Skira: Arte moderna. Cataloghi

Sfogliare da adulti i libri che si sono letti da bambini può portare emozioni, ricordi, un po' di nostalgia. Oppure si possono riprendere in mano con un occhio diverso: con lo sguardo dello studioso che analizza i testi, interrogandosi sulla fortuna imperitura di alcuni e sulla caducità di altri; che indaga su autori più o meno celebri; che ricostruisce la storia di collane e sigle editoriali attraverso le quali si è diffusa la letteratura per l'infanzia; che valorizza la bellezza di disegni inizialmente destinati a un pubblico infantile e invece capaci di suscitare l'ammirazione di tutti. Forse occorrerebbe unire i due possibili percorsi: quello che fa tornare all'infanzia, e quello che invita ad approfondire lo studio. È quanto cerca di suggerire questo volume, che vuole offrire scritti brevi, ma con numerose sollecitazioni critiche, e, soprattutto, proporre tante immagini: quelle dei libri che hanno accompagnato bambini e ragazzi per oltre un secolo, in Italia come in Inghilterra, in Francia, in Russia.

La Collezione Pérez Simón ha sede a Città del Messico ed è una delle raccolte artistiche private più importanti dell'America Latina. La Collezione venne iniziata all'inizio degli anni settanta del Novecento e, soprattutto negli ultimi decenni, ha riunito un notevole numero di opere d'arte comprendente dipinti, sculture, opere grafiche e altri oggetti artistici. In questo volume la Collezione viene presentata per la prima volta al pubblico europeo, attraverso 57 dipinti attentamente selezionati e che abbracciano un arco di tempo piuttosto vasto a partire dal XIV secolo, con opere della scuola italiana, per terminare con il XX secolo, uno dei punti di forza della collezione messicana. Sono raccolte opere di Luca Cranach il Vecchio, Pieter Bruegel II, Rubens, Anton van Dyck e Canaletto. Forte il nucleo dei pittori impressionisti e post-impressionisti come Pissarro, Monet, Gauguin e van Gogh.

Partendo dalle opere di autori come Antonio Fontanesi, che hanno fortemente influito, già nel corso della seconda metà del XIX secolo, sull'ambiente locale, si passa a evidenziare lo stretto rapporto tra il territorio lomellino e la produzione pittorica di Giuseppe Pellizza da Volpedo e Angelo Morbelli, la cui attività rivela un legame profondo sia con il mondo culturale e artistico vigevanese, evidente soprattutto nel primo, che con la raffigurazione, emblematica nel caso di entrambi, dei luoghi, l'ambiente e le condizioni di vita dei lavoratori della zona. A esse sono state affiancate opere di autori, quali Pompeo Mariani, Luigi Steffani e Clemente Pugliese Levi (per questi ultimi, con raffronti attraverso riproduzioni), che hanno dedicato parte della loro produzione pittorica alla raffigurazione del paesaggio locale, insieme ad altri che hanno operato in queste zone e che hanno in vario modo illustrato il mondo rurale e le atmosfere a esse collegate e ispirate, le cui opere si conservano nei musei civici di Vigevano (Felice Truffa, Ambrogio Raffele, Ferdinando Bialetti, Casimiro Ottone, Luigi Bocca, Silvio Santagostino, Eugenio Spreafico). Si sono poi aggiunti dipinti appartenenti a varie collezioni pubbliche e private, alcune delle quali (è il caso di Fontanesi, Pellizza e Morbelli) rintracciate in occasione della presente rassegna e di cui non si avevano notizie da tempo.

Un importante riepilogo dell'attività di Paolo Annibali, attraverso le opere più significative, di carattere religioso e laico. Il catalogo include sia le opere sacre, allestite presso la Palazzina Azzurra sul lungomare della città di San Benedetto del Tronto,sia trenta sculture di carattere laico esposte presso Palazzo Piacentini, nel cuore del vecchio "Paese Alto". In entrambe le sedi sono presentati al pubblico i bozzetti, le elaborazioni e gli studi effettuati dall'artista per giungere all'opera proposta, offrendo un'esaustiva lettura di tutta la produzione dello scultore. Annibali narra storie quotidiane, consueti meccanismi che accompagnano l'uomo nell'avvicendarsi delle ore. I materiali usati esprimono i sentimenti di una giornata qualunque, le scansioni di un senso del dovere che rende l'opera una coraggiosa accettazione del proprio destino. Lo scultore riflette e invita a riflettere, scegliendo la terra e il cielo per comprimere i suoi lavori: uno spazio teso tra l'oggi e il domani. La mostra è a cura di Flaminio Gualdoni, che si è occupato della sezione riguardante le opere laiche e del Mons. Carlo Chenis, che ha seguito la parte sacra.

Unendo le loro vite e il loro ingegno in un'unica indissolubile entità, Gilbert & George hanno scelto di creare un'arte capace di parlare della vita invece di produrre un'arte puramente fine a se stessa. Dai loro esordi, nel 1967, i due artisti hanno perseguito nel loro intento e hanno esplorato ogni aspetto della condizione umana. Potenti, sincere, scomode, ironiche e tragiche, le loro opere costituiscono uno tra gli insiemi più lucidi e coerenti della storia dell'arte contemporanea. All'inizio compiono le sperimentazioni più audaci, dopodiché individuano la formula delle "photo pieces" destinata ad avere tanto successo tra humour, body art e narcisismo estetizzante e, infine, sviluppano un metodo di lavoro che applicano a ogni opera. Ciascun nuovo gruppo di opere dal contenuto provocatorio e violento è concepito come un corpus logico e coerente costruito attorno a un tema o motivo. Ricercare, ideare, progettare, esporre, pubblicare, discutere, documentare e archiviare sono tutti elementi di una stessa pratica - o meglio di una "esistenza" - integrata e coerente, dal momento che l'arte di Gilbert & George coincide con la loro vita e viceversa.

Richard Estes è noto internazionalmente come uno dei fondatori dell'iperrealismo e uno dei protagonisti della pittura contemporanea americana.Nato a Kewanee, Illinois, il 14 maggio 1932, è il cantore della metropoli americana, il sottile indagatore dell'evoluzione del paesaggio urbano, la cui storia potrebbe agevolmente essere ricostruita attraverso i suoi dipinti (sul catalogo compaiono dipinti di Venezia, Firenze, Barcellona, Cordova, Hiroshima), ma è anche attento a altre realtà, come i paesaggi, per esempio, in cui la natura incontaminata dispiega la sua forza (l'imponente Machu Picchu, le vibrazioni luminose del mare visto da un traghetto sulle coste del Maine). Le sue opere rivelano il suo rapporto con la tradizione delle "vedute" di Canaletto, Guardi e Bellotto, l'influenza di maestri americani quali Thomas Hart Benton, Edward Hopper e Charles Sheeler testimoni della solitudine moderna e del conflitto tra uomo e natura - e la sua attenzione alla fotografia di Eugene Atget, Walker Evans e Berenice Abbott. La mostra di Palazzo Magnani a Reggio Emilia - che approda in giugno 2007 al Museo Thyssen di Madrid - è la prima esposizione personale dell'artista americano in Europa.

Il libro racconta la trasformazione del vecchio Forno del pane di Bologna nella nuova sede del Museo d'arte Moderna. Le fotografie qui contenute sono il racconto di ciò che via via si è determinato in questo luogo in trasformazione ed è quindi scomparso, inghiottito dal procedere dei lavori; ciò che la costruzione, nel suo divenire, progressivamente e involontariamente, ha fornito ad uno sguardo attento, la messa in evidenza della continua ed effimera formazione d'istallazioni.

"È una raccolta di ampio respiro delle opere dei più significativi esponenti dell'arte incisoria che unisce nomi di assoluta rilevanza internazionale (Picasso, Braque, Chagall, Kandinsky, Sutherland, Poliakoff, Mirò, Dalì, Moore, Bacon, Hartung, Tàpies, Fontana) con il contorno di altri, magari di apparente minor risonanza, ma altrettanto validi, unitamente ai maggiori rappresentanti del panorama italiano con le ultime mie scoperte di Gian Carlo Vitali e della sua vitalistica vena espressionista, del silenzioso panismo di Livio Ceschin, delle zoomate di puntasecca di Andrea Boyer e della rievocazione di un mondo perduto in Girolamo Battista Tregambe." (dal saggio introduttivo di Tino Gipponi)