Skira

Nel 2024, nel piccolo villaggio francese di Lorignac, nella Charente- Maritime, viene fatta una scoperta sensazionale: dopo quarant'anni di oblio riemerge l'intera opera di Oliviero Leonardi (1921-2019), importante artista italiano del dopoguerra. Sulla scia di questa scoperta artistica viene fondata l'Associazione Oliviero Leonardi con lo scopo di ricostituire l'eredità dimenticata dell'artista, pittore, alchimista, smaltatore e maestro. Questa monografia completa rappresenta una riscoperta accademica appassionante di Oliviero Leonardi attraverso la lente della sua tecnica artistica più personale: la pittura a smalto vitreo. Con approfondimenti dettagliati da parte di autorevoli studiosi del settore e una selezione sapientemente curata delle sue opere, il libro offre un'immersione profonda nelle tecniche innovative dell'artista, nei suoi temi e nei suoi contributi all'evoluzione dell'arte del dopoguerra in Italia e in Europa. Questa pubblicazione unica si propone di diventare il riferimento scientifico sull'artista e offre a studiosi, curatori, appassionati d'arte e collezionisti un'opportunità rara di riscoprire una figura importante, eppure trascurata, del panorama artistico italiano del dopoguerra. Pioniere della pittura a smalto vitreo, Oliviero Leonardi (1921-2019) è stato un artista italiano del dopoguerra attivo a Roma e successivamente in Francia. Le sue opere furono studiate da importanti storici e critici d'arte, tra cui Giulio Carlo Argan e Gustav René Hocke, quest'ultimo autore di una monografia sull'artista.

Nata nel 1968 nella regione autonoma dello Xinjiang, Chen Xi è oggi un'artista affermata in Cina e docente presso il dipartimento di pittura dell'Accademia Centrale di Belle Arti di Pechino, dove si è laureata nel 1991. Conosciuta per il lavoro profondamente personale ma al tempo stesso impegnato sul piano sociale, Chen Xi esplora la condizione umana attraverso dipinti, installazioni e opere concettuali. Suddivisa in nove sezioni, questa prima monografia internazionale su Chen Xi ripercorre l'evoluzione dell'artista cinese dagli anni Novanta a oggi attraverso capitoli dedicati alle sue principali esposizioni personali. Come scrive Lü Peng nella sua introduzione, il lavoro di Chen Xi ruota attorno a memoria, vulnerabilità e identità in un'epoca di rapidi cambiamenti. Il suo motivo ricorrente del coniglio – figura nata da influenze letterarie e riflessioni psicologiche – incarna la tensione tra fragilità e resilienza. Dai dipinti espressivi degli esordi fino all'installazione Lost, una monumentale scultura in legno realizzata dopo la pandemia di COVID-19, Chen Xi continua a interrogarsi sul ruolo dell'individuo all'interno di paesaggi culturali, storici e tecnologici in trasformazione. Combinando tecnica accademica e profondità concettuale, la sua pratica riflette le più ampie trasformazioni della società cinese dall'epoca delle Riforme. Questa monografia offre una rara finestra sulla voce unica e sul linguaggio visivo di Chen Xi, una voce capace di catturare, con intensità e finezza, lo spirito mutevole della Cina contemporanea.

Il volume ricostruisce criticamente la figura e l'opera di Corrado Ricci (1858-1934), storico dell'arte, archeologo, direttore di musei e tra i primi promotori di un'idea moderna, educativa e pubblica del museo in Italia. Ricci inizia la carriera giovanissimo nella sua città, Ravenna, dove a soli diciannove anni si distingue per l'impegno nella tutela e nello studio del patrimonio letterario e artistico locale. Esprime inoltre un profondo interesse verso l'estetica infantile, e proprio in questi suoi primi anni di attività scrive "L'arte dei bambini" (1887), opera pionieristica che anticipa le riflessioni delle avanguardie novecentesche, in cui, con spirito innovativo e sorprendente apertura, esplora la produzione grafica infantile come linguaggio espressivo autonomo, precorrendo teorie che solo decenni più tardi saranno accolte dalla pedagogia e dalla psicologia dell'arte. Dalla direzione della Galleria di Parma a quelle delle gallerie di Modena, Milano e Firenze, Ricci trasforma la pratica museale italiana, rendendola accessibile e radicata nel paesaggio culturale nazionale. In particolare, è fondamentale il suo contributo alla definizione dell'identità della Pinacoteca di Brera dove, grazie alla cessione di alcuni spazi da parte dell'Accademia che solo lui riesce a ottenere, può realizzare un percorso ad anello, indispensabile dal punto di vista museografico, e un ordinamento per epoche e scuole ancora oggi insuperato. I saggi di James M. Bradburne, Adriano Amendola, Giuseppina Di Gangi ed Erica Bernardi, curatrice del volume, ricompongono il profilo di un intellettuale centrale nel passaggio tra Otto e Novecento e lo collocano all'interno della storia di Brera come primo tassello della fase moderna del museo. Il volume si inserisce nella serie promossa dalla Pinacoteca di Brera dedicata ai suoi direttori più emblematici del Novecento - Corrado Ricci, Ettore Modigliani, Fernanda Wittgens e Franco Russoli - restituendo al dibattito storiografico figure che hanno plasmato la visione pubblica del museo moderno in Italia.

Realizzato in collaborazione con l'Archivio Crepax, il volume rappresenta un'occasione unica per analizzare la carriera del celebre artista attraverso un percorso filologico che si sviluppa lungo un arco temporale di cinquant'anni che evidenza l'importanza di un autore che non solo ha trasformato il linguaggio del fumetto - di cui è stato maestro indiscusso- ma che ha avuto un ruolo significativo nell'arte e nella cultura italiana del dopoguerra. Pubblicato in occasione della mostra bresciana e introdotto dai saggi di Alberto Fiz, Ilaria Bignotti, Stefano Bartezzaghi, Antonio e Luisa Crepax, Guido Crepax. Sogni Giochi Valentina 1953-2003 analizza la vasta produzione di Crepax nel suo dialogo proficuo con le arti attraverso un'ampia selezione di opere, alcune delle quali inedite, tra tavole originali, bozzetti, disegni, progetti pubblicitari, storyboard di film, copertine di dischi e giochi. Suddiviso in sette sezioni (Storie di letteratura e arte; Il mistero dei sogni; Figure in scena; Il suono dell'immagine; Valentina e le altre; I giochi della storia; Gli slogan della moda), il volume costituisce la prima grande indagine a tutto tondo sulla creatività di questo grande artista che con il suo segno nitido ci accompagna in un mondo popolato da icone letterarie e cinematografiche, da rimandi alla musica, alla moda, alla storia, alla politica e alla sua personale biografia, in una continua reinvenzione del rapporto tra testo e immagine.

Riconosciuto a livello internazionale come uno dei maestri contemporanei della fotografia minimalista, il fotografo Michael Kenna nutre un profondo legame con l'Asia. Dopo il suo primo viaggio in Giappone nel 1987, è tornato più volte in Oriente per immortalare con il suo inconfondibile stile i paesaggi del continente asiatico. Silver Haikus offre una retrospettiva tematica dell'opera di Michael Kenna in Asia negli ultimi quarant'anni ed esplora la connessione tra la sua estetica e l'arte asiatica attraverso dialoghi formali tra le sue fotografie e opere provenienti dalle collezioni cinesi, coreane e giapponesi del Musée Guimet. In questo modo, si creano originali corrispondenze e confronti che suggeriscono affinità iconografiche e filosofiche tra questi due mondi. In particolare, il libro analizza l'influenza delle arti asiatiche sul lavoro del fotografo, un'influenza che si manifesta innanzitutto a livello stilistico: la scelta del bianco e nero, l'economia dei mezzi, l'uso del vuoto e il desiderio di suggerire piuttosto che descrivere evocano i dipinti a inchiostro dei letterati cinesi e dei monaci Zen giapponesi. Ma è anche un'influenza di tipo filosofico, con la stessa accettazione della lentezza, a ricerca della perfezione, la ripetizione dei motivi, l'ascesi del lavoro e la dimensione spirituale. Il potere poetico delle fotografie di Kenna, la loro capacità di estrarre emozione dal paesaggio (dalla dignità di un albero o di una roccia) ha portato alcuni critici a descriverle come haiku visivi.

Pubblicato in occasione della prima rassegna internazionale dedicata al pittore caravaggesco Matthias Stom (1600-1650), il volume presenta tutte le opere conservate sul territorio lombardo di questo pittore fiammingo, la cui intera vicenda, nonostante la qualità espressa nei dipinti, risulta tutt'ora in gran parte misteriosa. La parabola creativa di Stom si può suddividere in diverse stagioni: da quella iniziale, svolta tra Anversa e Utrecht, a quella romana, la più importante e decisiva per la sua carriera, il soggiorno napoletano, documentabile tra il 1635 e il 1638, quindi quello palermitano, intorno al 1640, dove esegue una strabiliante quantità di opere dalle dimensioni notevoli. Nel 1643 è poi a Venezia e vi sarà ancora presente nel 1645, per poi non lasciare più tracce documentarie di sé. Tra le opere presentate spiccano tre fondamentali capolavori dell'Accademia Carrara tra cui due soggetti a lume di notte, nei quali l'artista era specializzato, e un San Giovanni Battista dal convento di San Bartolomeo, affiancati dal grande quadro con Vespasiano che libera dalle catene Giuseppe Flavio, proveniente da Santa Maria Assunta a Soncino, e tre opere della Pinacoteca Tosio Martinengo comprendenti l'Incredulità di san Tommaso e due inediti. A queste opere si aggiungono quattro importanti capolavori da collezione privata (Incredulità di san Tommaso; Dedalo mette le ali a Icaro; Guarigione di Tobia; Cristo fra i dottori) e la monumentale pala della chiesa di Santa Maria Assunta a Chiuduno. Curata da Gianni Papi, la monografia presenta l'intero corpus di opere di Matthias Stom conservato in Lombardia, a testimoniare l'eccezionale fortuna collezionistica nel territorio per questo grande maestro dell'arte.

Ospitato all'interno del settecentesco palazzo vescovile, il Museo Diocesano vuole raccontare una parte importante della storia, dell'arte e della spiritualità cremonesi. Il Museo Diocesano di Cremona costituisce infatti un prezioso scrigno d'arte e di fede, capace di unire architettura storica e design contemporaneo; le opere sono suddivise seguendo un criterio tematico e non cronologico, articolato in quattro sezioni principali: La croce, nostra salvezza. Passione, morte e resurrezione di Cristo; I Santi. Nostri intercessori, segno della missione e del ministero della Chiesa; Tavola di sant'Agata. Storia di un "rarissimo oggetto"; Il Tesoro di Pizzighettone e la memoria dell'età visconteo-sforzesca a Cremona. Questo volume offre un viaggio che va oltre la visita al museo e la visione dei suoi capolavori - tra i quali la famosa Tavola di sant'Agata e il Tesoro di Pizzigettone - per proseguire in un spazio di approfondimento, analisi e studio; spazio più intimo, dove la storia della nostra arte sacra incontra la sensibilità e la curiosità di ciascun lettore in un più meditato confronto con gli eccezionali contenuti di valore biblico, teologico e catechistico che il museo propone mostrandoci, oltre al racconto del Sacro, l'umanità della fede, e infondendo in ognuno di noi il gusto della bellezza che salva.

A oltre settant'anni dalla nascita di Italmondo, azienda milanese fondata da Giacinto Chiesa nel 1953, prosegue il viaggio iniziato con La logistica è logica. L'azienda si racconta attraverso le interviste ai suoi attuali dirigenti, e applicando in parallelo una "lente" inconsueta nell'ambito dei trasporti e delle catene di approvvigionamento: la ricerca artistica. 5 artisti e 1 fotografo di diverse generazioni - Elizabeth Aro, Massimo Kaufmann, Silvio Pasotti, Zeno Peduzzi, Alessandro Pongan e Stefano Torrione - sono stati invitati a interpretare liberamente la logistica e le sue implicazioni rispetto agli immaginari sociali. Diversi linguaggi e diverse sensibilità si intrecciano portandoci in un mondo di cui non molto si sa all'esterno e in cui paiono regnare efficienza, finanza e tecnologia. Il volume si apre con un capitolo dedicato all'ultimo decennio, dall'espansione del business all'ingresso nell'e-commerce e alla creazione di Supernova, incubatore di nuove imprese. Contrariamente ai pronostici, il binomio fra arte e logistica stupisce e incanta.

Il libro propone un racconto inedito dell’arte italiana del Novecento, a partire dalle opere collezionate dalla Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris di Torino nei suoi primi quarant’anni di attività, dal 1982. Ogni capitolo è incentrato su un tema rilevante del dibattito culturale a livello globale: il problema del monumento, il significato della materia in pittura, il concetto di rappresentazione. Gli argomenti sono indagati nel loro sviluppo storico attraverso le diverse generazioni di artisti documentate nella collezione, con particolare attenzione alle opere di Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Arturo Martini, Giulio Paolini, Giuseppe Penone ed Enrico Prampolini.

Come si può racchiudere la dolcezza delle colline toscane, o l'esperienza di un giro in gondola nella suggestiva cornice della laguna veneta o ancora la teatralità dei carruggi di Genova attraverso un abito? La moda può farsi veicolo per comunicare identità, cultura e storia di un territorio? Italia di Moda ambisce a questo: comporre un ritratto corale della bellezza italiana, che non è uniforme, ma complessa, sfaccettata, profondamente umana. Italia di Moda è un viaggio visivo ed emozionale attraverso le regioni italiane, che unisce l'eleganza della moda alla potenza espressiva dei paesaggi, della cultura, dell'artigianato, del Made in Italy e dell'identità regionale. Ogni scatto è una narrazione, dove la modella si fonde con l'ambiente, interpretando lo spirito del luogo con stile e forza evocativa. Il progetto vuole valorizzare le bellezze del territorio italiano attraverso la lente del fashion editoriale, riscrivendo il concetto di bellezza in un dialogo con le radici culturali e naturali del Paese, senza limitarsi a vestire un corpo, ma scegliendo di raccontare storie, di trasmettere emozioni e di celebrare l'identità culturale italiana. Ogni capo diventa un messaggero di tradizioni, un simbolo di appartenenza e un invito a esplorare la ricchezza del nostro patrimonio. Indossare un abito non è solo un atto estetico, ma un gesto che riconnette l'individuo con le radici e il contesto in cui vive. Ogni creazione è ispirata da un luogo, un colore, una texture che richiama la nostra cultura, rendendo ogni indumento una vera e propria opera d'arte. Italia di Moda non è solo un progetto fotografico. È un atlante emozionale. Un viaggio che attraversa l'Italia non con una valigia, ma con lo sguardo. Una narrazione che intreccia i fili della moda con quelli della memoria, del paesaggio, della cultura viva. Non una semplice mappa, ma un racconto per immagini in cui la moda diventa il linguaggio attraverso cui leggere e reinterpretare l'identità profonda dei luoghi. Ogni scatto di Andrea Varani è una poesia visiva, un'ode a una terra che parla attraverso le sue forme, i suoi odori, le sue luci, e viene ascoltata - e indossata - da una donna che la attraversa e la incarna. La fotografia cattura l'essenza di un momento e crea un dialogo visivo tra la top model Ludmilla Voronkina, protagonista degli scatti e lo sfondo delle 20 regioni italiane.

Carmen Dell'Orefice ha iniziato la sua carriera a soli quattordici anni, quando è apparsa su Vogue. A quindici anni, Salvador Dalí le dedicò un ritratto. Da allora, Carmen è stata una figura di riferimento nel mondo della moda, collaborando con i più grandi fotografi di tutti i tempi, come Horst P. Horst, Richard Avedon, Lilian Bassman, Norman Parkinson e Francesco Scavullo. Nata a New York il 3 giugno 1931, è stata scoperta dal fotografo Irving Penn e presto è diventata una delle modelle più celebri. Conosciuta per la sua bellezza straordinaria e l'eleganza senza tempo, Carmen è apparsa sulle copertine di prestigiose riviste come Vogue e Harper's Bazaar. È considerata una delle modelle più longeve della storia della moda, avendo lavorato ininterrottamente per oltre 70 anni. Nonostante l'età, Dell'Orefice continua a essere un simbolo di grazia e raffinatezza, sfidando le convenzioni della bellezza nel mondo della moda. Nel corso della sua carriera, ha rappresentato brand di alto livello, sfilando nelle passerelle più prestigiose e ispirando molte generazioni di modelle. Il libro è un tributo a questa iconica modella americana, un'edizione moderna ed elegante, proprio come la donna che celebra. Fadil Berisha, fotografo e collaboratore di lunga data di Carmen Dell'Orefice, guida il lettore attraverso questa testimonianza della loro collaborazione creativa, concentrandosi su Carmen dai suoi 60 ai suoi 90 anni e sulle loro prolifiche collaborazioni professionali. Fadilis è l'ex fotografo ufficiale di Miss Universo, Miss USA e Rolex e nella sua carriera ha immortalato alcune delle donne e delle attrici più affascinanti del mondo, come Halle Berry e Sharon Stone, ma nessuna di loro ha mai battuto Carmen come musa e modella.

Giorgio Riva ci porta in un mondo fantastico in cui tutti gli dèi tornano al ruolo di archetipi umani e vivono in una sorta di presente continuo che trapassa le scadenze delle generazioni umane. Il racconto dei viaggi di Zeus attraverso i continenti procede indifferentemente al passato o al presente e si spinge in tempi futuri ma impazienti di avvenire. L'autore immagina che un ribelle spiritello egeo trovi i suoi interpreti negli archetipi di allora che ce l'hanno fatta ad arrivare fino a noi. Si apre così una giostra d'invenzioni in cui la fantasia incrocia immagini e parole, ricca e stimolante perché ciò che arriva dall'Egeo alla penisola italiana rappresenta la più alta articolazione del pensiero occidentale coi suoi canti, i dipinti, le sculture, le architetture. Il narratore converte ogni interrogativo nello spazio inter-temporale che è una prerogativa degli archetipi. E intraprende questo cammino perché avverte d'appartenere a una cultura che potrebbe aver perso per strada qualcosa di molto importante nell'esprimere liberamente onestà e bellezza. Nato a Milano nel 1933, Giorgio Riva compie qui gli studi classici e si laurea in architettura nel 1959. Assistente di Ernesto N. Rogers al Politecnico, esercita la professione di architetto nutrendo contemporaneamente i poliedrici interessi: pittura, scultura, musica, antropologia e linguistica. Accanto agli scritti teorici e alle sue Lezioni politecniche, conduce molteplici sperimentazioni sul piano artistico che hanno importanti esiti fra cui i foglio-plasma e gli xilo-plasma, le sculture luminose e le opere di pittura informatica fusa con il suono. Villa 3 Tetti di Sirtori, da lui progettata nel 1969, è divenuta oggi la sua Casa-Museo aperta al pubblico e centro di ricerca artistica.