Taschen

Con il suo stile esplicito, la distorsione delle figure e il rifiuto degli standard di bellezza convenzionali, Egon Schiele (1890–1918) fu un pioniere dell'espressionismo austriaco nonché uno dei ritrattisti più stupefacenti del XX secolo. Pupillo di Gustav Klimt, Schiele si cimentò in uno sfavillante stile art nouveau prima di sviluppare la propria estetica – molto più cruda e provocatoria – di linee spigolose, colori sgargianti e figure affettate e slanciate. Prediligendo pose erotiche, esplicite o inquietanti in cui lui o le sue modelle – di volta in volta scheletriche e malaticce oppure vigorose e sensuali – si accovacciavano sul pavimento, languivano con le gambe divaricate, guardavano storto l'osservatore e spingevano i genitali in primo piano, la sua prolifica produzione di ritratti e autoritratti sconcertò l'establishment viennese con una forza psicologica e sessuale senza precedenti. Secondo molti contemporanei, oltre a essere sgradevole, l'opera di Schiele era anche moralmente riprovevole: tanto che nel 1912, per un breve periodo, l'artista fu incarcerato per oscenità. Oggi, la sua opera è rinomata per l'approccio rivoluzionario alla figura umana e per lo stile di disegno esplicito e particolarmente appassionato, quasi violento. Questo volume presenta alcune delle opere più importanti di Schiele per illustrarne la breve ma urgente carriera e il profondo contributo allo sviluppo dell'arte moderna, che continua a influenzare artiste di talento contemporanee come Tracey Emin e Jenny Saville. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Dai ritratti di corte per la famiglia reale spagnola alle strazianti scene di guerra e sofferenza, Francisco José de Goya y Lucientes (1746–1828) si è affermato come uno degli artisti spagnoli più stimati e controversi di sempre. Maestro di luce e forma, Goya esercita la propria influenza da secoli, ispirando e ammaliando artisti di ogni epoca, dal romantico Eugène Delacroix ai fratelli Chapman, gli enfants terribles della Britart. Nato a Fuendetodos nel 1746, Goya fu messo a mestiere presso la famiglia reale spagnola nel 1774, dove realizzò acqueforti e disegni preparatori di arazzi per imponenti palazzi e residenze reali in tutto il paese. Dopo aver ottenuto il patrocinio dell'aristocrazia, iniziò a dipingere ritratti su commissione di ricchi e potenti in uno stile sempre più fluido ed espressivo. In seguito, dopo un periodo di malattia, l'artista passò ad acqueforti e disegni dall'atmosfera più cupa, dando vita a un mondo spaventoso popolato da streghe, fantasmi e creature fantastiche. Fu tuttavia con le sue raccapriccianti rappresentazioni della guerra che Goya ottenne imperitura fama. Realizzato tra il 1810 e il 1820, I disastri della guerra si ispira alle atrocità compiute durante la lotta spagnola per l'indipendenza dal dominio francese e coglie nel profondo la crudeltà e il sadismo dell'uomo. Se i toni tetri, le pennellate frenetiche e l'uso energico del chiaroscuro alla maniera barocca ricordano Velázquez e Rembrandt, la brutale sincerità del soggetto di Goya non ha precedenti. Questo volume introduttivo pubblicato da Taschen nella collana Basic Art 2.0 si propone di ripercorrere l'intera parabola della straordinaria carriera di Goya, da raffinato pittore di corte a nefasto profeta di sofferenza e mostruosità. Pagina dopo pagina, troveremo ritratti celeberrimi come Manuel Osorio Manrique de Zúñiga, la splendida Maja desnuda e Il 3 maggio 1808, una delle immagini di guerra più sconvolgenti della storia dell'arte.

Era il decennio delle audaci tele espressioniste, della creatività in editoria, del Bauhaus e dell'opera d'arte totale, dei pionieri della psicologia, dei cosiddetti “drag ball”, del cabaret, di Metropolis e di Marlene Dietrich, astro nascente del teatro e del cinema muto. Tra le crisi di due guerre mondiali, la Berlino degli anni '20 visse una primavera culturale all'insegna del carpe diem: un tripudio di arte, pensiero e creatività all'avanguardia. Questo libro consentirà al lettore di immergersi nello spirito libero della Berlino della Repubblica di Weimar. Passando in rassegna la produzione di opere esemplari in pittura, scultura, architettura, grafica, fotografia e cinema, scopriremo le innovazioni, le idee e i sogni preziosi che furono al centro di questa irripetibile finestra culturale. Conosceremo i jazz bar e le sale da ballo; i kinos affollati e la moda “alla maschietta”; i progressi della tecnologia e dei trasporti; le torri della radio e lo sferragliare dei tram e dei treni; gli edifici alti fino al cielo; i capolavori del cinema; e una nuova tipologia di donna che fuma sigarette, porta i capelli corti e si guadagna da vivere da sé. Tra le opere incluse in questo vivace ritratto culturale figurano I giornalisti di Hannah Höch; Mani su macchina per scrivere di Lotte Jacobi; Ritratto della giornalista Sylvia von Harden di Otto Dix; il progetto di Peter Behrens per Alexanderplatz; e L'angelo azzurro di Josef von Sternberg, con Marlene Dietrich nel ruolo dell'artista di cabaret Lola Lola. Pagina dopo pagina, avremo modo di esplorare tanto le aspirazioni utopistiche quanto le più nefaste realtà economiche e politiche che alimentarono i capolavori d'evasione, idealistici o reazionari dell'epoca. Dietro le luci della città e i lustrini degli abiti da sera intravediamo tuttavia l'inflazione, l'alienazione della classe operaia e il fragile consenso politico che aleggiavano su questa età dell'oro e che ne avrebbero presto decretato la fine brutale con l'ascesa del nazionalsocialismo.

Leonardo da Vinci è una figura chiave del Rinascimento italiano. Questa monografia aggiornata in formato XXL presenta tutti i suoi dipinti e quasi 700 disegni - l'indagine più completa fino ad oggi sul maestro artista, architetto e inventore. Scopri le più sottili sfumature delle pennellate che hanno rivoluzionato l'arte con foto dettagliate a tutta pagina.

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Non c’è posto più bello di casa. Eleganti e raffinate dimore internazionali. Tra piccoli cottage e lussuose ville, case sulla spiaggia e rifugi nella foresta, eccovi una magnifica selezione delle abitazioni contemporanee più belle del mondo. Questa innovativa raccolta globale include archistar del calibro di Shigeru Ban, MVRDV e Marcio Kogan insieme a talenti emergenti come Aires Mateus, Xu Fu Min, Vo Trong Nghia, Desai Chia e Shunri Nishizawa. Questo volume vi guiderà alla scoperta di case in Australia e in Nuova Zelanda, dalla Cina al Vietnam, negli Stati Uniti e in Messico, nonché in luoghi più inaspettati come Ecuador e Costa Rica. Il risultato è un’ampia rassegna di case dei nostri tempi, che ci rivela che le abitazioni in giro per il mondo hanno più cose in comune di quante ci si potrebbe aspettare... Tra gli alberi di guava e i forti abbandonati nell’India occidentale c’è un rifugio progettato per e da Kamal Malik di Malik Architecture. Si tratta della House of Three Streams (Casa delle Tre Correnti), un capolavoro con soffitti alti, porticati e padiglioni, arroccato in cima a un promontorio che si affaccia su due gole. Perfetta sinfonia di acciaio, vetro, legno e pietra, la casa si intreccia con il tessuto del paesaggio, simile a un’elegante propaggine della foresta. La Casa de la Encina di Aranguren & Gallegos, una struttura elegante e spiovente che ricorda un gazebo, si armonizza con il paesaggio in maniera simile. Nascosta in una foresta di pini a nord di Madrid, il livello inferiore è incastonato nella roccia e collegato a quello superiore da una parete di pietra naturale. La Seaside House (Casa sulla Spiaggia) di Shinichi Ogawa è un bianchissimo gioiello minimalista a due piani che si affaccia sull’oceano Pacifico a Kanagawa. La sua zona giorno si estende su una terrazza sospesa e una piscina a sfioro, quasi fondendosi e diventando tutt’uno con l’oceano. In Vietnam, la casa di Shunri Nishizawa a Chua Doc emana una sofisticatezza tropicale con travi di legno a vista, pannelli di bambù intrecciato, piante, pannelli in cemento nonché terrazze e balconi interni. I suoi pannelli di ferro ondulato fungono da pareti apribili e serrande, invitando in casa la vista delle risaie circostanti. Queste case – assieme a più di altre 50 – sono tutte molto diverse tra loro, in termini di progettazione. Tutte però giocano con il confine tra dentro e fuori, sempre in perfetta armonia con l’ambiente.

Scopri l'opera scintillante e sensuale di Gustav Klimt, il pittore simbolista austriaco che ha polarizzato il mondo dell'arte combinando finezza decorativa e brivido erotico. Dai dipinti di paesaggi alle scintillanti rappresentazioni del corpo femminile, il membro fondatore della Secessione viennese continua ad affascinare con le sue opere fatte di motivi a mosaico, forme sinuose e colori brillanti.

Autore di rigorose teorie e svariate migliaia di dipinti, disegni e acquerelli, Paul Klee (1879–1940) è considerato uno degli esponenti più cerebrali e prolifici dell'arte europea del Novecento. Pur essendo solitamente di piccole dimensioni, le sue opere sono straordinarie per la raffinatezza concettuale e le meticolose sfumature di tratto, colore e tonalità. A influenzare la formazione stilistica di Klee furono la precoce adesione al gruppo espressionista tedesco Der Blaue Reiter e, soprattutto, un viaggio in Tunisia nel 1914 che ne mutò radicalmente l'uso del colore. Dopo la guerra, Klee insegnò presso la prestigiosa scuola del Bauhaus, dove le sue lezioni (come pure la progressiva affermazione della sua produzione artistica) sottolineavano il potenziale simbolico della sfumatura, del tratto e della geometria. A ispirare Klee furono anche il cubismo, la poesia, la musica, la letteratura, il linguaggio e la forza semplicistica del disegno infantile. Celebre per le sue figure stilizzate, Klee coniugò spesso un candore apparentemente fanciullesco con il rigore della composizione e il valore intellettuale. Questo volume offre una selezione delle opere più importanti di Klee per presentarne lo stile e l'influenza. Tra paesaggi assolati ed enigmatici giochi di parole, scopriamo un mondo al contempo semplicistico, simbolico e straordinariamente pittoresco. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Questa introduzione fondamentale a Tadao Ando firmata Taschen analizza l'ibrido di tradizione, modernismo e funzionalità che rende i suoi edifici tanto affascinanti per architetti, designer, stilisti e molti altri ancora. Prendendo in esame i suoi progetti più importanti, tra cui abitazioni private, chiese, musei, complessi di appartamenti e spazi culturali, scopriamo un'estetica straordinariamente monumentale e tuttavia rassicurante, che si ispira tanto al calmo equilibrio della tradizione giapponese quanto all'irresistibile lessico modernista del Bauhaus e di Le Corbusier. Presentando progetti realizzati in Giappone, Francia, Italia, Spagna e Stati Uniti, il volume non documenta solo la portata globale delle opere di Ando, ma anche la sua raffinata sensibilità per l'ambiente circostante, espressa dai giochi di luce che filtra dalle finestre e, soprattutto, dall'interazione tra acqua e edifici. Dalla suggestiva Chiesa della Luce a Osaka al fulgido centro d'arte contemporanea di Punta della Dogana a Venezia, il libro farà compiere al lettore uno splendido viaggio in una forma d'arte tipicamente contemporanea come pure nel fascino senza tempo della luce, degli elementi e dell'equilibrio.

Nell'arco della sua carriera, il pittore, incisore, docente e teorico Vasilij Kandinskij (1866–1944) non rivoluzionò solo il proprio stile, ma il corso stesso della storia dell'arte. Dopo aver abbandonato la pittura figurativa e paesaggistica degli esordi, infatti, fu il primo a sperimentare un uso spirituale, ritmico ed emotivo del tratto e del colore grazie al quale oggi gli si riconosce la paternità della prima opera totalmente astratta. Gli interessi nutriti da Kandinskij – docente e teorico non meno che artista attivo – per la musica, il teatro, la poesia, la filosofia, l'etnologia, il mito e l'occulto erano tutti componenti essenziali della sua arte pittorica e incisoria. L'eredità di Kandinskij, che fu membro degli autorevoli gruppi del Blaue Reiter e del Bauhaus, non si limita a uno straordinario corpus visivo, ma comprende anche una serie di saggi estremamente influenti come Lo spirituale nell'arte. Fra i principi cardine esposti si annoveravano i nessi fra pittura, musica ed esperienza mistica come pure la depurazione dell'arte dal realismo materialistico a favore di un'espressione carica di emozione, condensata in particolare dal colore. Questo volume presenta alcune delle opere più importanti di Kandinskij per offrire una panoramica del suo repertorio di forme, emozioni e colori vivaci. Ripercorrendo il radicale sviluppo stilistico dell'artista, il volume mostra come l'evoluzione di un singolo pittore abbia preparato la strada a generazioni future di espressionisti astratti. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative.