Allemandi: Varia

Emblema architettonico e simbolico di Torino, la Mole Antonelliana è da oltre un secolo un punto di riferimento visivo, culturale e ora cinematografico. "MOLE. Il tempio del Cinema" è un volume che intreccia architettura, fotografia e storia del cinema, offrendo al lettore un viaggio affascinante attraverso la verticalità del monumento e la profondità della sua trasformazione in tempio della settima arte. La prima sezione è un omaggio alla Mole come oggetto architettonico e simbolico. Scrittori, architetti e studiosi raccontano la sua unicità: dallo sguardo letterario di Giuseppe Culicchia alla riflessione storica di Gritella sull’opera di Alessandro Antonelli, fino all’esperienza estrema dell’alpinista Maurizio Puato, che ne ha conquistato la vetta. Chiude la sezione lo sguardo contemporaneo di Mario Botta, che riflette sulla singolarità di un’opera che sfugge a ogni classificazione. A segnare il passaggio tra il racconto della Mole come edificio e quello del Museo come contenitore, si inserisce un portfolio fotografico centrale firmato da Riccardo Ghilardi. Stampato su una carta diversa per valorizzarne l’impatto visivo, raccoglie circa 45 scatti in bianco e nero in stile fine art, che ritraggono le grandi star del cinema internazionale di passaggio negli ultimi anni al Museo del Cinema. Un intervento autoriale che non è semplice documentazione, ma omaggio visivo al rapporto tra volto, luce e memoria cinematografica. La terza sezione è dedicata al Museo Nazionale del Cinema, che dal cuore della Mole racconta la storia della visione. Dalla Torino pioniera del cinema (testo di Benini) alle collezioni straordinarie illustrate da Stefano Boni, passando per la figura fondativa di Maria Adriana Prolo raccontata da Donata Pesenti, e lo sguardo visionario di Dario Argento, che ha trovato in Torino un set ideale. Chiude il volume una postfazione d’eccezione: Martin Scorsese celebra la Mole come un santuario della settima arte, uno spazio in cui la memoria del cinema si fa esperienza viva.

In un tempo accelerato, Elisabetta Di Maggio ci invita a rallentare. Le sue opere – delicate, minuziose, profondamente intime – parlano il linguaggio della natura e del tempo, restituendo alla fragilità il suo valore essenziale. Questo volume accompagna la mostra personale dell’artista milanese alla GAM di Torino (29 ottobre 2025 – 1 marzo 2026), a cura di Chiara Bertola e Fabio Cafagna, e raccoglie il corpus delle installazioni e dei lavori che raccontano una ricerca coerente, poetica e radicale. Ogni opera nasce da un gesto paziente e ripetuto – tagli, incisioni, trame – che mimano i ritmi della crescita organica e dell’erosione naturale. Un lavoro di cura, che porta l’attenzione sul valore del dettaglio, sul tempo lento dell’artigianato e sul legame profondo tra arte e biologia. Il catalogo riflette la tensione tra ordine e instabilità, equilibrio e mutamento, offrendo uno sguardo sensibile su un’arte che non impone, ma ascolta. Un libro per chi cerca il senso nelle pieghe più impercettibili del reale.

Con "Il tempo sospeso, parte II" la Galleria Mattia De Luca ha voluto proseguire l'avventura espositiva intrapresa con la rassegna «Giorgio Morandi. Il tempo sospeso» (Roma, 2022), arricchendola di un importante secondo capitolo, significativamente americano. In una dimora storica di New York, una town house ottocentesca dell'Upper East Side presso Central Park, il gallerista Mattia De Luca e Marilena Pasquali hanno scelto di presentare l'opera del grande maestro bolognese rievocando al tempo stesso l'intimità domestica del suo ambiente di lavoro e i fecondi rapporti con gli Stati Uniti, intessuti già in vita dall'artista a partire dagli anni trenta e da allora mai più interrotti. New York è stata la prima città degli Stati Uniti ad avergli dedicato una personale presso la Delius Gallery, nel 1955. Frutto della rinnovata collaborazione con il Centro Studi Giorgio Morandi di Bologna, il progetto ha inteso ripercorrere la parabola creativa dell'artista attraverso più di sessanta lavori tra acqueforti, acquerelli, disegni e dipinti a olio, realizzati tra il 1914 e il 1964. Preziose variazioni sui temi della natura morta e del paesaggio, «musicate» dal pittore di Grizzana attraverso un uso sapiente del colore e dei volumi, le opere hanno offerto un'importante occasione di confronto e riflessione storico-critica.

"Women & Ruins" porta alla luce una storia dimenticata e profondamente attuale: quella di studiose, esploratrici e donne visionarie che, agli inizi del Novecento, utilizzarono la fotografia come strumento scientifico e poetico per raccontare l’archeologia e un’Italia in trasformazione. Non potendo scavare, queste pioniere – tra cui Esther Van Deman, Gertrude Bell, le sorelle Bulwer e Maria Ponti Pasolini – seppero vedere e documentare dettagli invisibili: tracce di vita, paesaggi marginali, gesti quotidiani. Il volume, legato alla mostra ospitata presso l’American Academy in Rome fino al 9 novembre 2025, raccoglie 80 immagini d’archivio e offre un’analisi critica del rapporto tra memoria, modernità, genere e conoscenza. Attraverso saggi di Caroline Goodson, Ilaria Puri Purini, Martina Caruso e Raffaella Silvestri, si delinea un percorso che unisce esplorazione e narrazione, scavo e sguardo. Un catalogo potente e ispirazionale, adatto a studiosi, fotografi, archeologi, curatori e a chi cerca una prospettiva alternativa sulla storia delle rovine e sul ruolo delle donne nel mondo della ricerca.

"Giorgio Morandi. Il tempo sospeso, parte II" prosegue l’avventura espositiva iniziata a Roma nel 2022, aprendo un nuovo capitolo dedicato al rapporto del maestro bolognese con gli Stati Uniti. Ambientato in una storica dimora ottocentesca dell’Upper East Side di New York, il progetto – curato da Marilena Pasquali, Arianna De Simone, Maria Chiara Romiti e Marco Zindato – rievoca l’intimità dello studio dell’artista e al tempo stesso ne sottolinea i fecondi legami con la scena internazionale. Non a caso, New York fu la prima città americana a dedicargli una mostra personale nel 1955. Il catalogo, realizzato in collaborazione con il Centro Studi Giorgio Morandi di Bologna, raccoglie oltre 60 opere tra acqueforti, acquerelli, disegni e dipinti a olio, realizzati dal 1914 al 1964. Preziose variazioni sui temi della natura morta e del paesaggio, capaci di tradurre in pittura il senso del tempo sospeso che contraddistingue l’arte di Morandi. Arricchito dai testi di Robert Storr, Siri Hustvedt, Ed Ruscha e Massimo Recalcati, il volume offre uno sguardo critico e poetico insieme, restituendo tutta l’attualità e la profondità di un artista che continua a ispirare generazioni di studiosi, collezionisti e appassionati.

L'edizione del "Diario 1943-1952" di Stefano Jacini rende disponibile una fonte inedita, autentica e vivissima su vicende e protagonisti della storia italiana dal crollo del regime fascista ai primi anni della Ricostruzione. Stefano Jacini (Milano 1886 - Milano 1952) è stato uno dei padri costituenti della Repubblica. Esponente di spicco della Democrazia Cristiana, pubblicista e storico, fu il primo presidente della Cassa di risparmio delle provincie lombarde dopo la Liberazione; nel secondo dopoguerra, inoltre, viene nominato ambasciatore straordinario in Argentina per la conclusione del trattato sull'emigrazione del 1947, membro del Consiglio d'Europa, di cui divenne uno dei vicepresidenti, nonché rappresentante della Repubblica Italiana presso l'UNESCO. Dalle pagine del Diario affiorano certo eventi storici e personaggi celebri, non solo italiani, ma anche la vita quotidiana dell'autore, i familiari, gli amici di una vita di relazioni significative. Le 1300 schede biografiche dei soggetti citati - figure storiche, anche molto note, ma pure donne e uomini totalmente sconosciuti agli inventari biografici - guidano nella comprensione di un periodo che ha segnato a fondo la storia del nostro Paese.

"Jeff Wall. Photographs" è il primo e unico volume finora pubblicato in edizione italiana che offre una panoramica ampia e approfondita dell’opera di uno dei più influenti fotografi contemporanei. Nato a Vancouver nel 1946, Jeff Wall ha ridefinito il linguaggio fotografico a partire dalla fine degli anni Settanta, integrando elementi della pittura, del cinema, della teoria critica e della cultura visiva contemporanea. Curato da David Campany – studioso e autore di riferimento nel panorama internazionale – il volume seleziona alcune delle immagini più emblematiche di Wall e le presenta attraverso un percorso critico raffinato e accessibile, arricchito da riferimenti teorici e da un’attenta analisi formale. Elemento distintivo del catalogo è la presenza, per ogni fotografia, di due dettagli a piena pagina che permettono al lettore di esplorare da vicino la complessità iconografica dell’opera: posture, oggetti, ambienti e punti periferici che spesso rivelano nuove interpretazioni. Stampato in grande formato e realizzato con finiture di alta qualità, "Jeff Wall. Photographs" si configura come strumento di studio e oggetto da collezione, ideale per università, biblioteche, istituzioni museali, curatori, fotografi e appassionati di arte contemporanea.

Poetica, rigorosa, inclassificabile. Bice Lazzari è una delle figure più affascinanti e ancora da scoprire dell’arte italiana del Novecento. Questo volume accompagna una grande mostra che non è solo retrospettiva, ma un vero e proprio viaggio nella costruzione di un linguaggio: personale, radicale, assoluto. La pittura di Lazzari è un alfabeto emotivo fatto di segni, misure, pause e ritmi. Una scrittura visiva nata dal silenzio, nutrita di musica e disciplina, capace di attraversare correnti e stili senza mai perdere la propria voce. Il catalogo – frutto di un lungo lavoro di ricerca e curato da Renato Miracco – intreccia opere, lettere, materiali d’archivio e riflessioni critiche, raccontando un percorso che va dalla pittura murale alle astrazioni liriche, dalle arti applicate alla profondità dell’informale. "Bice Lazzari e i linguaggi del suo tempo" è anche una riflessione più ampia: sull’essere artista, sull’identità femminile, sulla necessità di un’espressione che non ceda mai alla moda, ma trovi la propria verità nel gesto e nella misura. Un libro necessario per comprendere come la sua opera, lucida e visionaria, continui a dialogare con il nostro presente.

Il catalogo "Da Cindy Sherman a Francesco Vezzoli" raccoglie gli esiti della trentennale ricerca dell’avvocato Giuseppe Iannaccone, sofisticato collezionista d’arte milanese, presentata in anteprima internazionale a Palazzo Reale a Milano dal 7 marzo al 4 maggio 2025. I lavori degli 80 artisti italiani e internazionali in mostra spaziano dalla fine degli anni Settanta alle produzioni più recenti, in un percorso in cui si dipanano questioni centrali della contemporaneità, dall’indagine sull’identità alle riflessioni sulla rappresentazione del corpo, dal desiderio di libertà individuale e collettiva alla commistione di culture diverse. Da Cindy Sherman a Lynette Yiadom-Boakye, da Nan Goldin a Nicole Eisenman, da Kiki Smith a Marc Quinn, da Lisetta Carmi a Francesco Vezzoli; tutti artisti presenti nell’inedita e prestigiosa sezione contemporanea della Collezione Giuseppe Iannaccone che sono legati e collegati da un dialogo sui più importanti temi sociali come il rapporto con il corpo, l’identità in continua evoluzione, il multiculturalismo e le complesse interazioni tra Oriente e Occidente. Una mostra che è sì il ritratto di una collezione, che lungi dal voler essere onnicomprensiva ed esaustiva rispecchia la visione di chi l’ha costruita, ma allo stesso tempo si apre a tutti coloro che vogliano trovare nell’arte un riflesso dei nostri tempi.

Il volume, a cura di Ilaria Bonacossa e Marina Avia Estrada, è ispirato all’omonimo romanzo di Herman Melville e prende le sue mosse dalle molteplici analisi e letture che questo capolavoro letterario dell’Ottocento americano racchiude nelle sue pagine: il rapporto tra l’uomo e la natura; il conflitto tra il bene e il male; i sentimenti di passione e vendetta; la convivenza tra esseri marini ed esseri umani; il tema del viaggio e della scoperta. Partendo da queste molteplicità, il catalogo propone un percorso narrativo capace di accompagnarci alla scoperta dell’universo artistico generato dal romanzo passando dall’arte antica a quella contemporanea, con opere di artisti italiani e internazionali come Pino Pascali, Piero Manzoni, Joan Jonas, Wu Tsang, Carsten Holler, dal design all’illustrazione, dalla storia della navigazione alla scienza, dalla letteratura alla musica. Catalogo della mostra a Palazzo Ducale, Genova, 10 ottobre 2025-15 febbraio 2026.

"Flowers of My Desire" è il catalogo ufficiale della prima grande personale di Joana Vasconcelos in una istituzione pubblica svizzera, ospitata dal 15 giugno al 12 ottobre 2025 al Museo Comunale d’Arte Moderna di Ascona. Artista nata a Lisbona nel 1971 e tra le voci più influenti dell’arte contemporanea, Vasconcelos ha partecipato a tre edizioni della Biennale d’Arte di Venezia ed è stata la prima donna a presentare una mostra personale alla Reggia di Versailles e al Guggenheim Museum Bilbao. Celebre per le sue opere monumentali e installazioni immersive, l’artista decontestualizza oggetti quotidiani trasformandoli in simboli identitari, ricucendo il legame tra artigianato, design e arte contemporanea. Con ironia e leggerezza affronta temi legati all’identità femminile, alla società dei consumi e alla memoria collettiva. Il volume riproduce oltre 30 opere realizzate dagli anni Novanta a oggi e include un’intervista esclusiva di Mara Folini e Alberto Fiz che offre uno sguardo diretto sul pensiero e sul metodo creativo di Vasconcelos. Una narrazione potente e visivamente immersiva, ideale per professionisti dell’arte, collezionisti e chi cerca un punto di vista innovativo sull’arte contemporanea.