Zacinto

«La bussola del design in poesia offre gli strumenti per interpretare il mondo del progetto, un luogo nebuloso e affascinante come può essere la brughiera alle prime ore del mattino, quando il tepore della terra ricopre l'umido manto erboso della sua fitta e prolifica rugiada. Come goccioline, i giochi di parole di Schianchi irrorano la sensibilità del lettore, innaffiano i semi che nel corso della sua formazione ha ben riposto sotto le zolle dello studio, con la speranza che germoglino al meglio. La forza evocativa data dagli accostamenti delle parole permette di trascendere il significato letterale, facendoci immergere in una stratosferica galassia di riferimenti e sentimenti in cui ognuno è reclamato a definire un proprio percorso. Come accade a ogni buon giardiniere, le cure attente vengono rivolte a tutti, ma i risultati restano imprevedibili e incerti. Citando l'autore, "molti vanno nei boschi alla ricerca dei funghi, altri in cerca degli gnomi"» (dalla Prefazione di Tommaso Salvatori).

«Il titolo dell'ultima fatica poetica di Valter Esposito, così potentemente evocativo, è già una dichiarazione cosciente. Quell'andare al cuore delle cose, onestamente (il che è un indizio di chiarezza, della mente e dello spirito), quel moto di struggente nostalgia per tutto ciò che non può tornare; quell'acuta consapevolezza del tempo che ci sfugge, inesorabile. C'è tutto questo a connotare l'andante musicale di Valter, quella dissonanza solo apparentemente casuale tra il fraseggio corsivo e l'accentazione emotiva dei testi. Opera dopo opera, Esposito ha acquisito un'autonomia espressiva, caratterizzando i versi con le parole della vita.» (dalla prefazione di Francesca Ruth Brandes)

Sono Pulchra, perché quasi classiche, le liriche e la prosa di Maria Silvia Da Re, ispirate a un misticismo discreto delle cose, e in cui la vita ordinaria e lo straordinario si mescolano, le visioni scandiscono il vasto e la prossimità attraverso le immagini testimoni di un senso del sacro. I disegni di Jean-Luc Coudray, innovativi nel genere, arricchiscono i testi di un’interpretazione, declinandone la rifrazione degli sguardi con molti personaggi e orchestrando un punto di vista scenico sulla loro scaturigine. Sta a Elio Franzini, in La verticale e l’onda, apporre un importante e inedito sigillo al pensiero sulla creazione estetica, illustrandone, non solo in contrappunto ai testi e ai disegni di Da Re e Coudray, l’indicibile piega, e la logica immaginativa, all’origine di una simbolicità ossimorica, in cui le opere stanno alla “verticalità” della riflessione nel rapporto del primo piano allo sfondo. Poesia, filosofia e disegno rischiarano così insieme questo Libro prismatico, che nell’atto artistico trova la sua interna giustificazione.

Molte volte abbiamo mostrato tirando che la forza è la forza e che facendo meno forza all’improvviso si fa cadere qualcuno degli altri che tirano di fianco e nel mezzo c’è il peso morto che giace, posizionato in verticale, come quando era a terra, e loro anche che cadono in quel modo.

Adesso che sei immagine da ricomporre, spazio aperto (che non conservo foto o ricordo), dimentico persino il volto [e come rattrista il pensiero: sorrisi sigillati in quel santino] procedo in giro a vuoto: esercizio a mente libera: io disabitudine, memoria- ingombro: mare slabbro che non può l’incontro: tutto da rifare.

Alla domanda senza tempo “cos’è allora la musica?” qui si risponde: una via sensoriale per esperire la logica e una via logica per esperire la sensorialità. Il sottotitolo è programmatico: antidoti, vie d’uscita dalla selva di cliché, preconcetti e luoghi comuni sulla natura dei rapporti tra musica e linguaggio che, pretendendo d’illuminarli, ne offuscano realtà e orizzonti. A partire dal refrain secondo cui la prima sarebbe un “linguaggio universale”. Spargendo su ali effimere la polvere magica dell’esperienza di un tempo conchiuso e trascendente, la musica innesca l’amplesso ancestrale tra Krónos e Kairós, al quale assistiamo come bimbi ruzzolati di notte nella stanza dei grandi, o ci azzardiamo a partecipare come adulti meravigliati nell’eclissi del lógos.

"Ho deciso di restare a letto a piangere fino a mercoledì."

Mentre le luci scivolavano in fuga, distese la mano nella tasca, la tirò fuori così, senza pensarci, contò le dita e si disse – questa è una mano su cui si può contare –.

Chi sono? Chi siamo? In un caleidoscopico avvicendarsi e sovrapporsi di personaggi, dialoghi e piani narrativi, vengono qui messi in scena, come in una pièce teatrale, frammenti di vita – o meglio, di sette vite – che si interrogano su cosa sia e come si raggiunga l’Uno. In un inestricabile gomitolo di pensieri assordanti e voci silenziose, a momenti di sconcertante caos interiore e assillanti dubbi sulla non esistenza, se ne alternano altri di grande lucidità e profondità intellettuale, in cui chi parla si abbandona a rivelatrici riflessioni filosofiche: a volte, è il punto di vista del malato che può illuminare la mente di chi malato pensa di non essere ed è così che un Messia in scarpe da ginnastica insegna che serve dimenticare per scoprire, che il senso nasce dalla sua assenza e che l’ordine sta nella sua stessa impossibilità.

"Leggo sulla lapide / Sopra quel morto / Che sei tu / “Scusate se esisto” e esito / Manco ti sei accorto / Che non esisti più" Gabriele è il giardiniere del cimitero Maggiore nella periferia ovest di Milano, ogni giorno si prende cura di ciò che è in vita, dei fiori e delle piante che animano questo posto apparentemente così solitario, e con loro dialoga, così come parla con le persone che incontra, o che non ha mai incontrato. Nei loro dialoghi il tema della morte ricorre come strumento d’indagine sulla vita, sui rapporti umani, sulla memoria e diventa terreno fertile, per noi come per Gabriele, per coltivare fiori come pensieri. Il giardiniere del cimitero è un romanzo in versi, un vero e proprio crocevia tra musica e teatro, tra prosa e poesia. Groucho Marx diceva che la differenza fra la vita e un film è che la vita non ha una trama. Qui ogni morte è un film compiuto, fermo ai titoli di coda costituiti dagli epitaffi, con la sua conclusione e la sua morale.

Perché, miei cari, un laboratorio di poesia non è un’attività ovvia né banale. È un evento, un percorso, e come in tutte le avventure e nei veri viaggi si corrono dei rischi e si passa attraverso luoghi non previsti dal programma. Anche perché – sia chiaro – un programma qui non c’è mai stato. Frutto del laboratorio di poesia IULM, coordinato dal poeta Tommaso Di Dio, questo libro riunisce le opere di ventidue poetesse e poeti emergenti del panorama letterario italiano. Dallo stile originale e poliedrico, La poesia che si fa città nasce dalla volontà di ripensare la poesia come pratica collettiva, piuttosto che solitaria e individuale, volta alla sperimentazione e alla condivisione. Il risultato è una polifonia di voci, uno spaccato di poesia contemporanea, un “crocevia di discorsi, ampliamenti, polemiche, nostalgie”. Prefazione di Tommaso Di Dio Con una nota di Paolo Giovannetti