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Un volume che racconta gli uomini, i luoghi e le vicende dell'epopea del jazz in Italia. Da quel marzo 1904, quando un gruppo di cantanti e ballerini creoli, presentati come i "creatori del cake walk", si esibirono al Teatro Eden di Milano, fino alle grandi orchestre degli anni Trenta: una storia fatta di locali da ballo, transatlantici, grammofoni, radiofonia e soprattutto ritmo, fiumi di un ritmo travolgente. Nomi un tempo celebri come Rizza, Carlini, Ortuso o la Mediolana Band ritrovano la loro storica importanza tra queste pagine, nelle quali si chiarisce anche il delicato rapporto tra la cultura italiana, da Gramsci a Mascagni, e una delle grandi invenzioni musicali americane.

Nonostante sia ritenuta una delle opere liriche più importanti mai composte e tra le più note e amate dal pubblico di tutto il mondo, sulla "Carmen" di Georges Bizet, in Italia, sono comparsi pochissimi studi specifici. Questo breve lavoro prova a colmare parzialmente tale lacuna, analizzando tre aspetti essenziali dell'opera: innanzitutto, la genesi del libretto italiano, qui sottoposta a un'analisi "intertestuale" tramite un confronto con il libretto francese originale e la sua fonte letteraria, l'omonimo romanzo di Prosper Mérimée; poi, la reputazione che "Carmen" acquisì quale "prototipo" di opera verista; infine, la sua fortuna critica nei teatri italiani fino ai primi anni del Novecento.

Risiedono nella lontananza le radici più profonde della poetica schumanniana. Un'imprecisata meta attrae la musica di Schumann, allungando nel mondo del remoto le ombre della Sehnsucht. Le citazioni musicali sono le voci di quella lontananza, i segni tangibili del desiderio romantico; Schumann le spoglia di ogni valore decorativo e le trasforma nei necessari riflessi della sua poetica. L'allusione a un altro autore perde così il ruolo marginale di omaggio dotto o affettuoso per divenire una manifestazione concreta degli ideali del compositore. Con Schumann nasce la funzione concettuale della citazione: ogni prestito melodico esprime un concetto e favorisce la comprensione di un intero sistema poetico.

Anton Bruckner è oggi considerato tra i massimi compositori della seconda metà dell'Ottocento, e le sue composizioni sinfoniche, accanto a quelle di Mahler, sono nel repertorio di ogni orchestra sinfonica. In questo volume Sergio Martinotti racconta l'enigmatica vita di un uomo schivo, che cercava di nascondere la propria complessa psicologia dietro una maschera da "compositore di provincia", spiegando al tempo stesso, con dovizia di esempi musicali, l'arte di un compositore ammirato dalla Vienna splendente e cosmopolita di fine secolo, amico di Richard Wagner e considerato da Gustav Mahler come un maestro.

Partendo dalle regole elementari del gioco (il canovaccio fornito dalla rigorosa e formalizzata tipologia delle voci), attraverso l'uso di tutti gli strumenti della linguistica e della semiotica, Lavagetto analizza il corpus dei libretti verdiani alla ricerca delle loro costanti strutturali e linguistiche. Il saggio, pubblicato nel 1979 da Garzanti e qui proposto in una seconda edizione riveduta con correzioni, aggiornamenti e aggiunte, conduce il lettore attraverso i fondamenti della drammaturgia musicale romantica, con fecondi approdi di carattere linguistico, sociologico e storico.

L'attore francese Jean-Louis Barrault definì il teatro «una nave che si appresta a salpare», frase che questo libro potrebbe assumere a proprio motto: il teatro permette infatti lunghi e affascinanti viaggi nei territori dello scibile. È il veicolo scolastico ideale dell'interdisciplinarità, e tra le sue quinte tutti i saperi essenziali possono sviluppare la propria vicenda curricolare e intrecciare dialoghi fecondi. La drammatizzazione è il modo più diretto di "sperimentare l'altro", e portare il teatro musicale a scuola vuol dire metterne a frutto l'enorme potenziale educativo. Ma gli autori di questo libro si spingono al di là dei confini tracciati dalla definizione rigorosa di teatro, per recuperarne la dimensione ludica e le forti valenze simboliche. Il che non esclude certo l'obiettivo di insegnare ai ragazzi il "linguaggio" del teatro musicale, le sue procedure e le sue tecniche: l'ambizione di questo libro è di offrire all'insegnante suggerimenti operativi e spunti di riflessione che gli permettano di inoltrarsi negli affascinanti sentieri dell'esperienza teatrale in modo gratificante e costruttivo. A tal fine, Carlo Delfrati si è avvalso della collaborazione di un gruppo di esperti che operano creativamente da anni nel campo del teatro, e in special modo del teatro musicale: Francesco Bellomi, Marco Bricco, Augusta Dall'Arche, Roberto Neulichedl, Enrico Strobino e Daniele Vineis.

Quando un gruppo di musicologi decide di unire le forze per festeggiare un maestro come Pierluigi Petrobelli, è inevitabile che la moltitudine delle voci si traduca puntualmente in polifonia di idee, tematiche, approcci metodologici. Il carattere eterogeneo e aperto di questo volume, in effetti, non fa che rispecchiare la natura stessa del festeggiato: l'ampia gamma d'interessi che da sempre ne ha animato gli studi, tendenzialmente priva di confini geografici, cronologici e persino disciplinari; ma anche, più in generale, l'altrettanto innata e costante visione dell'attività intellettuale come esperienza esistenziale fondata sul contatto umano, sullo scambio reciproco di vedute, entusiasmi, illuminazioni. Dai madrigali di Marenzio all'Orfeo di Monteverdi, da Mozart a Rossini, da Verdi a Cajkovskij e oltre: ventiquattro saggi in onore di un musicologo che ha esercitato un enorme impatto su intere generazioni di studenti.

Il libro presenta un'analisi documentata della situazione e delle condizioni di vita di un popolo ormai in parte profugo, avvicinato nella sua quotidianità. Diviso in tre parti, il volume si occupa nella prima, in modo diretto, della colonizzazione con cui la Cina ha ormai ridotto gli abitanti originari dell'Altopiano a una minoranza nel proprio paese. Nella seconda e nella terza partte, dedicate agli esuli in India e in Nepal, l'accento viene posto sull'integrazione che vede i tibetani lottare, spesso con successo, per la salvaguardia del loro patrimonio culturale e per il raggiungimento di condizioni di benessere, pur nelle tensioni e contraddizioni interne alla comunità della diaspora.

Il volume, dedicato alla musica del medioevo e del rinascimento, raccoglie otto conversazioni tra il musicologo americano Bernard Sherman e i più importanti e preparati esecutori del presente, e costituisce la prima parte di un'opera destinata a includere anche la musica barocca e il romanticismo. L'espediente del dialogo permette di trattare gli argomenti più difficili e delicati con un tono che non è mai pesante o accademico, facendo affiorare non solo la straordinaria vivacità intellettuale del loro mondo artistico, ma anche mostrando quanti stimoli alla contemporaneità siano forniti dal ripensamento del nostro passato musicale.

La reverenza al mito di uno Schubert tutto modestia e candore, artista "naturale" e creatore "inconsapevole" di melodie immortali, non rispecchia la pienezza tragica della sua vita né il suo forte impegno artistico, al quale destinò i più alti messaggi interiori e subordinò la propria amara vicenda esistenziale e professionale. Questo studio affronta alcuni degli enigmi che lo circondano: dai misteri sottesi a una biografia sommersa, povera di avvenimenti ma non di conflitti - su tutti il tema dell'omosessualità - agli elementi stilistici e simbolici che chiariscono la sostanza compositiva della sua musica. La nuova immagine che ne risulta indica, dietro la maschera di una doppia natura, l'esistenza di un altro Schubert, sfuggente ma non incomprensibile: la parte più vera del suo stesso mito.