Taschen: Basic Art

L'arte così come la conosciamo non esisterebbe senza l'esperienza del Rinascimento. Riconosciuto come uno dei fenomeni che più hanno influito sull'arte, l'architettura, la letteratura e la scienza del Vecchio Continente, questo movimento rivoluzionò la concezione occidentale di realtà e proclamò l'avvento della modernità al termine del Medioevo. Il Rinascimento prese piede in Italia alla fine del XIV secolo e si diffuse in Europa durante i secoli successivi, con floridi epicentri a Firenze, nei Paesi Bassi e in Olanda, e in Germania. Le radici del pensiero rinascimentale si riscontrano nell'umanesimo, sviluppatosi dalla filosofia classica greca: impegnati nelle arti, nella scienza, nella letteratura e nella politica, gli esponenti del Rinascimento dichiaravano che l'uomo era "misura di tutte le cose" e si proponevano di scardinare i limiti dettati dall'educazione medievale per introdurre una rivisitazione dell'epoca antica. Sotto l'influsso dell'umanesimo, gli artisti fecero grandi progressi nello studio dell'anatomia e della geometria fino a raggiungere nuovi livelli di precisione figurativa e a rivoluzionare la rappresentazione prospettica per meglio riprodurre la percezione umana del luogo nello spazio. Pittori fiamminghi, come Bruegel, introdussero nuove tecniche e una sensibilità per i paesaggi e le nature morte, mentre in Germania Dürer e Cranach furono tra i primi a donare alle illustrazioni xilografiche e alle incisioni una teatralità e uno spessore psicologico senza precedenti. Da Firenze a Norimberga, da Venezia a Bruges, questo conciso volume appartenente alla collana Basic Art di TASCHEN offre una fedele introduzione alla forza innovativa dell'ondata rinascimentale. Attraverso i ben noti luminari del movimento ed esponenti meno conosciuti, il contesto sociale e politico, e gli sviluppi a volte divergenti che lo hanno interessato nel tempo e nello spazio, ci immergiamo in un'esperienza straordinaria, in secoli di trasformazione che hanno generato personaggi geniali, varietà geografiche, e un'enorme quantità di innovazioni per quanto riguarda l'osservazione e la rappresentazione del mondo circostante. Alcuni artisti inclusi nel volume: Fra Angelico, Giovanni Bellini, Hieronymus Bosch, Sandro Botticelli, Pieter Bruegel, Lucas Cranach il Vecchio, Albrecht Dürer, El Greco, Matthias Grünewald, Hans Holbein il Giovane, Fra Filippo Lippi, Masaccio, Michelangelo, Pontormo, Raffaello, Tintoretto, Tiziano, Paolo Uccello, Veronese, e Leonardo da Vinci.

Architetto, artista, visionario ecologico, Friedensreich Hundertwasser ha lasciato una scia entusiasmante di immaginazione e attivismo in edifici, dipinti, manifesti e altro ancora. Dagli indirizzi nudi e dalle campagne per la piantumazione di alberi alla Hundertwasserhaus di Vienna, Hundertwasser ha rifiutato la linea retta in tutti i sensi. La sua visione era rivolta tanto alla società in generale quanto a singoli edifici.

Dopo i primi passi nell’ambito del realismo, dell’impressionismo e del simbolismo, l’ucraino Kazimir Malevich (1878–1935) trovò la propria strada nella dissoluzione di soggetti e paesaggi figurativi attraverso un’astrazione puramente emotiva. Nel 1915 creò quella che è ampiamente celebrata come la prima e definitiva opera astratta: Quadrato nero, in cui il quadrato eponimo si staglia su uno sfondo bianco, acclamata come il “punto zero della pittura” e una pietra miliare dell’arte moderna e astratta. Questo libro passa in rassegna le principali idee e innovazioni di Malevich e pone la sua attività pionieristica nel contesto dell’avanguardia russa e internazionale. Grazie anche alle splendide riproduzioni delle sue opere, analizzeremo la teoria del suprematismo elaborata dall’artista, basata su una rigorosa astrazione geometrica e sulla “supremazia dell’emozione pura nel processo creativo”, nonché il suo ruolo di primo piano nello sviluppo del costruttivismo e il suo interesse per la filosofia, la letteratura, l’arte popolare russa e la quarta dimensione.

Irrompendo su una scena dominata dall'espressionismo astratto nella New York dei tardi anni '50 e definendo un nuovo lessico artistico, il pittore statunitense Roy Lichtenstein (1923–1997) inaugurò una nuova epoca dell'arte americana. Grazie a uno stile pionieristico che mescolava tecniche di produzione industriale a immagini banali e ordinarie come cartoni animati, fumetti e pubblicità, Lichtenstein si unì alla schiera di artisti contemporanei, tra cui Andy Warhol e James Rosenquist, che rispecchiavano e satireggiavano i mass media e la cultura consumista statunitense. In opere come Look, Mickey! (1961), Drowning Girl (1963) e Whaam! (1963), l'artista utilizzò tecniche di produzione di massa (in particolare, il metodo di stampa a puntini Ben-Day) per creare un effetto esplosivo e quello stile pixellato di cui Lichtenstein è diventato sinonimo. Questo volume fornisce una panoramica essenziale della carriera di Lichtenstein, dalle prime affermazioni pop alle risposte “a colpi di pennello” all'espressionismo astratto e alle reinterpretazioni di capolavori contemporanei degli anni successivi, mettendo in luce il ruolo fondamentale ricoperto da Lichtenstein nel modernismo della metà del secolo e le modalità con cui le sue opere criticano e documentano al tempo stesso l'America del Novecento.

Scopriamo le scene di vita quotidiana e le delicate macchie di colore che hanno sconcertato gli ambienti artistici influenti. Questa introduzione all'impressionismo pubblicata da Taschen nella collana Basic Art esamina gli artisti, i temi e le tecniche che hanno portato per la prima volta il cavalletto fuori dallo studio spostando l'attenzione dalla ritrattistica e dai soggetti storico-religiosi all'evanescente fluire della vita moderna. In un viaggio attraverso i teatri, i bar e i parchi di Parigi e non solo, il libro esamina le radicali innovazioni apportate dal movimento sul piano tematico e stilistico, dal principio della pittura en plein air alle pennellate rapide e irregolari che permisero agli impressionisti di mettere in risalto la spontaneità, il movimento e le qualità cangianti della luce. Le splendide riproduzioni offrono inoltre uno sguardo ravvicinato sulle insolite prospettive inedite ricercate dagli impressionisti e sull'originale tavolozza di colori puri e non miscelati cui facevano ricorso, come le numerose tonalità accese e vivaci che hanno impresso alle tele un'intensità cromatica senza precedenti. Pagina dopo pagina, riconoscerete i nomi più affermati dell'impressionismo, come Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot e Camille Pissarro, come pure molti altri artisti meritevoli di maggiore attenzione, tra cui Marie Bracquemond, Medardo Rosso e Fritz von Uhde.

Henri Rousseau (1844–1910) lavorava come impiegato all'ufficio comunale del dazio di Parigi, sognando di diventare un artista acclamato. All'età di 49 anni decise di fare un tentativo. All'inizio, i suoi dipinti dai colori sgargianti e le pennellate decise che ritraevano la flora e la fauna di giungle esotiche furono respinti perché considerati infantili e semplicistici, ma il suo stile unico e tenace incontrò presto il favore del pubblico. A partire dal 1886, Rousseau espose regolarmente le sue opere presso il prestigioso Salon des Indépendants di Parigi, mentre nel 1908 Picasso organizzò un leggendario banchetto in suo onore. Malgrado sia conosciuto soprattutto per i panorami tropicali, Rousseau in realtà non lasciò mai la Francia, limitandosi a trarre ispirazione da libri e riviste, dalle visite ai musei di storia naturale e dagli aneddoti che i suoi conoscenti nell'esercito raccontavano quando tornavano in patria. Per le sue tele a olio, l'artista preferì una tavolozza vivace, contorni nitidi e una sensualità languida e lussureggiante, com'è evidente nel nudo sdraiato tra le foglie nel dipinto Il Sogno. Oggi, quello di Rousseau è un nome affermato della storia dell'arte, al pari di altri maestri del post-impressionismo come Cézanne, Matisse e Gauguin. Questa affidabile introduzione firmata Taschen analizza le cause del successo di un artista dal talento tardivo e la sua eredità di eroe improbabile del modernismo.

Henri Rousseau (1844–1910) lavorava come impiegato all'ufficio comunale del dazio di Parigi, sognando di diventare un artista acclamato. All'età di 49 anni decise di fare un tentativo. All'inizio, i suoi dipinti dai colori sgargianti e le pennellate decise che ritraevano la flora e la fauna di giungle esotiche furono respinti perché considerati infantili e semplicistici, ma il suo stile unico e tenace incontrò presto il favore del pubblico. A partire dal 1886, Rousseau espose regolarmente le sue opere presso il prestigioso Salon des Indépendants di Parigi, mentre nel 1908 Picasso organizzò un leggendario banchetto in suo onore. Malgrado sia conosciuto soprattutto per i panorami tropicali, Rousseau in realtà non lasciò mai la Francia, limitandosi a trarre ispirazione da libri e riviste, dalle visite ai musei di storia naturale e dagli aneddoti che i suoi conoscenti nell'esercito raccontavano quando tornavano in patria. Per le sue tele a olio, l'artista preferì una tavolozza vivace, contorni nitidi e una sensualità languida e lussureggiante, com'è evidente nel nudo sdraiato tra le foglie nel dipinto Il Sogno. Oggi, quello di Rousseau è un nome affermato della storia dell'arte, al pari di altri maestri del post-impressionismo come Cézanne, Matisse e Gauguin. Questa affidabile introduzione firmata TASCHEN analizza le cause del successo di un artista dal talento tardivo e la sua eredità di eroe improbabile del modernismo. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative.

Ritrarre sé stessi è una delle imprese più affascinanti e feconde in campo artistico. Questa raccolta riunisce alcuni dei più significativi esempi di autoritratto realizzati dal XV secolo ai giorni nostri per analizzare l'evoluzione di questo genere nel corso dei secoli come pure le eterne questioni del sé e della sua rappresentazione che assillano l'umanità da secoli prima dell'avvento dei social media e dei selfie. L'autoritratto d'artista è un mezzo di riflessione o è solo un abisso oscuro, il “falso specchio” del titolo attribuito dal pittore surrealista René Magritte al suo quadro del 1928 raffigurante un grande occhio? Quanto rivela l'autoritratto delle nozioni contemporanee di bellezza, potere e condizione sociale del suo autore? Da Albrecht Dürer a Egon Schiele, da Filippo Lippi a Frida Kahlo, questa vasta raccolta esamina i molti modi in cui gli artisti hanno ritratto sé stessi, la molteplicità delle prospettive e degli ingegnosi metodi utilizzati, nonché gli affascinanti interrogativi che questo genere artistico solleva.

Per Marc Chagall (1887–1985) la pittura era un intricato arazzo di sogni, fiabe e tradizioni. Il suo linguaggio visivo immediatamente riconoscibile, spesso considerato una delle prime espressioni dell'esperienza psichica, si è ritagliato una nicchia tutta sua all'inizio del XX secolo. Le tele di Chagall si caratterizzano per la pennellata abbondante, i colori carichi, una predilezione particolare per il blu e un repertorio di tropi ricorrenti che comprende musicisti, galli, tetti, fiori e innamorati che si librano nell'aria. A dispetto del loro fascino etereo, le composizioni di Chagall erano spesso ricche di riferimenti complessi, e oltre a intrecciare forme e colori mescolavano le origini ebraiche dell'artista agli incontri che gli capitava di avere a Parigi, i segni di fede ai gesti d'amore e i simboli di speranza alle testimonianze di un trauma. Analizzando scene di nascita, amore, matrimonio e morte, quest'affidabile introduzione all'artista esamina le tante versioni del ricco vocabolario di Chagall. Dalle vedute della nativa Vitebsk (nell'attuale Bielorussia) ai ritratti della Torre Eiffel, questo volume ci permette di esplorare l'estetica unica di uno dei maestri moderni più facilmente riconoscibili nonché di uno degli artisti ebrei più influenti di sempre.

Nelle grandi opere del Rinascimento italiano, sotto pesanti strati di foglia d'oro e simbologie religiose, si celano messaggi clandestini, miti nascosti e verità storiche. Nonostante il linguaggio arcaico della pittura storica le renda spesso poco chiare, queste immagini possono parlarci grazie ad analisi accurate e interpretazioni di esperti. Scopriamo i capolavori dell'epoca creativa più amata grazie a questa affascinante indagine storico-artistica. Tra scene di guerra, maternità, storie d'amore e tributi alla scienza, le opere del Rinascimento italiano hanno molto da dire a chi le sa osservare. Rose-Marie e Rainer Hagen fanno proprio questo: dissezionare uno per uno i 12 dipinti riprodotti nel volume come veri detective, per offrire una finestra illuminante sul passato. Dalla Creazione di Adamo di Michelangelo alla Battaglia di San Romano di Paolo Uccello, da San Girolamo nello studio di Antonello da Messina al Ritorno di Ulisse di Pinturicchio, le opere analizzate costituiscono una variegata rappresentazione delle geniali innovazioni rinascimentali e provengono dalle più importanti collezioni del mondo, tra cui la Galleria degli Uffizi, il Museo del Prado e la National Gallery di Londra.

Per i suoi contemporanei veneziani del tardo XVI secolo, El Greco (1541 – 1614) era un artista anticonformista, dotato di un talento straordinario, ma ben deciso a intraprendere un percorso fuori dagli schemi. Durante la sua carriera, che lo vide trasferirsi da Creta a Venezia, e poi a Roma, per stabilirsi infine a Toledo, El Greco si contraddistinse per la capacità di amalgamare diverse tradizioni occidentali al fine di creare un linguaggio pittorico unico nel suo genere. L’artista cretese si distaccò fortemente dal naturalismo, rifiutandosi di creare opere ampiamente “accessibili”. Le sue opere, come Spoliazione di Cristo (1577-79), Sepoltura del Conte di Orgaz (1586-88), e Apertura del quinto sigillo dell’Apocalisse (1608-14) mostrano figure allungate e contorte, colori irreali e una rappresentazione dello spazio innovativa, tutti elementi che non ne facilitavano l’osservazione, ma favorivano altresì un’arte di grande splendore e bellezza intellettuale. Guardato con sospetto e largamente criticato quando ancora in vita, El Greco è stato rivalutato da un gruppo di appassionati ammiratori moderni, tra cui Pablo Picasso, Roger Fry e Franz Marc, pioniere del Der Blaue Reiter. Oggi l’artista è annoverato tra la ristretta cerchia di grandi maestri dell’antichità e viene considerato un caso anomalo per la sua epoca, nonché un punto di riferimento per i secoli a venire. Questa concisa introduzione analizza gli influssi e gli elementi della peculiare visione di El Greco, dalla simbologia bizantina appartenente al mondo delle icone, ai principi dell’umanesimo rinascimentale, fino ai primi approcci alla pratica concettuale.

Sin dalla sua partecipazione al gruppo New York Five, Richard Meier si è aggiudicato una commissione dopo l'altra, raggiungendo la vetta della celebrità all'interno del panorama architettonico mondiale. Dal Madison Square Garden a Shenzhen, Cina, il suo modernismo elegante e luminoso ha modellato alcuni tra gli edifici più raffinati e originali dei secoli XX e XXI. L'opera di Meier è variegata e, al contempo, di gran pregio. Durante la sua carriera l'architetto si è occupato di antichità romane (con il progetto del Museo dell'Ara Pacis), complessi balneari (Jesolo Lido Village), edifici amministrativi (Municipio di San Jose, California) e residenze private a Long Island. I tratti distintivi di Meier presenti in ogni suo progetto sono planimetrie studiate con estrema cura e l'uso intensivo di superfici bianche e vetrate. L'esterno dei suoi edifici si presenta così come una fonte luminosa, mentre l'interno appare un santuario dall'atmosfera limpida e intensa. Questa introduzione ripercorre l'intera carriera di Meier per analizzare la nascita di un architetto cult. Grazie all'abbondanza di immagini possiamo ammirare tutti i progetti più famosi, come il Getty Center di Los Angeles, nonché i lavori più recenti come l'OCT Shenzhen Clubhouse a Shenzhen e il Burda Collection Museum a Baden-Baden, in Germania.