Skira: Arte moderna. Cataloghi

Americano di nascita ed europeo d'adozione, Man Ray ha vissuto innumerevoli vite e ha attraversato l'arte del XX secolo sperimentando e innovando, in pittura come in fotografia, nel cinema come nella creazione di oggetti, mai condizionato da mode, dogmi o movimenti. Con oltre trecento immagini, contributi critici e la testimonianza di figure a lui vicine, questa monografia restituisce tutti gli aspetti della personalità e della creatività multiforme di uno degli artisti più influenti del Novecento che ha vissuto tra Stati Uniti ed Europa intessendo fitte relazioni con altre importanti figure del suo tempo nel corso di una movimentata carriera di sperimentatore eclettico. Suddiviso in sei sezioni (Gli anni americani; Da New York a Parigi; Vita d'artista a Montparnasse; Fotografia; Cinema e Riflessioni sulla pittura, il corpo, il volto), il volume ripercorre attraverso oltre duecentocinquanta opere l'intero persorso artistico di Man Ray: dagli anni d'esordio fra New York e Ridgefield (sede di una vivace colonia di artisti) alle prime opere dadaiste; dall'arrivo a Parigi nel 1921 alla fuga dalla Francia occupata dopo un ventennio di attività intensissima, dagli anni di Hollywood, dove Man Ray si stabilisce al ritorno in America, agli ultimi due decenni di vita trascorsi a Parigi.

Curioso del mondo e dei suoi segreti: così potrebbe essere definito Maurits Cornelis Escher (1898-1972), uno dei più importanti e sorprendenti intellettuali del XX secolo, che utilizzava le immagini al posto delle parole per narrare la sua idea di vita e di arte. La sua opera, costituita per la gran parte da stampe (xilografie, soprattutto litografie, mezzetinte), realizzate dopo una miriade di disegni, di acquarelli e di studi, ha intrecciato campi d'indagine del tutto diversi, da quello della geometria alla cristallografia, fino allo studio, e all'impiego, delle leggi della percezione visiva. Pubblicato a corredo dell'esposizione romana, il volume comprende i saggi di Marco Bussagli, Federica Pirani, Federico Giudiceandrea, Luigi Grasselli e Antonio F. Costa, il catalogo e le schede delle opere, la cronologia e la bibliografia selezionata.

"Per Roy disegnare era l'essenza dell'arte. Ne ricercava e ne vedeva ovunque le potenzialità: nelle opere degli altri, nella pubblicità, nel design e nella decorazione, e alla fine le trovò perfino nei fumetti, l'espressione artistica in assoluto più svilita. [...] Dopo aver terminato i primi dipinti ispirati ai fumetti, mi confidò di averli trovati talmente diversi dall'arte con cui era cresciuto da dover lavorare su di sé per superare il suo stesso giudizio. La loro forza, però, era così dirompente che, mi disse ancora, non poteva più tornare indietro. Si rese conto che, cambiando qualche tratto e riorganizzando appena la composizione, in altre parole ridisegnandola, qualsiasi immagine poteva essere trasformata in una vera opera d'arte. Tanta era la forza di una linea o di un segno posizionati correttamente sulla carta. Il disegno è stato primario in tutto il suo lavoro. Per ogni opera, dipinto, stampa, poster o scultura che fosse, Roy partiva sempre da un disegno. [...] All'inizio degli anni sessanta produsse una serie di disegni a matita che non erano studi per la realizzazione di dipinti ma opere in sé. Con le sue immagini Roy ha riempito taccuini, quaderni di carta fiorentina finemente rilegati, blocchi per appunti e pezzi di carta, modificandole continuamente finché non ne era soddisfatto. Solo allora poteva passare al dipinto o alla scultura." (Dorothy Lichtenstein)

Frida Kahlo e Diego Rivera si videro per la prima volta nel 1922 sotto i ponteggi della Scuola nazionale preparatoria. Lui era il pittore più famoso del Messico rivoluzionario, chiamato a dipingere un murale nell'anfiteatro dell'istituto, lei una ragazzina irriverente. Sette anni dopo, Frida Kahlo e Diego Rivera erano moglie e marito. Fu l'inizio di un amore lungo e tormentato, destinato a entrare nella leggenda. Quella che veniva definita "l'unione di un elefante con una colomba" superò le consuetudini di un legame sentimentale: Frida e Diego portarono nel loro rapporto e nella loro espressione dell'arte le personalissime esperienze di vita. Pubblicato in occasione della mostra genovese organizzata da MondoMostre Skira e Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, il volume racconta il rapporto tra questi due artisti straordinari attraverso oltre 200 opere, tra cui i celebri autoritratti di Frida Kahlo, numerosi dipinti di Diego Rivera e un'ampia selezione di immagini di grandi fotografi quali Nickolas Muray, Manuel e Lola Álvarez Bravo, Lucienne Bloch, Dora Maar, Tina Modotti, Juan Guzmán, Héctor García e Florence Arquin.

Una selezione di opere provenienti dal Centre Pompidou di Parigi insieme a capolavori provenienti dalle principali collezioni pubbliche e private, italiane e straniere documenta lo straordinario percorso artistico e di vita di Amedeo Modigliani, mettendone in luce la vibrante personalità anche attraverso il confronto con opere di artisti suoi contemporanei che resero impareggiabile lo scenario della Parigi di inizi Novecento. Curata da Jean-Michel Bouhours, la monografia affianca i capolavori del maestro livornese a quelli di artisti dell'epoca quali Pablo Picasso, Marc Chagall, Fernand Léger, Maurice Utrillo, Chaime Soutine, Dufy Raoulk, Constantin Brancusi, Henri Laurens, Gino Severini, Juan Gris, Leopold Survage, Moise Kisling, Ossip Zadkine, solo per citarne alcuni. Opere che ricreano l'atmosfera culturale in cui maturò la straordinaria ed entusiasmante esperienza della pittura dell'epoca e la vicenda artistica di Modì nell'incessante e tormentata ricerca del bello. Un'opportunità per ripercorrere una fondamentale stagione culturale che ha influenzato l'intera produzione artistica europea e per ripercorrere l'opera di uno dei protagonisti più straordinari del panorama artistico, non solo italiano, ma mondiale.

Giovanni Segantini (1858-1899), uno dei più grandi pittori europei di fine Ottocento, ebbe in Milano una vera e propria patria dello spirito, una città di riferimento per tutta la sua breve vita. Anche dopo il trasferimento in Svizzera, infatti, Milano restò il fulcro della sua parabola artistica e piazza favorita per l'esposizione delle sue opere. Realizzata in collaborazione con Mazzotta e pubblicata in occasione della grande retrospettiva milanese, questa monografia ripercorre l'itinerario artistico e la vita del pittore dall'infanzia, trascorsa nella vivace Milano post-unitaria, al trasferimento tra le montagne dell'Engadina, uno degli ultimi incontaminati paradisi naturalistici. Il suo avventuroso pellegrinaggio dai colli della Brianza alle Alpi svizzere narra la storia straordinaria della creatività culturale che si sviluppò nelle valli tra l'Italia e la Svizzera all'inizio del secolo scorso.

Il volume presenta una selezione di vedute di Carmine Ciccarini raffiguranti la città contemporanea: personalissime visioni dell'artista che colgono la vita frenetica della metropoli, costantemente annegata in un'alienante solitudine che permea le immagini ora fluttuanti, ora distillate in una insidiosa quiescenza. Tema già affrontato dai pittori futuristi, la città che sale si trasforma e trasforma anche la gente che la vive. Come scrive il curatore "La città metropolitana va intesa come una caustica metafora dello strazio esistenziale a cui è sottoposto l'uomo che va a riflettersi nelle strutture che egli stesso ha messo in movimento e non è più in grado di regolamentare. E le anime? Paiono staccate da un corpo che non è più in grado di accoglierle."

Questa monografia approfondisce i tratti distintivi che hanno caratterizzato l'attività iniziale di Mimmo Rotella, autore poliedrico e noto fin dall'inizio degli anni cinquanta per l'invenzione del décollage, forma artistica che si basa su materiali reali prelevati direttamente dall'ambiente esterno e poi rielaborati all'interno dello studio al fine di produrre oggetti artistici. La pubblicazione, e la mostra milanese, si focalizzano sul periodo che si estende dal 1953 quando, seguendo le tracce linguistiche di Kurt Schwitters, Rotella inizia a indagare le possibilità formali date dall'uso di elementi materici non convenzionali (come specchi, vetri, catrami, cartoni, colle e segatura) e si articola fino al 1964, anno che vede la sua partecipazione alla XXXII Biennale di Venezia con una sala personale. Durante questo decennio, in perfetta sintonia con il rinnovato impulso alla sperimentazione prodottasi dopo il periodo postinformale, l'artista elegge a proprio medium privilegiato il manifesto pubblicitario al fine di esaltarne ora l'aspetto materico ora quello iconografico, decostruendo le locandine cinematografiche che hanno reso mitici personaggi come Marilyn Monroe e Elvis Presley. Intrecciando il contesto storico-artistico e socio-economico con l'itinerario linguistico dell'autore, il volume sottolinea la rete di scambi e di interconnessioni che ha caratterizzato la sua attività e i movimenti pittorici e la cultura tra gli anni '50 e '60, dal Nouveau Réalisme alla Pop Art.

Attraverso oltre centocinquanta opere, un dialogo inedito tra due grandi artisti del XX secolo: lo scultore alsaziano, svizzero di adozione, Jean Arp (1886-1966) e il pittore italiano Osvaldo Licini (1894-1958). Il primo è stato uno dei protagonisti del dibattito artistico della prima metà del Novecento, il secondo è una figura quasi mitica di artista solitario, capace di elaborare una ricerca del tutto originale eppure in sintonia con le coeve esperienze europee. A dispetto dello stile di vita profondamente diverso dei due, le loro opere presentano sorprendenti punti di contatto, testimonianza di una comune sensibilità e di orizzonti di ricerca condivisi che questo catalogo si propone di sottolineare attraverso paralleli visivi e la disamina critica della poetica degli artisti, condotta attraverso numerosi saggi. Il volume documenta infine gli intensi rapporti che Arp e Licini intrattennero con i propri contemporanei proponendo raffronti con opere di Matisse, Modigliani, Klee, Kandinskij, Sophie Taeuber-Arp e altri ancora.

"Oltre. Le soglie dell'invisibile" si incentra sulla dimensione del trascendente, dell'assoluto. L'"oltre" rimanda da un lato al limite, al confine, alla possibilità di superare barriere interiori ed esteriori, dall'altro all'inafferrabile, all'inaccessibile, all'indefinibile, a quanto si sottrae al possesso e alla dominazione. In questo senso, l'"oltre" è soglia, punto di passaggio, linea di comunicazione tra visibile e invisibile, tra immanente e trascendente, tra finito e infinito, come se al cuore del sensibile emergesse un senso, talvolta difficile da riconoscere, ma senza il quale l'esperienza umana resterebbe piatta, inerte, superficiale. Il volume propone un originale confronto sul trascendente tra opere d'arte del Novecento e contemporanee (Fontana, Burri, Sironi, Paladino, Spalletti, Nagasawa, Parmiggiani) ed esempi di altre epoche e di altri linguaggi (polittici e tavole a fondo oro, icone russe, ex voto). Quarantadue opere dal XIII secolo ai giorni nostri che tracciano un percorso di vibrante tensione spirituale.

Sono trascorsi poco più di cinquant'anni dalla morte improvvisa di Piero Manzoni, e la sua opera viene riconosciuta sempre più come una delle esperienze fondamentali dell'avanguardia del XX secolo. Attraverso una vasta selezione di opere rappresentative della geniale creatività e della vivacità inventiva di Manzoni, la monografia, pubblicata in collaborazione con la Fondazione Piero Manzoni in occasione dell'importante retrospettiva milanese, ne ricostruisce la vicenda breve e fervida in un percorso che documenta con opere primarie tutti gli aspetti della sua attività. Dalle "Superfici bianche" o "Achrome" alla celebre "Merda d'artista"; dalle "Linee" arrotolate e chiuse in cilindri di cartone etichettati e firmati al "Fiato d'artista", catturato in palloncini di plastica; dalle "Uova sode", autenticate dall'impronta dell'artista, alle "Basi magiche" con statue viventi firmate, fino alle "Afonie musicali". Tutte opere con le quali questo geniale e controverso artista del Novecento ha profondamente rinnovato l'idea stessa di arte d'avanguardia.