Armelin Musica

Il direttore di un coro ha bisogno di cantori: non può guidare una entità virtuale. In questo testo si vuole prendere in considerazione la preziosa figura del cantore, colui che fa parte di un coro: un gruppo che unisce l’uso della voce ad una pratica di insieme. In questo manualetto si vuole fornire il cantore di quello che gli può servire per cantare con maggiore tranquillità e consapevolezza. Si potrebbe dire: ciò che è indispensabile per essere un cantore soddisfatto! È un testo che deriva dall’esperienza fatta in vari decenni di pratica corale di qua e di là della barricata: quarant’anni con i piedi nel guado, mirando (con le orecchie) a quello che succede al mio vicino di sezione.

Il presente studio si propone di riabilitare il valore del tardo Mendelssohn tramite l’analisi e la valutazione ermeneutica del suo Concerto in mi minore per violino e orchestra Op. 64. L’argomentazione si sviluppa in quattro capitoli: il primo capitolo illustra il “Problema Mendelssohn” indagandone le radici e l’evoluzione storica, mentre i tre capitoli successivi sono dedicati all’analisi del Concerto. Di questi, uno è dedicato all’analisi della struttura ciclica del Concerto nel suo complesso e della struttura formale dei singoli movimenti, un altro alla Grundgestalt Analysis e infine l’ultimo, diviso in due parti, affronta la prospettiva ermeneutica ed interpretativa, integrando così la componente puramente analitica: vengono fornite un’interpretazione ipermetrica del concerto, svolta a campione, e una narratologica.

L’Arlequinade, altrimenti detta Les millions d’Arlequin, è un balletto in due atti messo in scena per la prima volta il 23 febbraio 1900 al Teatro dell’Ermitage di San Pietroburgo. Il libretto e la coreografia sono di Marius Petipa, la musica è di Riccardo Drigo (anche direttore d’orchestra dell’evento). Il lavoro, che ottiene un grandissimo successo, viene replicato molte volte nel prestigioso Teatro Mariinskij e ripreso fino al 1924. Oggi, sia pure modificato come qualunque balletto del passato, è parte del repertorio di numerose ed importanti compagnie di balletto di tutto il mondo. Nel fondo privato Riccardo Drigo Elena Randi ha ritrovato un preziosissimo répétiteur dei Millions d’Arlequin. Una volta pronta l’intera partitura di un balletto, il compositore doveva scrivere una riduzione per uno o due violini da usare alle prove. Infatti, per la maggior parte di esse, i danzatori non erano accompagnati da tutta l’orchestra, ma da uno o due violini anziché dal pianoforte, come, invece, in uso oggi. Questo manoscritto, che aveva il nome di répétiteur, è particolarmente importante perché specifica quale ‘colonna sonora’ fosse veramente utilizzata in una data produzione.

La comprensione dell’incredibile varietà di forme espressive e del carattere dei lieder di Franz Schubert dipende in gran parte anche dalla conoscenza dei testi. Perciò sono molto lieto che con l’apparizione di questo libro ora l’accesso all’universo dei lieder di Schubert sia sostanzialmente facilitato a molti amici della musica.” Questa infatti è la prima traduzione italiana completa delle composizioni vocali di Schubert: la necessità di un’opera come questa nasce in primo luogo dall’amore per i lieder. Questa passione ha prodotto un forte desiderio di comprendere a fondo il contenuto dei testi, vere e proprie composizioni poetiche dovute alla penna di autori, tra gli altri, del calibro di Wolfgang von Goethe e Friedrich von Schiller. Delle poesie di questi due autori è possibile reperire traduzioni in italiano, ma che dire delle liriche prodotte dai numerosissimi altri poeti sconosciuti ai più? Ritengo che la cosa possa essere di interesse anche per gli altri appassionati e in generale per tutti coloro che, pur apprezzando la musica, non hanno mai osato avvicinarsi al genere.

In tempi in cui si moltiplicano le distinzioni tra diverse categorie di canto, variamente denominate (classico, moderno, lirico, barocco, pop, jazz ecc. ecc.), sempre più sta sfuggendo la consapevolezza di una distinzione ben più radicale e fondamentale: quella tra canto e similcanto, canto a risonanza libera e canto a risonanza forzata ovvero, per l’appunto, belcanto e meccanocanto. Questa distinzione attraversa tutte le categorie di canto sopra citate, compresa quella del ‘canto lirico’, che assieme ad esempi, sempre più rari, di tecnica vocale autenticamente belcantistica ingloba in sé esempi di vero e proprio grottesco tecnico-vocale, spesso spacciato paradossalmente per ‘belcanto’. Aiutare a prendere coscienza che, così come succede con fenomeni naturali quali l’evaporazione o il galleggiamento, anche la tecnica ‘invisibile’ del belcanto fa la sua apparizione solo rispettando precise condizioni, apparentemente insignificanti perché ‘normali’, è lo scopo di questo libro.

Questa pubblicazione vuole essere un contributo pratico alla didattica e pedagogia musicale, alla musicoterapia e alla logopedia, arricchendone lo specifico repertorio e materiale operativo già in uso, quindi è rivolta ad insegnanti di propedeutica musicale, didatti specializzati in metodologie Dalcroze, Orff, Kodàly, Gordon, Suzuki, operatori musicali a vario titolo, musicoterapeuti, logopedisti, educatori del Nido, della scuola dell’Infanzia, agli insegnanti della scuola Primaria che troveranno nella terza parte alcuni spunti per attività musicali interdisciplinari e, non ultimo, anche ai genitori e futuri genitori, che potranno trovare, nei testi, idee da aggiungere al proprio repertorio di canti e filastrocche utilizzate nella quotidiana relazione con i propri figli. Il repertorio è pensato per attività musicali e psicomotorie rivolte all’infanzia (0-10 anni) e comprende: Canti in varie tonality; Canti con metriche usuali e inusuali; Filastrocche; Suggerimenti operativi per ciascun brano.

Questa pubblicazione raccoglie le partiture e i testi di venti canzoni popolari padovane composte tra gli anni Quaranta del secolo scorso e gli anni Settanta. Nell’insieme esse ci raccontano, con immagini e sfumature diverse, la Padova del secondo dopoguerra: una città molto diversa da quella dei nostri giorni e della quale, per alcuni aspetti, proviamo un po’ di nostalgia. I monumenti vissuti come luoghi della quotidianità, dell’amore, dei mestieri umili, dei divertimenti semplici, dei personaggi caratteristici che giravano per le nostre vie e piazze. Un affresco che è disegnato da versi e melodie e che penetra nell’intimo di chiunque ascolti queste canzoni. Venti canzoni che correvano il rischio di essere completamente dimenticate e che questa iniziativa editoriale, unica nel suo genere, ha il pregio di raccogliere e di fissare in un'unica pubblicazione. La raccolta è curata da Antonio Ongarello, testimone diretto della genesi e della esecuzione di queste canzoni. Il volume è impreziosito dalla prefazione di Francesco Jori la quale, come un’ouverture, ci prepara ad essere in sintonia con le canzoni pubblicate.

Sette Istituti di Alta Formazione Musicale inseriti in un territorio unico: mare, monti, laghi, ameni colli, città d’arte, eccellenze agroalimentari. Questi sono i Conservatori della Regione del Veneto: Venezia, Padova, Vicenza, Verona, Rovigo, Adria, Castelfranco Veneto. Quest’agile pubblicazione ci racconta la vita e le opere dei compositori da cui i conservatori prendono il nome e informa sulle singole realtà prese in esame. Il volume è arricchito da un excursus storico sulle prime realtà di formazione musicale già presenti in Veneto a partire dal XIV secolo e conosciute come “Ospedali”, e da alcune pagine dedicate alla Villa Contarini di Piazzola sul Brenta che, in qualche modo, collegano tale luogo ai sette conservatori. Un ricco apparato iconografico, l’elenco dell’offerta formativa di ogni conservatorio, un’ampia bibliografia, e un dettagliato indice dei nomi e dei luoghi rendono questo libro gradevole da leggere e pratico da consultare.

Lo scopo di questa ricerca è l’analisi comparata dei sistemi ritmico-metrici nelle tradizioni classiche occidentale, araba ed indostana. In particolare, vengono esaminati i sistemi della tradizione colta ufficiale attualmente in uso, con qualche richiamo alle origini dei vari concetti musicali. La trattazione si basa su un’analisi delle categorie di pensiero e delle caratteristiche trasversali ai tre sistemi: tempo astratto e concreto, pulsazione, unità di tempo, accento, metro, ritmo e forma. Segue la descrizione delle caratteristiche idiomatiche delle singole tradizioni che struttura, infine, la comparazione tra i concetti di ritmo occidentale, ’aṣl turco-arabo e tāl indostano e relativi livelli di significato teorico.

Il Coro Euridice compie 140 anni… 140 anni di un lungo cammino di memoria, cultura, arte, concerti, prove, studio, viaggi, luoghi, esperienze, ricerca, sperimentazione, progettualità, relazioni, persone, il tutto ben riposto nello zaino di colui che questo cammino lo affronta: il corista. Sì, il corista, elemento minimo ma imprescindibile del coro, al quale vorrei dedicare queste poche righe di presentazione. Ho sempre trovato nel corista Euridice un senso di appartenenza molto forte: questo sentire, che è forse pari a quello del far musica, buona musica, è benzina per il motore, datato ma vivace e brioso, di questa Società Corale. Canto in questo coro da circa trent’anni e ho visto “visi e voci di chi ho amato prima poi andar via” (perdonate la citazione, “mi scappò”); ma non c’è occasione di incontro con ex coristi dell’Euridice in cui non affiori in loro istantaneamente la nostalgia di qualcosa che si è lasciato, verso cui tuttavia sentono ancora di far parte.

Le Partite sopra i corali si configurano come cammei domestici, sorta di “perle familiari” la cui fruizione è parimenti godibile al clavicembalo: quasi un suggestivo tentativo di conciliazione fra elementi sacri (il tema del corale - anche se non di rado la sua origine è popolare) e profani (i movimenti di danza di una suite cembalistica). Sandro Carnelos sottopone alla sua sapiente lente di analisi le Variazioni Canoniche, massima espressione della summa contrappuntistica bachiana.