Audino

Rivolto agli studenti del liceo coreutico e in coerenza con le indicazioni nazionali ministeriali, il testo concentra gli aspetti utili a cogliere consapevolmente il legame e lo sviluppo estetico tra suono, ritmo e movimento all'interno delle forme artistiche occidentali di natura colta. Il volume III Bis illustra i principali fenomeni musicali del secondo Novecento osservandoli a partire dalla prospettiva coreica. Nel volume si coniuga la ricerca coreica con quella musicale all'interno di una cornice inusuale, partendo dalle intenzioni coreografiche nei riguardi delle nuove correnti stilistiche in musica e dell'estetica di alcuni compositori, e poi descrivendo queste ultime nelle loro peculiarità.

In questi due volumi, completamente riveduti e integrati rispetto alla prima edizione, si racconta il mestiere del costumista nei suoi diversi aspetti, le varie fasi della preparazione e della produzione di un film o di uno spettacolo, dalla formazione fino al lavoro sul set. Nel primo volume si analizza l'iter della formazione e il mestiere del costumista sintetizzando il lavoro in due fasi, una tecnico-organizzativa e una creativa. Il volume è arricchito da un indirizzario di fornitori, una bibliografia, una lista di scuole di formazione, un elenco di musei, biblioteche, librerie e archivi utili per la documentazione.

In questi due volumi, completamente riveduti e integrati rispetto alla prima edizione, si racconta il mestiere del costumista nei suoi diversi aspetti, le varie fasi della preparazione e della produzione di un film o di uno spettacolo, dalla formazione fino al lavoro sul set. Nel secondo volume si esamina il lavoro del reparto sartoria immaginando quello che avviene in una struttura allestita per la realizzazione e la gestione dei costumi per uno spettacolo. Si parla anche dei tessuti e dei materiali che si possono utilizzare, della loro elaborazione e della tintura. Il volume è arricchito da un glossario tessile.

In questo libro, Murray Smith propone un'analisi approfondita del concetto di personaggio, esplorandone il ruolo nella nostra esperienza della narrazione e della finzione. Esaminando le sue diverse dimensioni, Smith analizza i meccanismi attraverso cui i film (ma anche altre forme d'arte e di cultura) ci avvicinano a loro o, al contrario, ce ne tengono a distanza, e come questi incontri possano modellare e talvolta trasformare le nostre convinzioni e i nostri atteggiamenti. Integrando queste riflessioni con studi sull'emozione in ambito filosofico, psicologico, evoluzionistico e antropologico, personaggi, emozioni, spettatori offre una teoria sulla natura dei personaggi e sulle loro funzioni nella finzione, nell'immaginazione e nell'esperienza umana.

Il corpo è la sorgente della voce. A differenza di quanto viene spontaneo ritenere, respirazione, emissione del suono, articolazione e risonanza (vale a dire l'apparato pneumo-fono-articolatorio) non sono una struttura autonoma, bensì una dinamica che lavora in stretta correlazione con gli impulsi dati dalla corporeità. Questo testo ha la capacità di condurre il lettore alla scoperta di una voce fisica, ricca di senso e coerente con la materia dei pensieri. Utile non solo per cantanti e attori, ma anche in contesti didattici, pedagogici e per chi operi nella cura dei disturbi di linguaggio. La voce e il movimento è rivolto a chiunque parli e canti con gioia e con vivo senso dell'esplorazione.

A cinquant'anni dalla sua uscita, "Taxi driver" resta uno dei film più studiati e controversi della storia del cinema. Questo volume analizza la sceneggiatura di Paul Schrader, mettendo in luce la complessità formale e tematica di un'opera che, dietro un'apparente assenza di struttura, rivela un uso rigoroso e originale del canone drammaturgico classico. Attraverso la figura di Travis Bickle, protagonista memorabile della "nuova Hollywood", il libro esplora la rappresentazione di una metropoli alienante e violenta, offrendo al lettore strumenti critici e spunti di riflessione fondamentali per comprendere il rapporto tra cinema d'autore e scrittura cinematografica.

Basato sulle lezioni tenute da Paul Chitlik alla UCLA, un vero e proprio corso di sceneggiatura che accompagna il lettore dalla pagina bianca alla prima bozza di uno script completo. Con un approccio chiaro, concreto e ironico, l'autore affronta gli elementi fondamentali di ogni narrazione efficace, guidando passo dopo passo l'aspirante sceneggiatore attraverso domande, esercizi e "compiti" pratici. Dalla premessa di Egri alla costruzione delle scene e al beat sheet, Chitlik offre un metodo accessibile e rigoroso, nato dall'esperienza diretta di chi conosce le difficoltà e le incertezze del mestiere. Una guida pensata per imparare a scrivere senza perdersi nel caos creativo.

Ognuno possiede una propria immagine vocale, modellata da fattori fisici, emotivi e culturali. Un manuale classico dove la storica direttrice vocale della Royal Shakespeare Company, propone un approccio alla voce lontano dagli standard rigidi della tecnica tradizionale. Un seminario pratico per liberare il suono naturale della propria voce imparando a sciogliere tensioni e blocchi emotivi. Attraverso una progressione di esercizi che connettono intenzione, respiro e gesto, un libro rivolto a artisti, politici e professionisti della voce. Un percorso per chi vuole ritrovare autenticità, presenza e un modo unico di dire.

Che cosa definisce il lavoro dell'attore? Partendo dalle domande cardine del metodo delle azioni fisiche - che cosa vuole il mio personaggio?; che cosa gli si oppone? - cinque dialoghi e sette monologhi celebri per mostrare, passo dopo passo, come nasce una situazione teatrale viva e credibile. il lettore è coinvolto come in un workshop pratico, dall'improvvisazione alla messa in scena di fronte a un pubblico. Una guida operativa rivolta ad attori, registi e coach per affrontare il lavoro sul testo e il provino con consapevolezza, autenticità e senso del bello.

Questo volume vuole essere uno stimolo nuovo e inedito alla scoperta del piacere della lettura nei piccoli e giovani lettori. Indirizzato in particolar modo agli insegnanti della scuola primaria, questo libro si rivela adatto anche per la secondaria di primo grado. Tramite percorsi di lettura originali, i testi teatrali proposti si configurano come la forma narrativa ideale tramite cui bambini e bambine, ragazze e ragazzi, possono imparare il potere della parola, non solo trovando la propria voce, ma anche ascoltando quella degli altri.

Il crescente utilizzo dei selftape aumenta le difficoltà nell'ottenere un ruolo. Se nei provini in presenza è il casting director a fornire le indicazioni di regia, durante la realizzazione di un selftape l'attore non ha direzioni su recitazione e messa in scena. Questo manuale è dunque una guida pratica che offre suggerimenti e strumenti utili per la creazione di selftape professionali, partendo dalle analisi dei testi e traendone indicazioni su posture, azioni, intenzioni da interpretare. Il volume ha un taglio antologico: suddiviso in quattro sezioni per fascia d'età, presenta 48 ruoli di protagonisti maschili tratti dalle opere di maggior successo e di diverso genere del cinema e della televisione.

Leggenda vuole che sia stato Tespi di Icaria, durante la metà del VI secolo a.C., a separarsi dal coro e a dare vita alla prima azione drammatica teatrale. Una rivoluzione. Da allora in poi, gli eventi non vennero più narrati da una prospettiva esterna. Ora si rappresentava l’eroe in prima persona, mentre agiva e parlava davanti al pubblico attraverso il corpo di un attore. L’arte della recitazione ha preso il via da lì. E da lì sono sorte le domande sul suo potere: che cos’è la recitazione e come si fa? In cosa è diversa dalla vita reale? Si tratta di verità o menzogna? Muovendo dall’interno, dagli stili recitativi e dai pedagoghi che hanno insegnato ad allenare corpo, voce e mente, Brestoff introduce alla vita emotiva necessaria all’attore per realizzare una grande rappresentazione. Capitoli densi di approfondimenti, in cui si esplorano idee, metodi e differenze tra i grandi maestri dell’arte attoriale, accompagnati da esempi tratti da lezioni reali. Stanislavskij, Adler, Mejerchol’d, Strasberg, Meisner, Brecht, Grotowski, Suzuki e molti altri vengono interrogati nei loro principi formativi, restituendo così un quadro di come si sia evoluto il mestiere dell’attore e dando la possibilità di individuare la tecnica più adatta alla propria personalità. Perché una cosa è certa: se chiedete a un grande attore come ha iniziato il proprio percorso, vi parlerà sempre di un suo grande Maestro.