanne Moreau. Dalla foto scelta da Anna Wintour per la copertina del suo primo numero di Vogue allo scatto leggendario di Tina Turner sulla Torre Eiffel, nelle fotografie di Lindbergh il centro della scena non sono mai gli abiti, la celebrità o il glamour. Ogni immagine comunica l'umanità del suo soggetto con una malinconia serena che è il tratto unico e inconfondibile di Lindbergh. Fin dall'inizio della sua carriera, Lindbergh ha avuto successo nel mondo dell'arte contemporanea, e le sue fotografie sono state esposte nelle gallerie molto prima di apparire sulle riviste. Questa edizione contiene un'introduzione aggiornata, ricavata da un'intervista del 2016, che permette di sbirciare dietro l'obiettivo di Lindbergh e nella quale il fotografo racconta delle sue prime collaborazioni, del sottile rapporto tra arte e pubblicità e del potere della narrazione.