Skira: Archivi dell'arte moderna

Fra i più originali artisti contemporanei e affermato protagonista della scena internazionale, Mimmo Paladino ha dato vita a un linguaggio personale che si è rigenerato attraverso una visione a tutto tondo dell’esperienza creativa, tanto da poter dichiarare nel 1985: “All’artista non bastano più i soli pennelli. Una sorta di arte totale è necessaria proprio alla luce di tutti i tentativi che sono stati già fatti”. L’analisi storico-critica compiuta da Germano Celant sulla sua opera, dal 1963 a oggi, identifica il suo contributo al rinnovamento della pittura che, dopo essersi allargata all’ambiente, si è tradotta in fotografia e scultura, architettura e cinema, lirica e teatro. Il libro è introdotto dal saggio storico-critico di Germano Celant ("Le costruzioni di Mimmo Paladino"), seguito da una "Cronologia" (di Germano Celant e Diletta Borromeo) che attraversa l’intero percorso biografico e artistico di Mimmo Paladino e comprende un insieme iconografico corredato dalle sue dichiarazioni poetiche. A tale complesso e ricco materiale seguono, alla fine del volume, gli "Apparati", costituiti dagli elenchi di "Esposizioni e progetti speciali, Bibliografia di e sull’artista".

Il catalogo ragionato dell'opera su carta di Lucio Fontana (Rosario de Santa Fé, 1899 - Varese, 1968) rappresenta la più completa e avanzata pubblicazione esistente su questo fondamentale aspetto dell'opera dell'artista, uno dei massimi protagonisti delle vicende artistiche del XX secolo. Curato da Luca Massimo Barbero, ordinato cronologicamente e suddiviso secondo le diversificate tipologie operative che si riscontrano entro l'amplissima attività creativa dell'artista, costituisce un nuovo punto di vista privilegiato e largamente inedito per percorrere a tutto tondo l'intero sviluppo dell'opera fontaniana. La sperimentazione su carta è infatti per Fontana il luogo d'elezione in cui si misura la ricchezza e la novità della sua ispirazione. Tramite l'opera su carta l'artista verifica continuamente le sue intuizioni, nella fase germinale e poi risolutiva delle sue scoperte sia formali che concettuali. Frutto del monumentale lavoro di archiviazione e di documentazione d'autenticità della Fondazione Lucio Fontana, il catalogo ragionato, realizzato in collaborazione con Nini Ardemagni Laurini e Silvia Ardemagni, ripercorre quattro decenni di attività creativa dell'artista, intrecciando in parallelo i suoi percorsi di ricerca.

Articolato in due tomi, il Catalogo ragionato di Enrico Castellani offre un resoconto inedito sui primi cinquant'anni di lavoro dell'artista. Il primo volume comprende oltre 200 immagini di opere realizzate a partire dal 1958 sino a oggi, molte delle quali inedite. Le pitture iniziali, la sua prima superficie a rilievo e alcune delle successive, i dittici, i trittici, i baldacchini e gli angolari, le opere atipiche, gli ambienti e le installazioni... una selezione di immagini che permette di accedere all'universo creativo dell'artista. Introdotto da un lungo saggio di Bruno Corà, che analizza la totalità del percorso creativo di Castellani e svela alcuni degli aspetti più intimi e seducenti che lo caratterizzano, e da uno scritto di Marco Meneguzzo che inquadra l'importanza e il carattere internazionale dell'opera, il primo tomo si presenta come una monografia sull'artista e contiene i principali scritti redatti da Castellani (teorici, polemici, politici) e una selezione di scatti che costituiscono una sorta d'insolita biografia per immagini. Il secondo volume, ordinato cronologicamente, costituisce il catalogo ragionato delle opere e ripercorre i primi cinque decenni di lavoro di Castellani che, coinvolto in prima persona in questa fondamentale ricognizione, ha preso in esame tutti i documenti e le immagini pubblicati.

Questo primo tomo del Catalogo ragionato dell'opera di Giuseppe Capogrossi (Roma 1900-1972) a cura di Guglielmo Capogrossi e Francesca Romana Morelli, raccoglie in maniera esaustiva la ricerca del pittore fino al 1949, ovvero fino alla nascita del segno, con le opere esposte alla Galleria del Secolo a Roma nel gennaio 1950. Prendendo avvio dalle prime prove pittoriche intorno al 1920, il Catalogo documenta, in maniera approfondita, con numerosi inediti e opere finora disperse, il percorso di acquisizione di una propria personale identità figurativa che ha portato Capogrossi ad essere una delle figure di maggiore rilevanza nell'ambito della Scuola romana e più in generale italiana, fino al diretto confronto con la cultura parigina degli anni Trenta del secolo scorso. Non meno importante è il successivo periodo, iniziato alla fine dello stesso decennio, quando l'artista avverte la necessità interiore di sperimentare nuove strade per il suo linguaggio: "Al principio ho usato immagini naturali, paragoni o affinità derivate dal mondo visibile dichiarerà più tardi Capogrossi - poi ho cercato di esprimere direttamente il senso dello spazio che era dentro di me e che realizzavo compiendo gli atti di ogni giorno". Nel secondo dopoguerra, infatti, questa sua esigenza raggiunge a poco a poco il culmine con un gruppo di opere che rielaborano i moduli figurativi in una direzione sempre più astratta fino alla invenzione del suo famoso "segno" .

Il volume è un catalogo generale ragionato dedicato all'opera di René Paresce (1886-1937), protagonista degli Italiens de Paris, il gruppo di italiani residenti a Parigi formato da De Chirico, De Pisis, Severini, Campigli, Tozzi, Savinio e lo stesso Paresce. Figura singolare nella storia dell'arte italiana e francese tra gli anni Venti e Trenta, René Paresce è stato, nell'ultimo decennio, al centro di una rivalutazione storico-critica, in seguito al ritrovamento di opere inedite, riscoperte da Rachele Ferrario, curatrice dell'Archivio Paresce e di questo stesso volume. Le opere di Paresce godono di un collezionismo raffinato e sono conservate presso importanti e prestigiose collezioni: Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma, Casa Museo Boschi Di Stefano, Milano, Museo del Novecento, Milano, Raccolta della Banca d'Italia, Collezione Alberto della Ragione - Musei Civici Fiorentini Collezione del Novecento, Stedelijk Museum, Amsterdam, e raccolte private italiane, francesi, svizzere, tedesche e spagnole.

L'opera, articolata in tre tomi, costituisce la maggiore monografia sulla pittura di Sergio Vacchi (Castenaso, Bologna, 1925; vive nel Castello di Grotti, presso Siena). Il primo volume è interamente dedicato a un assai ampio saggio introduttivo storico-critico (accompagnato da una ricostruzione della fortuna critica, a cura di Paolo Campiglio), e alla biografia dell'artista. Negli altri due tomi le schede catalogiche, iconiche, tecniche e storiche, disposte cronologicamente ma raccolte in 21 capitoli, documentano nel loro divenire i molteplici aspetti di un'originalissima avventura visionaria. Ciascun capitolo corrisponde infatti a un periodo o a uno o più dei numerosissimi cicli immaginativi nei quali, lungo sessant'anni d'attività, si è venuta configurando la pittura di Vacchi, sempre fortemente attestante una passionale volontà di presenza nella realtà più profonda del proprio tempo.

A completamento della catalogazione del Corpus dell'Opera Pittorica di Carmelo Zotti (Trieste 1933 - Treviso 2007), questo secondo volume del Catalogo Generale analizza i più maturi sviluppi dell'artista nelle sue caratteristiche sintesi figurative d'accento mitico e visionario. La raccolta e l'ordinazione cronologica di oltre 1000 opere consentono di seguire puntualmente il percorso artistico di Zotti tra il 1980 e il 2007: dall'esame e dalla considerazione del vasto insieme delle opere emerge chiaramente la metamorfosi di un fare pittorico sempre più mosso, e un crescente interesse verso tematiche più intime e familiari - gli infiniti aspetti dell'eros e della convivenza, il desiderio, l'affetto, le reciproche offerte, i dinieghi e le provocazioni, le schermaglie e le noie, le tentazioni, in un continuo gioco di corpi, di sentimenti, di atmosfere e di sguardi. Allo stesso tempo, il mito continua a sussistere e a permeare queste nuove immagini, che nonostante il loro apparente avvicinarsi alla visione comune acquisiscono un senso di sospensione e di mistero.

Esito dei decennali studi di Paola Mola e delle ricerche archivistiche di Fabio Vittucci, il Catalogo è anche una lunga riflessione storica da cui esce la sorprendente attualità di un lavoro senz'argini sulla materia fluida al suo incontro con la luce, dalle trasparenze della cera, all'oscurità del bronzo, al sottile della fotografia. Preceduto da un'introduzione di Paola Mola, il volume comprende le schede di tutte le opere (33) nel loro evolversi attraverso la serie delle varianti, da un materiale all'altro (dal bronzo al gesso, alla cera, alla fotografia), corredate da un ampio apparato di note e con fotografie originali dell'artista. Seguono le schede dei circa 90 esemplari documentati (con storia del singolo pezzo e l'elenco dei documenti che ne attestano l'autenticità), un elenco di opere originali ma giunte senza documentazione e l'elenco delle fusioni postume commissionate dal figlio Francesco e conservate in collezioni pubbliche. Chiudono il volume gli apparati comprendenti biografia, bibliografia, elenco delle fonti e indice dei nomi.

Mario Nigro (1917-1992) è stato dalla fine degli anni quaranta un autentico protagonista delle ricerche astratte internazionali. L'astrattismo dinamico di Nigro, nutrito della sua formazione scientifica e musicale, coniuga la libertà cromatica di Vasilij Kandinskij con la strutturazione geometrica di Piet Mondrian, instaurando anche, a partire dagli anni sessanta, un dialogo vitale con l'architettura. Forme elementari e colori primari, linee e intrecci di sagome sono articolati alla ricerca di uno spazio e tempo totali, in variazioni e modulazioni visuali, anticipando le riflessioni sul segno e sul colore che caratterizzeranno le tendenze radicali e Minimal dei decenni successivi. Affidato alla cura di Germano Celant, il volume rappresenta la prima ricognizione scientifica e sistematica dell'opera di Mario Nigro, arricchita da una cronologia documentaria che ne ricostruisce anche il contesto creativo. Esso ripercorre così la sua opera coerente e multiforme dal 1947, anno di maturazione del suo personale linguaggio, alla sua scomparsa. Quarantacinque anni di lavoro nei quali l'artista muta continuamente il proprio vocabolario visivo, pur restando fedele alla propria idea conoscitiva dell'arte, anticipando tendenze e linguaggi in dialogo con il panorama internazionale.