Edizioni Cineteca di Bologna

Penultimo film di Charlie Chaplin, “Un re a New York” è il suo primo girato in Europa dove, vittima del maccartismo, si è trasferito dopo il divieto a rientrare negli Stati Uniti. È forse la sua opera più amara e apertamente autobiografica, in cui il bersaglio della satira è proprio l’american way of life. Protagonista il re 'vagabondo' Shadov – interpretato dallo stesso regista – in fuga da un immaginario stato europeo travolto dalla rivoluzione per approdare nell’America delle libertà, che scopre invece dominata dal culto del denaro, dal cinismo mediatico, dalla pubblicità, dalla chirurgia estetica e dalla caccia alle 'streghe rosse'. Accanto al tono graffiante, sopravvive la grazia slapstick e musicale del grande clown, che si muove tra conferenze sull’energia atomica e cene di beneficenza come un principe fuori tempo, in un mondo dove tutto è spettacolo e nulla è più sacro. Il film è anche una struggente riflessione sulla vecchiaia e sull’esilio: Chaplin vi riversa il dolore personale per la patria perduta e la tenerezza di un padre che, nella figura del giovane comunista interpretato da suo figlio Michael, ritrova la purezza delle proprie battaglie giovanili. La lucidità e l’audacia del ritratto rendono Un re a New York, malcompreso dalla critica alla sua uscita, un'opera profetica e sorprendentemente attuale. Ancora una volta, un capolavoro da riscoprire. Oltre al film, il cofanetto propone un disco di approfondimenti e rarità (tra cui un video-essay di Cecilia Cenciarelli sul making of del film e due interviste a Jim Jarmusch e Michael Chaplin) e un booklet con saggi sul film di Cecilia Cenciarelli, Jonathan Rosenbaum e Peter von Bagh, un soggetto inedito di James Agee e un ricco apparato di documenti inediti provenienti dall’Archivio Chaplin della Cineteca di Bologna.

Dalla sua introduzione nel 1913 fino all’abolizione nel 2021, la censura ha segnato la storia del cinema in Italia, e la sua evoluzione ha rispecchiato i cambiamenti sociali, politici e culturali del paese. Impegnata nell’arginare “le depravazioni e le aberrazioni” del nuovo mezzo nel periodo del muto, durante il regime fascista e nel secondo dopoguerra è stata un potente strumento nelle mani del potere. Alla fine degli anni Sessanta, i censori hanno dovuto affrontare il cambiamento dei costumi e della morale, mutando il loro bersaglio dopo la crisi delle sale, l’influenza crescente della televisione e la diffusione della pornografia. Frutto di rigorose ricerche d’archivio ma avvincente come un romanzo, questo volume rappresenta lo studio più approfondito e aggiornato sul tema. Oltre a esaminare le leggi che hanno disciplinato l’istituto, si propone di indagarne i metodi di lavoro, gli obiettivi, i protagonisti e, non ultime, le vittime. Attraverso documenti ufficiali, sentenze, articoli di cronaca, saggi e interviste d’epoca, vengono analizzati tanto i casi clamorosi quanto quelli meno conosciuti: film e registi importanti e pellicole poco note quando non oscure, dagli albori di “La lampada della nonna” agli ultimi colpi di coda per “La scuola cattolica”. Opere diversissime, capaci ognuna a suo modo di spingere in avanti i limiti di ciò che era accettabile sullo schermo.

Primo film italiano interamente girato negli Stati Uniti, Smog di Franco Rossi apre la Mostra di Venezia del 1962, per poi scomparire quasi del tutto dalla circolazione e dalla memoria collettiva per sessant’anni, fino al recente restauro curato da Cineteca di Bologna e UCLA Film & Television Archive. A metà tra diario di viaggio e road movie dal respiro Nouvelle Vague, Smog racconta lo smarrimento e lo stupore di un italiano di fronte al paesaggio urbano avveniristico di Los Angeles e a una geografia esistenziale che fatica a decifrare. Il volume ricostruisce la storia di questo film unico e dei suoi autori, lo colloca nel contesto di un anno, il 1962, cruciale per la storia del cinema, e ne indaga il profondo legame con la metropoli californiana, allora epicentro del modernismo architettonico. Attraverso luoghi iconici come il Theme Building del LAX, la cupola geodetica della Triponent House e la vertiginosa Stahl House di Pierre Koenig, Smog cattura un momento irripetibile in cui un nuovo modo di vivere, relazionarsi e progettare il futuro prende forma, lasciando un segno indelebile nell'immaginario cinematografico e urbanistico contemporaneo.

Il 21 novembre del 2023, dopo un lungo progetto di recupero, ha riaperto le porte al pubblico il Cinema Modernissimo, la sala storica del centro di Bologna inaugurata la prima volta nel 1915 e chiusa dal 2007. Ogni giorno, per tutto il primo anno dalla riapertura, Stefano Ricci, disegnatore bolognese, ha preso carta e gessetti colorati e ha disegnato un suo personale manifesto di uno dei film in programmazione. “Il circo” di Charlie Chaplin, “La corazzata Potëmkin” di Sergej Ejzenštejn, “Shining” di Stanley Kubrick, “The Dreamers” di Bernardo Bertolucci, “Io capitano” di Matteo Garrone… Un manifesto cinematografico al giorno per l’intera stagione cinematografica. Una “maratona matta”, come l’artista l’ha definita. “Cerco sempre di vedere o di rivedere il film, a volte è facile, immediato, capire come trasformarlo in un disegno, altre più complesso”. L’immagine poteva ispirarsi a un fotogramma che lo aveva particolarmente colpito, o rielaborare la locandina originale, o ancora rappresentare una sintesi creativa del film. Ma ogni giorno, per un anno, gli spettatori entrando in sala hanno potuto ammirare uno di questi 189 manifesti originali, che vengono ora raccolti in un volume. Un anno di grande cinema attraverso lo sguardo di un grande artista.

Unico film italiano in concorso al Festival di Cannes 2025, “Fuori” di Mario Martone nasce da un lavoro del regista e della sceneggiatrice Ippolita di Majo sul mondo di Goliarda Sapienza. Il volume, curato da Paolo Mereghetti e Alberto Libera, propone la ricostruzione delle varie versioni della sceneggiatura, uno scritto del regista, il soggetto , due interviste (alla protagonista Valeria Golino e a Ippolita di Majo), un saggio critico e un profilo di Goliarda Sapienza. È inoltre corredato da fotografie scattate durante le fasi preparatorie e le riprese del film.

Otto viaggi sulle tracce di Georges Simenon, romanziere, ma anche giornalista, fotografo, pioniere della comunicazione, vorace collezionista di esperienze umane e professionali, attraverso i tanti luoghi vissuti (la natia Liegi, la Parigi degli Anni folli, l’America dell’immediato dopoguerra, la Svizzera francese), gli incontri decisivi, le sue carte, i film tratti dalle sue opere, gli scatti realizzati durante i viaggi-reportage in giro per il mondo. Un’enorme mole di documenti noti ed inediti che, insieme ai testi originali di John Banville, Cecilia Cenciarelli, Matteo Codignola, Benoît Denis, Adam Gopnik, Lisa Ginzburg, Carlo Lucarelli, Serge Toubiana, a un'intervista a due celebri cineasti di Liegi, i fratelli Dardenne, e alle testimonianze di amici illustri (Roberto Calasso, Jean Cocteau, Federico Fellini, Henry Miller, Jean Renoir, François Truffaut), offrono uno sguardo originale sul più prolifico scrittore del Novecento, che con i suoi romanzi e i suoi personaggi continua a essere un caso editoriale, ad appassionare i lettori e a ispirare gli artisti contemporanei.

“Con il cinema muto potevamo fare qualunque cosa, e ci riuscivamo”, parola di Buster Keaton a proposito della febbrile e luminosa stagione (1920-1928) durante la quale diresse e interpretò, in totale libertà, trenta fra corto e lungometraggi. Per la prima volta sono disponibili in Italia grazie a un progetto pluriennale della Cineteca di Bologna che ha riportato le sue opere, più volte rimaneggiate, a una forma la più vicina possibile all’originale. Il terzo e ultimo volume raccoglie dodici film che esaltano il genio di Keaton e la sua straordinaria capacità di reinventare il linguaggio cinematografico. Dalla grandiosità epica di The Three Ages, omaggio ironico ai kolossal di Griffith, ai western parodici Our Hospitality e The Paleface, fino alla commedia degli equivoci My Wife's Relations e alla romantic comedy Spite Marriage, il suo addio all'era del muto. Keaton si muove con la consueta eleganza acrobatica tra case stregate (The Haunted House), invenzioni futuristiche (The Electric House) e navi alla deriva (The Navigator), mettendo in scena la sua eterna lotta contro il caos del mondo moderno e la civiltà delle macchine. Il ritmo incalzante di The Goat, le improbabili imprese sportive di College e Battling Butler, l’umorismo nero e surreale di Hard Luck, piccolo gioiello a lungo dimenticato, confermano l’incredibile versatilità di un artista in grado di attraversare e mescolare i generi con naturalezza e audacia. Gli accompagnamenti musicali restituiscono tutta la ricchezza di questi capolavori senza tempo: dalle partiture per pianoforte di Daniele Furlati, Stephen Horne e Mirco Mariani, fino alle orchestrazioni composte e dirette da Timothy Brock. Ad arricchire l’opera, un prezioso booklet a cura di Cecilia Cenciarelli con schede dettagliate dei film e approfondimenti sui restauri.

Alessandro Blasetti è stato uno dei protagonisti del cinema italiano del Novecento. Dapprima come critico appassionato, poi come cineasta, è stato tra i fautori della ripresa dell’industria cinematografica nazionale alla fine degli anni Venti durante il fascismo, cui aderì convintamente, prima di distaccarsene e realizzare nel dopoguerra opere che univano il gusto per lo spettacolo a valori pacifisti. Regista instancabile – ma anche brillante sceneggiatore, curioso sperimentatore, insegnante e talent scout –, ha abbracciato generi differenti con film spesso innovativi e di grande successo, come “1860”, “La corona di ferro”, “La cena delle beffe”, “Quattro passi fra le nuvole”, “Fabiola”, “Altri tempi”, “Peccato che sia una canaglia” ed “Europa di notte”. Alberto Malfitano ne ripercorre la carriera, a partire dal vasto archivio personale conservato presso la Cineteca di Bologna. Un prezioso scrigno composto da migliaia di documenti che ci restituiscono il mondo di Blasetti e le sue molteplici intersezioni con la cultura e la società italiana del Ventesimo secolo.

Trent’anni al “Resto del Carlino”. Trent’anni da fotoreporter a guardare e a raccontare Bologna e quello che accadeva. Giornate a cercare la notizia, ad accompagnare i giornalisti, a seguire comizi, funerali, adunate, eventi sportivi, spettacoli, disgrazie; e poi le notti a fare la chiusura, ad aspettare le bozze appena uscite dalle rotative o a fare ‘il giro’ tra questura e ospedali. È questo il racconto in prima persona di Nino Comaschi, ricostruito da due innamorati di Bologna, suo figlio Giorgio, attore e performer, che questa storia la porta anche sul palcoscenico, e Giuseppe Savini, storico, studioso e appassionato di fotografia. Un racconto imbastito attraverso i ricordi e gli aneddoti che Nino ha lasciato, ma soprattutto grazie al suo sterminato archivio fotografico, ora conservato dalla Cineteca di Bologna. Comaschi lavorò al “Carlino” dal 1935 fino agli anni Settanta, passando pian piano dalla macchina fotografica a quella da scrivere. Anni che portarono dalle adunate oceaniche a un progressivo sgretolamento del regime ormai avviato a passo di marcetta verso la catastrofe. Poi la guerra, la Liberazione e il boom. Una parabola e una comunità che Comaschi ha saputo cogliere anche dietro le quinte delle occasioni ufficiali, grazie al suo sguardo disincantato e “distratto” – come preferiva definirlo –, attento agli aspetti modesti e quotidiani, a volte bislacchi, del vivere.

Nel 1923, quando finalmente assapora l’indipendenza creativa, Charlie Chaplin ribalta ogni previsione: il primo film da lui diretto, prodotto e distribuito non è comico. È un melodramma e senza il Vagabondo. Lo sconcerto del pubblico obbliga i cinema ad affiggere cartelli di avvertimento alle casse, ma gli elogi della critica sono unanimi. Chaplin ha realizzato qualcosa di unico, facendo compiere un balzo in avanti all’arte della regia. La storia prende spunto dalla figura di Peggy Hopkins Joyce, nota cacciatrice di dote per la quale un giovane innamorato si tolse la vita. Chaplin scava dentro e oltre le convenzioni morali e il perbenismo borghese che ha già preso di mira con le sue commedie. La raffinata analisi psicologica dei personaggi lo eleva al rango di ‘filosofo della natura umana’. Eppure “La donna di Parigi” non ha successo, e il suo autore abbandona la strada della commedia drammatica. Cosa sarebbe accaduto altrimenti non lo sappiamo. Sappiamo che Chaplin si conferma quel genio comico che tutti conosciamo e amiamo. Sappiamo che questo gioiello, da ogni punto di vista perfetto, è oggi, a oltre cento anni dalla sua realizzazione, un capolavoro da riscoprire. Rarità e approfondimenti: Chaplin Ritrovato: La donna di Parigi (2024) di Cecilia Cenciarelli. Voce narrante di Francesca Mazza; Edna Purviance Screen Test (1916 ca); Parigi anni Venti, attualità Gaumont-Pathé (1920-1926); Camille (1926) di Ralph Barton; United Artists (1919); Scene eliminate (1976); gli altri film della première londinese: Come to The Riviera – For 2 Minutes! (1924), Felix Goes to Hollywood (1923) di Otto Messner, La casa elettrica (The Electric House, 1922) di Buster Keaton ed Eddie Cline. Contenuti libro: Nel booklet curato da Cecilia Cenciarelli, un saggio di Peter von Bagh sul film e un’intervista di Kevin Brownlow a Michael Powell; tra i documenti, i ricordi di Adolphe Menjou ed Eddie Sutherland, una lettera di Chaplin a Edna Purviance e un ritratto dell’attrice, appunti di Chaplin per la storia e un resoconto della visione privata del film di Theodore Dreiser; un’antologia critica.

Su un pianeta lontano, gli Smei, di colore rosso, e gli Smufi, di colore blu, fanno di tutto per evitarsi. Quando due giovani delle rispettive famiglie si innamorano e decidono di fuggire su un razzo, Smei e Smufi partono alla loro ricerca, superando le reciproche diffidenze. Il gatto canterino Bigio Randagio e il musicista di strada Pino si esibiscono nel cuore di Londra, finché una inaspettata e lunga separazione non mette alla prova il loro forte legame. Ma le vere amicizie non finiscono mai. “Gli Smei e gli Smufi” e “Bigio Randagio” sono due nuovi splendidi adattamenti animati tratti dagli amatissimi albi illustrati di Julia Donaldson e Axel Scheffler, creatori di capolavori come “Il Gruffalò”, “La strega Rossella”, “Bastoncino” e “La chiocciolina e la balena”. Ci accompagnano con ironia alla scoperta di mondi ignoti, aiutandoci a comprendere che la diversità è, per chi sa coglierla, un arricchimento e non una minaccia.

«All'inizio degli anni Trenta, Vittorio De Sica rappresentò, nel cinema italiano, una presenza inattesa e fuori dai canoni, una rivoluzione e una ventata di modernità in un paese che non aveva nessun attore da contrapporre a quei divi di Hollywood che, tra muto e inizi del sonoro, avevano cancellato dai gusti del pubblico nazionale il cinema italiano: un cinema che al contrario, fino alla fine degli anni Dieci, aveva goduto d'un mercato e d'una risonanza mondiali. Portato sullo schermo dai successi del varietà e dalla popolarità dei suoi dischi, De Sica è stato il nostro primo divo moderno, comparabile alle stelle del firmamento cinematografico internazionale, a Maurice Cheva-lier, a Gary Cooper, a Hans Albers, a Jean Gabin. Ma questo fu solo l'inizio di una carriera multiforme che non ha paragoni possibili se non, forse, con Chaplin o Welles. "Io — diceva — sono nato e rinato alla vita artistica almeno cinque volte". Cantante e attore di rivista, di prosa, di cinema, De Sica matura, alla fine degli anni Trenta, la consapevolezza che se l'attore rinuncia a risolversi in un personaggio, il regista può essere tutti i personaggi, li può recitare tutti. Da quando diventa autore dei suoi film, plasma i suoi interpreti, si identifica con ognuno di loro, ne assume i punti di vista, mima e ripete con loro ogni singola scena. In coppia con Cesare Zavattini è uno dei massimi protagonisti del principale evento artistico italiano nel Novecento, il neorealismo. Vince i primi due premi Oscar del nostro cinema, aprendone l'Età d'oro, trasformando attori non professionisti in icone della storia del cinema...»