Corraini

L'Isola dei Bambù è divisa a metà tra due popoli: a nord vivono i Ventolini, coltivatori di frutta, e a sud gli Scossoni, esperti fornai. Ma quando l'isola viene colpita da terremoti e tornado, eccoli pronti a darsi la colpa a vicenda e a diventare acerrimi nemici, fino a schierare gli eserciti. I soldati si fronteggiano e lo scontro sembra imminente: per fortuna, l'Uomo sulla Luna vede tutto dal suo posto nel cielo stellato e ha la ricetta per evitare la guerra: basterà una crostata di frutta a riportare la pace? "L'uomo sulla luna" ci ricorda che unire le risorse per creare qualcosa di buono può essere la soluzione per mettere le cose nella giusta prospettiva e trasformare una realtà senza colori in un mondo variopinto. Età di lettura: da 6 anni.

Età di lettura: da 6 anni.

"Affacciatevi alla finestra e osservate il cielo: sta piovendo? Sì? Bene (si fa per dire), è il momento giusto per sedersi sul divano, trovare una posizione comoda e leggere questo libro”. Con La grande battaglia Andrea Antinori ci racconta come a volte cercare di sconfiggere un nemico incontrollabile come la pioggia non serva proprio a niente: possiamo tentarle tutte per uscirne vincitori – barche, spugne, cappelli di ogni tipo – ma alla fine non resta che provare a conviverci e aspettare il ritorno del sole. Più fastidiosa di un orso che occupa tutta la pagina (e che i lettori di Noemi Vola, altra giovane autrice Corraini, non faranno fatica a riconoscere), refrattaria a ogni nuova soluzione escogitata e allegramente dispettosa, la pioggia continua a scrosciare ostinata tra le pagine di questo libro: una storia di impermeabili gialli, rane e grandi battaglie. Età di lettura: da 6 anni.

A cinquant'anni dal 1968, anno cruciale nella storia italiana che ancora oggi rievoca un'intera decade di lotte politiche e di profonde trasformazioni sociali, il volume Vietato vietare. Controcultura in Italia 1968-1977, a cura di Melania Gazzotti, ripercorre quella travolgente stagione attraverso uno dei suoi fenomeni più entusiasmanti: la controcultura. Il libro contiene una ricchissima selezione di pubblicazioni indipendenti, appartenenti in gran parte alla Collezione Enzo Longo e al Centro Studi Movimenti di Parma, che fotografano anni cruciali di lotte e rivoluzioni che segnarono profondi cambiamenti sociali: libri, manuali, fanzine, riviste, poster... Materiali spesso stampati artigianalmente e per questo di difficile reperibilità, che nel loro insieme permettono di ripercorrere la parabola creativa dell'editoria underground tra gli anni 1968 e 1977. I diversi aspetti di quell'esperienza, che appare così diversa dal nostro presente e per questo tanto rilevante, sono approfonditi dai testi critici: Luca Falciola offre un inquadramento generale del periodo; Melania Gazzotti racconta le riviste come strumento di diffusione della controcultura; Kevin Repp si sofferma sulle vicende della pubblicazione di Re Nudo; il contributo di Duccio Dogheria è dedicato ai manuali alternativi, mentre quello di Michele Mordente al fumetto; Claudia Salaris mette in luce l'intreccio tra avanguardia diffusa e politica che ha connotato il movimento del '77; Pablo Echaurren, uno dei protagonisti di quegli anni, ne offre una rievocazione in prima persona.

Secondo la credenza giapponese degli tsukomogami, gli oggetti con più di cento anni d'età possiedono un'anima: qualcosa di simile accade con l'argenteria di Palazzo d'Arco a Mantova, che restituisce i ricordi di un vivace passato e rivela tra i suoi riflessi lo "spirito delle cose". Un tesoro di famiglia trasmesso in eredità di generazione in generazione, fino all'ultima discendente, la contessa Giovanna d'Arco Chieppio Ardizzoni, marchesa Guidi di Bagno, che istituì la Fondazione d'Arco. Il libro a cura di Francesca Rapposelli presenta, attraverso contributi saggistici e schede tecniche, una ricca raccolta di oggetti in argento che risalgono prevalentemente al Settecento e all'Ottocento: per ricostruirne il passato sono stati ricomposti servizi, individuati gli stemmi e i monogrammi e analizzati i punzoni impressi sugli argenti, effettuando uno studio accurato sugli esemplari e negli archivi di Palazzo d'Arco. Gli approfondimenti tematici a cura di Caterina Davì, Elena Piazza, Francesca Rapposelli, Chiara Rubini, Rodolfo Signorini, Silvia Tosetti e Nicola Zanotti, accompagnati dalle splendide fotografie di Federica Bottoli, ci fanno riscoprire le abitudini quotidiane legate a questi oggetti, che oggi rivivono nella loro funzione originaria come può accadere solo in una casa museo. L'argenteria diviene così la testimonianza di un universo scintillante che dalla tavola imbandita si riversava in tutti gli ambienti domestici: dalla toilette allo scrittoio, dal fumoir fino al pasto più informale al ritorno dalla caccia - consuetudine, questa, alle origini del brunch. Un racconto di un'altra epoca custodito in un volume con dettagli preziosi, dalla copertina con fustella e lamina argento alla carta di due diversi tipi nell'interno.

Esponente dell'Art Brut in Italia e riferimento visivo ancora tutto da scoprire, Carlo Zinelli (1916-1974) è un artista dirompente, lontano da ogni movimento precostituito: le sue opere mescolano elementi del quotidiano con visioni oniriche, a tratti magiche, e ci sorprendono per la loro grandissima attualità. Il volume Carlo Zinelli. Visione continua - Continuous Vision, a cura di Luca Massimo Barbero, presenta un corpus di lavori realizzati tra 1958 e il 1970 e appartenenti alla Collezione della Fondazione Cariverona: opere in maggioranza bifacciali riprodotte fronte-retro anche nel libro, rispettando così una delle particolarità del modus operandi di Zinelli. I saggi di Luca Massimo Barbero e Lorenza Roverato approfondiscono l'opera di questo artista ancora segreto, dalla vicenda biografica particolare: dopo la partecipazione alla guerra civile spagnola, Carlo fu ricoverato nel manicomio di San Giacomo della Tomba con diagnosi di schizofrenia. La sua opera però prescinde dalla malattia, e va liberata dalla gabbia dell'arte terapeutica: Zinelli è un artista a tutti gli effetti, con uno stile che ribadisce in maniera pionieristica il valore dell'immagine come veicolo di libera espressione, mosso - seppur inconsapevolmente - dallo stesso spirito di innovazione delle avanguardie.

Il graphic design italiano ha influenzato e continua tuttora a influenzare il settore visivo e culturale, anche oltreoceano: alla storia e alle conquiste dei designer italiani che hanno vissuto e lavorato negli Stati Uniti è dedicato Italian Types. Graphic Designers from Italy in America, a cura di Patricia Belen, Greg D'Onofrio e Melania Gazzotti. Dall'arrivo di Fortunato Depero a New York nel 1928 al lavoro svolto da Unimark International tra il 1950 e il 1970, l'entusiasmo dei grafici italiani attivi negli Stati Uniti, così come il loro approccio alla sperimentazione, ha conquistato clienti di rilievo, offrendo loro l'opportunità di creare progetti iconici. La pubblicità, i poster, le riviste, gli album, le copertine dei libri e i progetti di corporate identity presentati in Italian Types offrono una panoramica dei risultati ottenuti dagli italiani nel campo del graphic design in America, esplorando il loro linguaggio grafico unico. Ai contributi inediti di Steven Heller, Greg D'Onofrio e Patricia Belen, Alessandro Colizzi e Alexander Tochilovsky, che approfondiscono il tema da diversi angoli prospettici, si affiancano i profili biografici e alcune opere rappresentative del lavoro di Fortunato Depero, Paolo Garretto, Costantino Nivola, George Giusti, Leo Lionni, Albe Steiner, Roberto Mango, Romaldo "Aldo" Giurgola, Erberto Carboni, Giovanni Pintori, Bruno Munari, Franco Grignani, Bob Noorda, Giulio Cittato, Heinz Waibl e Massimo Vignelli. Un racconto che restituisce l'unicità e la ricchezza di un mosaico di esperienze diverse, i cui esiti abbiamo ancora oggi sotto gli occhi. Il volume è pubblicato in collaborazione con l'Istituto Italiano di Cultura di New York, che ospita la mostra omonima dal 21 marzo al 2 maggio 2019.

Artista italiano internazionalmente riconosciuto, Maurizio Nannucci (Firenze, 1939) si distingue per il suo approccio aperto e permeabile all'arte e per le sue pratiche che coinvolgono occhio e mente, percezione visiva e processi cognitivi. A partire dalla metà degli anni '60, Nannucci esplora la complessa relazione tra arte visiva, linguaggio, spazio interno e contesto urbano, concentrandosi su temi di grande rilevanza sociale, e crea il suo personale corpus di opere traendo ispirazione dai paradigmi linguistici e concettuali. Alla ricerca delle risposte che l'arte può dare a un mondo in continuo mutamento, Nannucci ha sviluppato una pratica artistica interdisciplinare che inaugura una nuova modalità olistica di fare e guardare l'arte, con riferimento ai segni linguistici, al colore e alle strutture spaziali. Dagli anni '60 a oggi, Nannucci ha usato una grande varietà di media: neon, fotografia, video, suono, libri d'artista, multipli ed edizioni.

Ispirato a una storia vera vissuta dall'autrice e dai suoi bambini, il libro di Suzy Lee racconta l'incontro indimenticabile con un cane nero in cerca di una casa. River viene salvata e accolta con amore: diventa una compagna di giochi e avventure, che prendono vita sulla carta attraverso linee semplici e immediate. Il bianco delle pagine lascia spazio all'immaginazione del lettore, che fin da subito si trova immerso nella storia di River e nel suo modo di vedere il mondo: ci tuffiamo con lei nella neve (o in un mucchio di foglie), entriamo a far parte della famiglia, e attraverso il suo punto di vista sperimentiamo la felicità e l'amicizia, ma anche l'attesa e la nostalgia. In un formato che ricorda quello di un diario, "River" traccia un racconto intimo e personale, fatto di immagini e di parole: una novità rispetto ai precedenti silent book pubblicati da Corraini. Ritroviamo le caratteristiche che rendono unico lo stile di Suzy Lee - l'intensità del bianco e nero, la presenza a sorpresa del colore, l'essenzialità dei tratti e l'importanza dello spazio "vuoto" - e che qui hanno la spontaneità e la forza di un'esperienza vissuta in prima persona. Il racconto diventa così anche un modo per affrontare il distacco, per far durare nel tempo un legame che non si vuole dimenticare. Età di lettura: da 5 anni.

Vi immaginate come ci si può sentire a precipitare lontanissimo da casa, per di più finendo proprio sopra un cactus? È quello che accade al piccolo alieno blu protagonista di "Da qui a Molto Lontano", che si ritrova nel bel mezzo di un giardino e attira subito gli sguardi di un gruppo di insetti riuniti per la Festa di Primavera. Per sua fortuna, si tratta dei meravigliosi Giardini di Castel Trauttmansdorff a Merano, perfetti da esplorare per ingannare la nostalgia di casa. Dopo una giornata di scoperte, anche l'alieno stupisce i suoi nuovi amici con un segreto, quando al calar della sera rivela che basta accendere un fiammifero per iniziare a raccontare storie a non finire. Un racconto dopo l'altro, la mancanza di Molto Lontano si fa sentire: come può l'alieno tornare al suo pianeta? Come arrivare tanto in alto? Forse la risposta - come spesso accade - si trova in biblioteca. Noemi Vola ci fa entrare in un coloratissimo mondo di creature molto piccole e piante straordinarie, mostrandoci i tanti modi di scoprire le cose vicine a noi, e di partire per luoghi lontani. Età di lettura: da 6 anni.

C'è la fila per andare al supermercato, dal dottore, in piscina, al cinema, dal fornaio. E ce ne sono molte altre, tutte da scoprire. Dove andranno quelle persone con un animale al guinzaglio? E quelle tutte vestite di nero? Appassionato di navicelle spaziali, creature fantastiche, personaggi immaginari e macchine super veloci, Luca Boscardin crea progetti che stimolano la creatività e li trasforma in giocattoli e libri per bambini: in "Tutti in fila" racconta (a grandi e piccoli) i tanti momenti in cui siamo in fila, tra chi è insofferente, chi in ritardo, chi cerca di superare tutti, chi si annoia e chi fa conoscenza con il vicino. Una serie di ritratti ironici di momenti comuni in cui è facile riconoscersi, perché, che ci piaccia o no, tocca a tutti stare in fila.

Nel volume "Il design dei Castiglioni", a cura di Dario Scodeller, per la prima volta si abbraccia con un solo sguardo l'attività dei fratelli Livio, Pier Giacomo e Achille Castiglioni. Filo conduttore del libro è il rapporto di collaborazione fra i tre architetti e designer, che segnarono con il loro lavoro la storia del design italiano: i contributi inediti firmati da Dario Scodeller, Fiorella Bulegato, Elena Brigi, Daniele Vincenzi, Alberto Bassi e Alessandra Acocella si soffermano su numerosi temi, spaziando dai primi esperimenti alla creazione di progetti innovativi e oggetti divenuti icone del design. Tra le pagine, ricche di immagini d'archivio, vengono raccontati il ruolo dello Studio Castiglioni nella cultura del design, gli allestimenti per la Rai alla Fiera di Milano, il rapporto con l'imprenditoria ma anche con le avanguardie artistiche, l'importanza del "design anonimo" per la prassi progettuale. Non mancano i contributi personali di Piero, figlio di Livio, Giorgina, figlia di Pier Giacomo e Carlo, figlio di Achille, che gettano una luce familiare sui fratelli Castiglioni, raccontandone la quotidianità e sottolineando l'approccio giocoso e ironico che li accomunava.