Carlo Cambi Editore

Artista toscano di respiro internazionale, Venturino Venturi muore nel 2002. Nel 2012, in occasione del decimo anniversario e delle numerose mostre e manifestazioni organizzate per ricordarlo, esce il primo volume del suo ampissimo catalogo generale. Negli ultimi anni importanti opere di Venturi hanno trovato sedi altrettanto prestigiose, quali la Galleria degli Uffizi, il Museo degli Argenti di Firenze e il National Museum of History and Art di Luxembourg Ville. Questo, quindi, il momento giusto per affrontare anche la catalogazione generale dell'opera del maestro, frutto del lavoro dell'Archivio Venturino Venturi, ente preposto alla sua conservazione. Il volume dà conto di 400 opere tra sculture, mosaici, metalli, impronte da matrice lignea e da matrice in linoleum, ordinate secondo le tecniche esecutive e le cronologie, quando conosciute o reperibili. Molte notizie sono state reperite grazie ai cartacei consegnati a Lucia Fiaschi, direttore dell'Archivio e nipote dell'artista, da Giuseppa Venturi, la sorella di Venturino, a cui questo volume è dedicato. Le schede delle singole opere riportano titolo, data, misure, tecniche, numero di esemplari, collocazioni, numero di inventario relativo alla catalogazione in progress, che si è chiusa il 1° gennaio 2012.

Il volume presenta una raccolta quotidiana di fotografie di modelle che Man Ray aveva incontrato e frequentato, soprattutto quelle del primo periodo parigino, dal 1921 al luglio 1940, anno del ritorno in America, quando era ormai impossibile vivere nella Parigi occupata dai nazisti. Man Ray riunisce in questo album, come in un florilegio erotico, i suoi ricordi più preziosi, una specie di diario o di antologia amorosa. L'artista opera una scelta molto rigorosa tra moltissime fotografie ed è questa selezione a dare il senso più intimo e autobiografico alla raccolta. L'album, riprodotto come in originale, in pagine color avorio, copertina di cartoncino rossastro è contenuto in un cofanetto e accompagnato da un maneggevole volume in cui Janus - amico, conoscitore e critico sensibile - spiega, racconta e commenta, passo per passo, ogni sezione e ogni scelta fotografica, aprendo scrigni nella vita e nell'arte di Man Ray. L'edizione è limitata e numerata.

Il passaggio della Seconda guerra mondiale lasciò a Firenze un'eredità incandescente. Le vicende belliche resero possibile una guerra civile combattuta senza esclusione di colpi, con uno strascico di lutti che la letteratura storica ancora oggi pena a contestualizzare. Fu nell'irrequieta pattuglia degli astrattisti fiorentini che, in un arco cronologico contratto, eppure ricco di sussulti, connotato da una cronaca sincopata e a tratti infuocata, si colloca il primo tempo della vita creativa di Alvaro Monnini. All'interno di questo raggruppamento egli si guadagnò il soprannome di "lirico". La sua pittura è fresca, guidata dal ritmo, sospinta da un'energia vitale alla quale il segno riesce a dare forma e svettante capacità persuasiva.

Roberto Miniati, artista e raffinato estimatore d'arte, espone un'ampia selezione della sua recente produzione accanto ad una piccola collezione di opere dei maestri dell'astrattismo italiano da lui individuati, rendendo così omaggio alla storia e alla ricerca, così come alla continuità tra tradizione e spirito contemporaneo, tra radici culturali e sensibilità. Miniati è ispirato fin da ragazzo dalla visione delle mostre, dalla conoscenza degli artisti, dal desiderio di avere accanto a sé le opere che ama e di cui sa comprendere a fondo la poesia, per alimentare la propria ricerca espressiva con l'esempio e la riflessione sui grandi modelli: dai pionieri dell'avanguardia europea agli americani, fino alle straordinarie personalità italiane del secondo dopoguerra. Nei quadri di Miniati si legge la consapevolezza di tutti i fondamenti della pittura astratta, dalla composizione al ritmo, dall'accordo cromatico al segno, dalla forma ripetuta al possesso del rapporto tra spazialità e superficie, ma non si trovano repliche di altre opere.

Roberto Miniati, artista e raffinato estimatore d'arte, espone un'ampia selezione della sua recente produzione accanto ad una piccola collezione di opere dei maestri dell'astrattismo italiano da lui individuati, rendendo così omaggio alla storia e alla ricerca, così come alla continuità tra tradizione e spirito contemporaneo, tra radici culturali e sensibilità. Miniati è ispirato fin da ragazzo dalla visione delle mostre, dalla conoscenza degli artisti, dal desiderio di avere accanto a sé le opere che ama e di cui sa comprendere a fondo la poesia, per alimentare la propria ricerca espressiva con l'esempio e la riflessione sui grandi modelli: dai pionieri dell'avanguardia europea agli americani, fino alle straordinarie personalità italiane del secondo dopoguerra. Nei quadri di Miniati si legge la consapevolezza di tutti i fondamenti della pittura astratta, dalla composizione al ritmo, dall'accordo cromatico al segno, dalla forma ripetuta al possesso del rapporto tra spazialità e superficie, ma non si trovano repliche di altre opere.

Un artista profondamente radicato nella pianura come Emilio Mattioli ha scelto il nitore come cifra stilistica della sua pittura: una pittura antica, lenta e puntigliosa, che egli ripete nel tempo, tornando con un'attenzione da entomologo sulle cose (frutti, verdure, oggetti, frammenti di carta), sempre composte in nature morte essenziali, in combinazioni di volumi che non conoscono penombra, ma giocano al trompe-l'oeil. Uno sguardo analitico e cristallino, che ama impossessarsi soprattutto del paesaggio rurale, spingendosi in lontananza per definire la foglia immobile, la spiga, la tegola sbrecciata sul casale, come avrebbe fatto un pittore fiammingo ancora indifferente alle seduzioni della prospettiva leonardesca.

Oliviero Rainaldi lascia molto di non svelato, di dolorosamente non specificato, poiché egli scolpisce e dipinge figure velate di mistero. Mentre rimangono mute, le sue opere tenuamente scolpite e i suoi corpi vaporosi sulle tele e sulla carta sanno rivelare segreti. La riservatezza è un tesoro ricco di allusioni all'arte e al pensiero del passato. Egli assorbe e reinterpreta queste fonti in lavori che sottilmente esprimono stati complessi della mente, reindirizzano le lotte interiori verso la superficie delle sculture e dei dipinti. Se chiediamo al Maestro Rainaldi: "Perché Lei è uno scultore?"; egli risponde: "Perché la scultura è il miglior commento che un pittore può fare sulla pittura".

La fotografia di Angela Chiti segue una traiettoria sensibile dello sguardo, depura costantemente le immagini dalla loro struttura apparente per mostrare un'identità altra, celata dal suo stesso mostrarsi, che rivela la materia recondita del conoscere. I soggetti delle opere sono allora dettagli, ombre, particolari di forme tratte da immagini che ci circondano con la loro esplicita visibilità. Gli scatti dimostrano una profondità di visione straordinaria: i dettagli colti nelle loro sfumature creano un senso di movimento; i colori sottratti alla realtà, i giochi di luce, le misteriose angolature elevano l'arte di Angela Chiti ad una poesia fotografica. L'artista, originaria di Sesto Fiorentino, espone nella sede della Provincia di Firenze, inserendo le sue fotografie nelle sale dell'edificio cinquecentesco, in un sempre più vivo contesto espositivo di arte contemporanea.

Gioni David Parra è un artista che non può rimanere indifferente al proprio momento storico e, anche per questo, instaura una relazione personale con l'hic et nunc, il qui e ora, attraverso proposte creative che ci invitano a riflettere e a prendere precise posizioni. Alcuni dei suoi ultimi lavori prendono in considerazione i corto circuiti dell'economia globale, l'assenza di comunicazione, l'individualismo e l'isolamento procurato dalle insicurezze e dai social media. Il suo codice espressivo parte dall'utilizzo di materie prime, di oggetti di recupero, dando origine a composizioni realizzate con pietre, resine, plastica, pigmenti, ferro, legno, sabbia, carbone, argilla e cemento. Parra sperimenta la vanità delle passioni, delle ambizioni, dei sentimenti guardando senza illusioni alla storia dell'uomo e al suo presente. In opere come Human economy, Medusa, Moon voice, Face off e S.P.R.E.A.D., l'ironia non si manifesta come un dono, ma come una feroce conquista, come un'arma che si esercita in nome e per conto di un risentimento morale che distrugge i luoghi comuni e annienta l'arrogante retorica dei codici artistici contemporanei, sempre più scontati e prevedibili.

Ampia selezione di dipinti realizzati tra la seconda metà del XIX e i primi decenni del XX secolo da autori individuati su tutto il territorio italiano, con particolare attenzione per i toscani, rappresentativi di quella peculiare sensibilità per la luce sviluppatasi nell'ambito della ricerca macchiaiola e nel clima figurativo che ne fu in seguito influenzato. Tra i nomi personalità già ampiamente storicizzate come Boldini, Cabianca, Cappiello, Chini, Fattori, Ghiglia, Mancini, Michetti, Nomellini, Pasini e numerosi "piccoli maestri" da riscoprire. Un viaggio nei colori della terra e del mare, tra pascoli, spiagge e pinete, nei paesaggi sinceri e incantati di un'Italia senza tempo. Un percorso intimo nel quotidiano, sotto il sole che illumina il lavoro degli umili, tra contadine, pescatori, butteri o nella penombra silenziosa degli interni borghesi, tra fiori recisi e ritratti pacati: immagini di un passato distante, eppure ancora familiare, spesso custodite dal collezionismo privato, in cui la ricerca visiva contemporanea sa ancora riconoscere le radici della propria storia.