Silvana: Fotografia

Lo straordinario fervore creativo cui pervenne la fotografia tra il primo e il secondo conflitto mondiali si può senz'altro attribuire alla circolazione dinamica di persone, idee, immagini e intenti che caratterizzò questo periodo in Europa e negli Stati Uniti. La migrazione volontaria e involontaria, la formidabile diffusione di pubblicazioni su ambedue le sponde dell'Atlantico, nonché le grandi mostre che fecero dialogare tra loro le più svariate realizzazioni artistiche, contribuirono a determinare un periodo di innovazione che segnò un momento aureo nella storia della fotografia, come pure nel campo delle arti e delle lettere. Poche raccolte di fotografie catturano lo spirito immaginativo di questo momento storico come la Thomas Walther Collection al Museum of Modern Art. Questo volume testimonia la vitalità di questo capitolo della storia della fotografia, fornendo prove della brillantezza dei professionisti che si esercitarono in Europa e negli Stati Uniti nel periodo tra le due guerre.

Lo straordinario fervore creativo cui pervenne la fotografia tra il primo e il secondo conflitto mondiali si può senz'altro attribuire alla circolazione dinamica di persone, idee, immagini e intenti che caratterizzò questo periodo in Europa e negli Stati Uniti. La migrazione volontaria e involontaria, la formidabile diffusione di pubblicazioni su ambedue le sponde dell'Atlantico, nonché le grandi mostre che fecero dialogare tra loro le più svariate realizzazioni artistiche, contribuirono a determinare un periodo di innovazione che segnò un momento aureo nella storia della fotografia, come pure nel campo delle arti e delle lettere. Poche raccolte di fotografie catturano lo spirito immaginativo di questo momento storico come la Thomas Walther Collection al Museum of Modern Art. Questo volume testimonia la vitalità di questo capitolo della storia della fotografia, fornendo prove della brillantezza dei professionisti che si esercitarono in Europa e negli Stati Uniti nel periodo tra le due guerre.

I canyon e i deserti dei grandi paesaggi naturali del West americano (Grand Canyon, Monument Valley, Death Valley, Canyonlands, Canyon de Chelly) e le città minerarie fantasma della California e del Wyoming. Una cittadina del Montana le cui architetture in mattoni ricordano i quadri di Edward Hopper. I negozi di liquori, i grandi cimiteri di auto dell’Idaho, il Bronx e gli altri margini industriali di New York City. Il senso della distanza e le solitudini della frontiera selvaggia e della periferia urbana si alternano, tra luci diurne abbacinanti e notturni misteriosi. Settanta fotografie a colori intrise di nitore e nostalgia, accompagnate da brevi note poetiche come contrappunti di viaggio. Un percorso sul filo di ricordi personali che a loro volta riecheggiano opere letterarie e cinematografiche. Un’evocazione per immagini e parole di alcuni topoi americani, primo fra tutti il mito intramontabile del viaggio “on the road”.

Il volume, edito in occasione della prima antologica a lei dedicata in Italia, ripercorre la fortunata opera di Lisette Model, artista di origine austriaca che ha avuto grande rilievo negli sviluppi della fotografia degli anni cinquanta e sessanta del secolo scorso. Parallelamente all'attività di insegnamento – ebbe fra i suoi allievi autori poi divenuti celebri come Diane Arbus e Larry Fink – Lisette Model è stata una fotografa ironica e dissacrante, capace di cogliere nei suoi scatti gli aspetti più grotteschi della società americana del dopoguerra. Accanto alle serie più note – come Promenade des Anglais composta a Nizza, o le fotografie dedicate agli abitanti di New York o quelle, molto suggestive, nei locali jazz – il volume propone progetti meno conosciuti, che rendono conto del suo linguaggio personale e irriverente. Le inquadrature ravvicinate, l'uso ricorrente del flash, i contrasti esasperati sono gli espedienti che l'autrice utilizza per accentuare le imperfezioni dei corpi e la gestualità sguaiata dei suoi soggetti, trasformati nei personaggi di una beffarda commedia umana: un approccio alla realtà, quello di Lisette Model, che l'ha resa precorritrice di un modo di utilizzare la fotografia che troverà piena realizzazione nei decenni seguenti.

Fotografo di moda geniale e sofisticato, artista di punta del magazine "Vogue" per ben sei decenni. Horst P. Horst, tedesco di origini ma naturalizzato americano, è diventato un riferimento per intere generazioni in questo specifico genere fotografico. Il volume, dal taglio monografico, ripercorre i principali periodi creativi di Horst, dagli esordi alle ultime realizzazioni, mettendo in luce alcuni punti salienti della sua produzione: il legame con l'arte classica che, tuttavia, non esclude le influenze delle avanguardie, in particolare surrealiste; l'indagine visiva sull'armonia e l'eleganza della figura umana impreziosita dalla perfetta padronanza dell'illuminazione della scena; la proficua e duratura collaborazione con "Vogue", rivista per la quale il fotografo ha firmato decine di copertine; i ritratti di personaggi del mondo della moda e dell'arte, spesso ambientati nelle proprie dimore, che rivelano ancora una volta le sue indiscutibili capacità compositive. Oltre 120 opere, scelte tra quelle più note dell'autore accanto a una serie di sorprendenti inediti, per conoscere il talento e la visione creativa di una delle figure di spicco della fotografia del XX secolo.

Questo volume presenta gli esiti di attività di ricerca svolte dal Dipartimento di Architettura e Studi Urbani (DAStU) del Politecnico di Milano a supporto del processo di elaborazione di dispositivi per l'indagine e la pianificazione del paesaggio in Lombardia. Un percorso di ricerca che sperimenta una sfida originale e ambiziosa: affiancare ad approcci analitici interpretativi condotti con gli strumenti dell'urbanistica e dell'analisi paesaggistica un'ampia e puntuale campagna fotografica del territorio regionale. L'indagine è indirizzata a riconoscere e individuare le fragilità più radicate e pervasive del paesaggio, esito delle modificazioni antropiche dello sviluppo novecentesco e contemporaneo, sia nei suoi interventi trasformativi sia nelle dinamiche dell'abbandono. A partire da un'analisi di ciò che la fotografia ha rappresentato nel Paese in termini di conoscenza e restituzione di un patrimonio da condividere e tutelare, il progetto fotografico mette a fuoco i fenomeni di dismissione e sottoutilizzo: di insediamenti e terreni, di luoghi dell'abitare e della produzione, di infrastrutture e impianti tecnologici. Immagini che documentano e forniscono una comprensione ampia e complessa del degrado e dello stato di sofferenza di un paesaggio sul quale vengono condotti interventi, alla piccola e alla grande scala, basati su una insufficiente conoscenza delle stratificazioni dei luoghi, delle loro relazioni e identità e delle conseguenze future delle scelte attuali. Una consapevolezza di quei valori e di quelle fragilità del paesaggio che questo volume intende mostrare e riconoscere.

Pittore, fotografo, cineasta, Paolo Gioli (Rovigo, 1942) è uno degli artisti italiani più innovativi degli ultimi decenni, soprattutto per la sua capacità di sperimentare in più campi, anche attraverso la rielaborazione dei dispositivi. "Antologica/Analogica", pubblicato in occasione di tre mostre allestite in Italia e in Cina, prende in esame i film e i lavori fotografici – polaroid, fotofinish, tele serigrafiche e tavole litografiche – realizzati nell'arco di un cinquantennio, suggerendo un percorso teorico-iconografico che ruota intorno a quattro sezioni: Natura, Corpo, Volto, Medium. Il volume, corredato da un ricco apparato di illustrazioni a colori, oltre alle schede dei film commentati dall'autore stesso e da un dettagliato regesto di tutte le opere presentate, accoglie i contributi critici di importanti studiosi di livello internazionale.

Storie fotografiche quali identità di una narrazione visiva e letteraria, i cui significati, a distanza di tempo, diventano frammenti mnemonici, forme, sguardi sul mondo, sulle nostre esistenze e le nostre esperienze. "Sulla fotografia e oltre" in questa nuova edizione racconta, attraverso un'aggiornata scelta di scritti, i protagonisti della fotografia, storie di uomini e donne, di bambini vittime di guerre, della pandemia che ha colpito il mondo e di realtà spesso sconosciute non sempre rappresentate.

Questo quaderno raccoglie gli esiti del lavoro condotto da Efrem Raimondi nel corso di un anno di attività di ISOZERO Lab, il laboratorio di fotografia da lui ideato. L'intento di questo spazio didattico è semplice quanto ambizioso: ridurre la distanza tra la visione che abbiamo e la fotografia prodotta. A misurarsi con questo obiettivo, i ventotto lavori qui documentati, che riflettono altrettanti sguardi differenti e trasversali sul mondo.

Il volume racconta e approfondisce il legame fra Gianni Berengo Gardin (Santa Margherita Ligure, 1930), uno dei più importanti e celebri fotografi italiani, e la storica azienda Olivetti di Ivrea, frutto concreto del pensiero visionario e progressista del suo fondatore, il grande imprenditore Adriano Olivetti. Nel percorso di ricerca condotto dal fotografo, dedicato all'evoluzione del paesaggio e della società italiana dal dopoguerra a oggi, il caso di Ivrea e della Olivetti occupano uno spazio rilevante, essendo stato uno tra gli autori che ha collaborato più a lungo con l'impresa piemontese. Dalla selezione inedita qui proposta, con oltre settanta fotografie d'epoca in bianco e nero, pubblicazioni e altri documenti d'archivio, emerge il valore attribuito da Adriano Olivetti sia al progetto d'architettura (industriale, residenziale, sociale) sia al sistema di relazioni che legava le persone dentro e fuori la fabbrica, grazie a un'avanzata organizzazione di servizi sociali e culturali che coinvolgeva l'intero territorio. Nelle immagini di Berengo Gardin prende forma il messaggio e l'insegnamento del fondatore dell'azienda e si offre al contempo la testimonianza di un'epoca, quasi un affresco della società e delle sue trasformazioni nella seconda metà del Novecento.

Il volume è dedicato al fenomeno della staged photography, la tendenza che a partire dagli anni ottanta ha rivoluzionato il linguaggio fotografico. Attraverso oltre cento opere, il volume racconta come la fotografia abbia saputo raggiungere tra la fine del XX e gli inizi del XXI secolo vertici di fantasia e di invenzione prima affidate quasi esclusivamente al cinema e alla pittura. Pesci rossi che invadono le stanze, cascate di ghiaccio nei deserti, città inventate, Marilyn Monroe e Lady D. che fanno la spesa insieme: tutto questo può accadere grazie a veri e propri set cinematografici allestiti per costruire una realtà parallela, oppure grazie alle nuove tecnologie e in particolare attraverso l'uso sempre più sofisticato di Photoshop, messo in commercio nel 1990. La fotografia, regno della documentazione e dell'oggettività (presunte) diventa il regno della fantasia, dell'invenzione e della soggettività, compiendo l'ultima decisiva evoluzione della sua storia. Artisti: Jeff Wall, Cindy Sherman, James Casebere, Sandy Skoglund, Yasumasa Morimura, Laurie Simmons, David Lachapelle, Bernard Faucon, Eileen Cowin, Bruce Charlesworth, David Levinthal, Paolo Ventura, Lori Nix, Miwa Yanagi, Alison Jackson, Julia Fullerton Batten, Jung Yeondoo, Jiang Pengyi.

Valentina Tamborra, fotoreporter milanese dotata di grande sensibilità, getta un particolarissimo ponte fra l’Italia e la Norvegia usando come collegamento la pesca del merluzzo. La fotografa ripercorre le tracce del viaggio compiuto nel Quattrocento dal nobile mercante veneziano Pietro Querini che, naufragato nelle isole Lofoten, scopre l’ospitalità dei pescatori e i pregi del pesce che esporterà nella sua città. La fotografa non si limita a osservare la vita di quelle isole ma indaga, studia, condivide storie, fatica, gioie in un racconto visivo che si concentra sulle persone e si allarga su stupefacenti paesaggi punteggiati dalle strutture di essiccazione dei merluzzi che il suo obbiettivo trasforma in suggestive installazioni.