Audino

Il compito del cantante, si sa, è quello di emozionare il pubblico con la sua voce e con l'intensità di una comunicazione espressa dalla totalità del suo essere. Dunque, se è vero che siamo fatti di un corpo che comprende la voce (o meglio di una voce che vive dentro a un corpo) questo corpo deve possedere tutti gli strumenti necessari per essere all'altezza di esprimere la poesia fatta musica e le parole insite in essa. E proprio questo il fine delle lezioni raccolte in questo libro, sintesi dei molti anni di attività dell'autrice. Attraverso un approccio che non si concentra unicamente sull'organo vocale, ma che prende in considerazione il soggetto nella sua interezza, L'interpretazione scenica nel teatro in musica si propone di aiutare l'interprete a liberare il proprio potenziale creativo, insegnandogli a gestire le proprie resistenze mentali, le fattezze specifiche del proprio corpo, l'energia intrinseca al movimento, gli slanci emotivi. Nella convinzione che un vero interprete, per essere tale, debba saper affrontare i molteplici passaggi dell'evoluzione della voce e del corpo nella loro straordinaria complessità.

Pubblicato per la prima volta nel 1920, "I cartoni animati" è uno dei testi fondamentali sull'arte dell'animazione. Con le sue 125 illustrazioni, è stato uno dei primi libri a tracciare non solo la storia, ma soprattutto la tecnica dell'animazione. Da quel lontano 1920 il cinema d'animazione si è trasformato moltissimo, ma nonostante le innovazioni tecnologiche del 3D e degli effetti speciali, gli insegnamenti di Lutz sono di fatto ancora validi. Per questo "I cartoni animati" viene ripubblicato oggi in una nuova edizione, con un'Appendice di Andrea Princivalli sulla smart animation che colma l'abisso tecnico che allontanava il testo dal presente. Se la tecnica invecchia facilmente, infatti, la creatività sollecitata da Lutz resta sempre attuale. Introduzione di Marco Bellano.

Difendere le nostre idee è un diritto e un dovere, specialmente di fronte a chi ci contesta. Ma è possibile dissentire senza litigare? E soprattutto: si può insegnare e imparare a discutere? Questo libro sostiene di sì, offrendo illustrazioni di argomentazioni logicamente convincenti e persuasivamente efficaci ed esempi di come non si discute. Nonostante il dibattito abbia un peso considerevole nella vita di ognuno (specialmente in un periodo storico come il nostro, sempre più pluralistico e controversiale), nessuno ce ne ha mai insegnato le regole, né tantomeno le tecniche. Eppure queste esistono, ed è solo conoscendole che potremo imparare a replicare in maniera logica, argomentata ed efficace. E con il giusto rispetto nei confronti dell'altro. Questo libro è destinato a chiunque voglia (o debba) difendere le proprie idee in modo polemicamente cooperativo e creativamente disciplinato; a chi vuole esercitarsi nel gioco dialettico; agli studenti che devono affrontare il "tema argomentativo" e anche a chi intende allenarsi per le Olimpiadi scolastiche di debate. L'obiettivo è recuperare il metodo e lo spirito del dibattito argomentato e regolamentato, oltre che, naturalmente, il piacere vero e proprio di discutere.

La realtà virtuale (VR) apre le porte a una nuova evoluzione dell'audiovisivo: attraverso un visore (headset), chi guarda un film può immergersi nella storia narrata e divenirne protagonista attivo: gli spettatori possono infatti spaziare dove vogliono con lo sguardo e partecipare all'esperienza audiovisiva con tutti i sensi. Ci troviamo dunque di fronte a un nuovo mezzo narrativo dalle grandissime potenzialità. In questo libro Gianluigi Perrone guida i lettori, passo dopo passo, verso la realizzazione di un film a 360 gradi: dalla costruzione dell'immagine, senza più i limiti dell'inquadratura tradizionale, alla sceneggiatura (o sphereplay), dalla narrazione per sequenze alle tecniche di ripresa a 360 gradi, dall'animazione digitale alla post-produzione. Particolare attenzione viene dedicata inoltre alla questione del punto di vista e della soggettiva, fondamentale per innescare il processo empatico che permette allo spettatore di emozionarsi attraverso una storia che viene vissuta davvero in prima persona. Costruito con un taglio fortemente pratico, "Realtà virtuale" offre ai creativi gli strumenti indispensabili per trasformare la propria narrazione in un'esperienza totalizzante e multisensoriale.

«Il sospettato è in stato di fermo». Quante volte abbiamo sentito questa espressione nei TG o l'abbiamo letta in un articolo di cronaca nera? Ma qual è la differenza tra fermo e arresto? Serve il mandato per sfondare una porta? Come si effettuano le intercettazioni telefoniche? E ancora, che differenza c'è tra un revolver e una pistola mitragliatrice? In "Delitti e castighi" Michele Frisia, che è stato a lungo ispettore di polizia, fornisce per la prima volta ai lettori tutti gli strumenti necessari per rispondere a queste domande, affiancando alla descrizione una ricca selezione di esempi tratti da famosi casi di cronaca nera e corredando il libro di appendici dettagliate. Sintetico ed esauriente allo stesso tempo, "Delitti e castighi" scorre come un romanzo, affrontando tutti gli aspetti delle indagini: dalle intercettazioni alla cattura, dall'interrogatorio al carcere. Per questo può essere un aiuto prezioso per gli autori di gialli, thriller o polizieschi, ma anche un mezzo per soddisfare la curiosità di tutti gli appassionati del genere che vogliano scoprire come funziona davvero il mondo delle indagini nel nostro Paese. Prefazione di Giancarlo De Cataldo.

Un buon italiano non si regge soltanto sulla grammatica e sull'ortografia, ma anche sulla corretta pronuncia. Qualunque concetto, per quanto ben formulato, perde credibilità, efficacia e bellezza se è pronunciato in maniera scorretta. Ma per imparare a pronunciare bene non basta conoscere le regole: serve un esercizio costante. Pronunciare bene contiene poca teoria e tanta pratica: una raccolta di testi costruiti appositamente per esercitare la pronuncia di fonemi ostici e accenti inusuali, che aiuta il lettore a sciogliere i dubbi attraverso l'allenamento quotidiano scandito dalla narrazione. Gli scritti sono concepiti per racchiudere una densità di "casi" problematici molto maggiore rispetto ai manuali in circolazione, rispondendo così all'esigenza di professionisti e apprendisti della voce di fare pratica su tante parole. Perché, come dice l'autore, se «per imparare a guidare l'auto è preferibile muoversi su quante più curve possibili, per imparare la dizione corretta è meglio esercitarsi su mille parole che su cento».

Cosa c'entrano i neuroni specchio, le teorie sul linguaggio, le ipotesi neurologiche sulle emozioni con il lavoro pratico degli attori? Potrebbero sembrare mondi distanti, invece neuroscienze e teatro si intrecciano fino a produrre risultati nuovi e inaspettati. "L'attore specchio" raccoglie i frutti migliori di questo connubio, proponendo un metodo innovativo di training per gli attori, che eredita la lezione dei grandi registi-pedagoghi del Novecento riformulata alla luce delle più recenti scoperte sul cervello umano. L'approccio inclusivo del libro si rispecchia anche nella struttura, che alterna parti teoriche a parti pratiche: la teoria svela con parole semplici i meccanismi alla base di azioni abituali come parlare e muoversi, mentre gli esercizi trasformano le nozioni in strumenti di lavoro. Rompere la dicotomia tra corpo e cervello: è questa la chiave del training attoriale esposto in queste pagine, che portano i lettori ad acquisire una nuova consapevolezza della propria fisicità. Utile agli insegnanti di recitazione e ai registi, il testo è pensato soprattutto per gli attori, proponendosi come strumento per creare una lingua comune che favorisca la comunicazione tra chi sta sul palco e chi sta "dietro le quinte". Prefazione di Giorgina Cantalini.

"Make Art Lab è un manuale di Laboratorio Artistico per il primo biennio del liceo. Un testo pratico, ricco di spunti e attività da svolgere, rivolto sia ai docenti che agli studenti. Laboratorio Artistico nelle intenzioni ministeriali è la materia che ha lo scopo di orientare lo studente verso le scelte di indirizzo del triennio successivo. A differenza del consueto impianto declinato verso i sei indirizzi (arti figurative, grafica, audiovisivo multimediale, design, architettura e scenografia) in questo testo si propongono attività di base e trasversali, col presupposto che esse siano utili a prescindere dalle scelte future degli studenti. [...] La proposta è strutturata attraverso 10 moduli didattici: ogni argomento è declinato in attività da realizzare in bi-dimensione e tri-dimensione, con tecniche tradizionali (carta, colori, forbici, colla...) e in digitale (tramite l’uso di software o direttamente on line), per dare modo al docente di scegliere liberamente nel corso dei due anni di Laboratorio quale tema affrontare e con quali strumenti, sia in relazione alla classe con cui lavora che alle attrezzature e tecnologie a disposizione nella scuola. Per i software proposti si è data priorità a soluzioni open source, indicando sempre un’alternativa a quelli a pagamento. Gli applicativi da usare on line sono tutti gratuiti e prevedono soltanto una connessione internet, perché fruibili attraverso un browser. [...] L’appendice on line è dedicata alla scelta dell’indirizzo per il triennio successivo e presenta una serie di artisti del Novecento per invitare a conoscere da vicino alcune tecniche particolari. Le linee guida nel percorso sono le stesse proposte nei diversi capitoli del libro in modo da avere una corrispondenza tra le parti. Attraverso i QR Code presenti nel testo è inoltre possibile visualizzare una serie di video che mostrano in modo immediato l’esito delle esercitazioni proposte oppure suggeriscono approfondimenti. Completano il libro una serie di schede tecniche e tutorial, messi a disposizione sul sito dell’editore, nonché una guida alla programmazione didattica indirizzata ai docenti." (Dalla Premessa)

Pensato per gli studenti dei licei coreutici, questo libro presenta una selezione ragionata degli aspetti fondamentali del percorso dell'arte della danza nei secoli, considerandone sia gli aspetti sociali che quelli estetici e teorici. Particolare attenzione è dedicata inoltre ai necessari collegamenti con le storie del teatro, della musica, dell'arte e della letteratura, oltre che con la filosofia e la storia sociale in generale. Lo scopo è di consentire agli alunni di formarsi un quadro generale dell'evoluzione "storica della danza, di conoscerne la terminologia anche nell'aspetto etimologico e di acquisire le abilità e le competenze necessarie a inquadrare le informazioni ricevute in una prospettiva interdisciplinare e transdisciplinare, come specificato nelle Indicazioni Nazionali per il liceo coreutico. I testi sono corredati da numerose illustrazioni e materiali utili agli alunni DSA, come schede di approfondimento, sintesi e prospetti analitici. Infine, a conclusione di ciascun capitolo, una scheda con "esercizi e verifiche" aiuterà a focalizzare i punti principali dei contenuti e a pervenire con maggiore facilità a una visione sintetica degli argomenti. L'opera, divisa in tre volumi, prevede anche alcuni contenuti digitali integrativi ed è facilmente fruibile da chiunque desideri accostarsi a una conoscenza di base della storia della danza in Occidente. Piano dell'opera: Volume I. Dalle civiltà greca e romana al XVII secolo; Volume II. Danza e balletto nei secoli XVIII e XIX; Volume III. Rivoluzioni ed evoluzioni nel XX secolo. Il terzo volume tratta i principali avvenimenti storici del Novecento, sia riguardo alla "rivoluzione" dovuta all'avvinto della danza libera e al conseguente sviluppo della danza moderna e contemporanea, sia nei confronti dell'evoluzione del balletto classico in direzione moderna. Si illustra dunque il cambiamento di visione generale dovuto ai nuovi eventi storici e all'avvento della società di massa sia in America sia in Europa, collegandolo con l'influsso della dottrina di Fraançois Delsarte e con i movimenti che hanno portato alla rivalutazione del corpo, per arrivare a esaminare l'apporto delle maggiori personalità che hanno determinato la nascita della modern dance in America e della "nuova danza" in Europa, da Isadora Duncan a Ruth St. Denis e Ted Shawn, da Rudolf Laban a Mary Wigman e Kurt Jooss, fino a Martha Graham, Doris Humphrey, José Limón, Merce Cunningham, Hanya Holm e Alwin Nikolais; in parallelo con il delinearsi del Teatrodanza europeo.

Come qualsiasi altra forma d'arte, anche il cinema costituisce una straordinaria opportunità educativa, un'occasione di riflessione, confronto e crescita. Questo manuale, raccontato in modo agile e discorsivo, illustra il metodo PVCODE (Participatory Video for COmmunity Develtopment), costruito sul concetto chiave di "video partecipativo", attraverso il quale il cinema abbatte le sue barriere e permette a detenuti, tossicodipendenti, pazienti psichiatrici, disabili, migranti, ma anche studenti e persone comuni, di diventare ideatori e realizzatori di film che riguardino la loro personale realtà. Di rendersi attivamente partecipi, cioè, della filiera cinematografica IR tutte le sue fasi (dall'ideazione alla scrittura, dalle riprese al montaggio, finanche alla distribuzione), il tutto con l'ausilio di esperti, educatori e facilitatori. Video partecipativo fornisce una base teorica e numerosi strumenti operativi che illustrano passo passo le varie fasi in cui si articola la realizzazione di un video partecipativo, affiancando alla descrizione l'analisi di diversi case studies. È dotato inoltre di un'appendice che si configura a sua volta come un manuale nel manuale: una grammatica di base, sintetica ed essenziale, per muovere i primi passi con il mezzo cinematografico. Pensato soprattutto per educatori e operatori di comunità, "Video partecipativo" intende far conoscere le potenzialità educative e formative di questo approccio e incoraggiarne l'utilizzo anche in Italia, nella consapevolezza che il cinema fa sicuramente bene a chi lo guarda, ma di certo fa ancor più bene a chi lo fa.

Tra i vari fattori che concorrono a determinare il successo di un evento l'impatto visivo gioca un ruolo fondamentale. L'elemento scenografico, infatti, se ben pensato e ben realizzato, può fare la differenza tra un allestimento interessante, originale, curato, e un allestimento scialbo, banale, privo di personalità. "Eventi. Dal concept alla realizzazione" illustra tutte le fasi che portano alla creazione di una scenografia per eventi, dall'ideazione alla realizzazione pratica, con un'attenzione particolare alla parte operativa, illustrata attraverso schemi dettagliati. Oltre alla descrizione delle dinamiche produttive e organizzative dell'evento, fondamentali punti di partenza per chi vuole occuparsi artisticamente della messa in scena live, il libro si occupa anche di aspetti collaterali quali i rapporti con le istituzioni pubbliche, i permessi e le forniture da attivare nelle location, cioè di tutte quelle questioni organizzative con le quali il creativo è chiamato a misurarsi. Il libro è inoltre arricchito da materiale video e iconografico consultabile sul sito dell'editore. Pensato soprattutto per gli studenti di management dello, spettacolo, siano essi liceali o universitari, "Eventi. Dal concept alla realizzazione" è uno strumento per chiunque voglia abbracciare con consapevolezza l'affascinante campo della scenografia per eventi: un ambiente dinamico e in continua evoluzione, che travalica i confini della semplice organizzazione.

Libro dal taglio fortemente pratico, ben organizzato e di rapida consultazione, "Drama games" raccoglie un'ampia selezione di esercizi di teatro pensati per un pubblico dai 6 ai 99 anni. Costituisce dunque uno strumento prezioso sia per gli insegnanti dei corsi di teatro non professionali (destinati o meno alla messa in scena di uno spettacolo) che per chi vuole proporre il teatro nelle scuole, per i gruppi autogestiti e per le giovani compagnie. Il suo scopo è infatti fornire gli strumenti per dirigere con efficacia e maggiore consapevolezza il lavoro di gruppo. Gli esercizi sono mirati a esplorare a sviluppare abilità come la concentrazione, l'immaginazione, la fiducia, il lavoro di squadra, l'improvvisazione, l'energia e la caratterizzazione. Qualità che distinguono la pratica dell'arte drammatica a qualsiasi livello. Per ogni esercizio, oltre allo scopo, sono indicati l'età minima e il numero minimo o ideale di partecipanti e le istruzioni sono arricchite da consigli e varianti frutto dell'esperienza dell'autrice come regista e insegnante. Per facilitare la scelta dell'esercizio più adatto alle esigenze di ognuno, il libro si conclude con due elenchi di esercizi suddivisi in base alle principali, abilità da sviluppare e a caratteristiche pratiche come le dimensioni del gruppo, la durata dell'esercizio, il livello dei partecipanti.