Libri di A. Fiz (cur.)

Il segno è l'oggetto di un incontro che rinnova il proprio destino per la capacità di assorbire l'io e di porlo in relazione con la collettività. Ma non si limita a questo: è una forma di racconto partecipativo che trasmette la parte privata del rituale senza imporre un distacco tra soggetto e oggetto; allo stesso tempo, appare come una zona di libertà incondizionata in grado di aderire al sentimento delle cose. I quattro percorsi intorno al segno di Sergi Barnils, Giuseppe Capogrossi, Achille Perilli, Joan Hernández Pijuan, in apparenza così distanti, spesso convergono, a dimostrazione di quanto sia attuale un'ipotesi linguistica che prosegue nel tempo e in ogni circostanza pone nuove problematiche.

Il primo cielo è la nudità stessa della cosa, la pura evidenza che fa di ogni cosa qualsiasi cosa, forma, materia, movimento. È lo stare senza volontà delle cose trattenute in se stesse, né remote né in anticipo rispetto alle nostre intenzioni, ma solo date al loro stesso apparire. Un apparire insieme al loro cielo mutevole e, allo stesso tempo, unico e necessario; per un contatto imperfetto, per un incontro senza tempo, per una sosta sempre revocata da quella stessa libertà di cui sono fatte. Un apparire che non ammette vuoti, amnesie o ritardi, né un fondo a cui ancorarsi.

Il volume è dedicato alla Pittura Analitica, un'esperienza artistica di rottura rispetto ad altri movimenti degli anni settanta - quali il minimalismo, l'arte povera o le ricerche dichiaratamente espressioniste e materiche condotte in quegli anni - che ha avuto ampi riflessi in tutta Europa e che, riletta a oltre quarant'anni dalla sua nascita, svela una sorprendente vitalità. Il volume, dal taglio critico inedito, evidenzia una continuità tra le opere storiche degli anni settanta e quelle dell'ultimo decennio, a dimostrazione di un rinnovamento nell'ambito di una coerenza linguistica e semantica. Nel volume, introdotto da un saggio di Alberto Fiz, si analizzano i maggiori protagonisti italiani di questo movimento di cui è presentata, oltre a una selezione di opere, un'antologia di scritti di grande interesse.

Il catalogo è dedicato all'opera di Tino Stefanoni (Lecco, 1937), di cui intende approfondire l'approccio che l'artista lecchese ha avuto - dagli esordi a oggi - con il paesaggio, trasformandolo in oggetto, riducendolo ai minimi termini e spogliandolo di ogni sovratono emotivo e retorico. Come dichiara Alberto Fiz nel testo introduttivo, i paesaggi di Stefanoni diventano "non-luoghi della mente che ciascuno potrebbe modificare in base al proprio gusto o alle proprie ambizioni." Completano il volume apparati biografici.

"Universo Depero" è dedicato a uno degli artisti più significativi e amati del Novecento, la cui opera, dalle molteplici sfaccettature, appare ancora oggi di straordinaria attualità. Fortunato Depero ha saputo proporre una visione estetica in grado di manifestarsi in molti campi dell'esistenza: fu infatti non solo pittore e scultore di talento, ma anche scenografo, costumista, pubblicitario, designer e maestro nelle arti applicate. Il volume presenta oltre novanta opere - tra dipinti, arazzi, tarsie, mobili, sculture, scenografie teatrali, bozzetti, libri e schizzi - che ripercorrono l'iter creativo di Depero dalla sua adesione al futurismo sino alle realizzazioni degli anni Quaranta e Cinquanta. I capitoli del catalogo analizzano l'intenso rapporto con la pubblicità, di cui fu uno dei primi artisti a comprenderne le implicazioni - significativo in tal senso il lungo sodalizio stretto con la Campari - ma anche lo stretto legame con il teatro e la danza, la fondamentale esperienza americana vissuta durante il soggiorno a New York dal 1928 al 1930, fino alle tappe che hanno condotto alla nascita di Casa Depero. Il volume, accanto ai saggi dei curatori, accoglie una serie di testi selezionati dello stesso Depero, e apparati biografici.

Daniel Buren (Boulogne-Billancourt, 1938), affermato artista internazionale, lavora in situ, creando opere pensate su misura per un determinato luogo e un determinato pubblico, uniche e irripetibili. Lo fa dialogando con l'architettura di musei e gallerie, ma anche intervenendo direttamente in spazi urbani come piazze, giardini, ponti. Valendosi di uno "strumento visivo" invariabile - l'alternanza di strisce verticali bianche e colorate di 8,7 centimetri - Buren indaga da oltre trent'anni i rapporti fra l'opera d'arte, il luogo in cui prende corpo e lo spettatore. Questo volume presenta gli interventi realizzati per il Parco Archeologico di Solacium e il museo MARCA di Catanzaro.

Il volume è il catalogo della mostra di Roccetta di Borgia, 31 luglio-3 novembre 2009. "Splashbuilding, le grandi installazioni di Dennis Oppenheim che campeggiano nella cornice del Parco di Scolacium, più che fantascientifiche sculture monumentali o celibi macchine di eredità duchampiana sembrano architetture disabitate, poste lì a scompaginare la percezione tradizionale del luogo archeologico, disabitato per eccellenza. [...] Dalla prima edizione del 2005, l'idea guida, o meglio la scommessa del progetto Inserzioni è quella di far rivivere il Parco di Scolacium attraverso il dialogo con l'arte contemporanea e con i linguaggi del presente. Il recente lavoro di Oppenheim, scelto da Alberto Fiz per questa quarta puntata della rassegna, ben si sposa con l'iniziativa e con le peculiarità di un contesto archeologico straordinario dove si sono stratificati, nei secoli, segni diversi e tutti ben leggibili, che costituiscono un vero e proprio paco della memoria." Francesco Prosperetti

Gino Marotta (Campobasso, 1935) è generalmente noto per essere uno degli artisti più innovativi degli anni sessanta che con le sue sculture in metacrilato ha sviluppato, con ambiguità e ironia, una dimensione artificiale della natura destinata ad anticipare talune ricerche recenti su tecnologia e virtualità. Ma questo è solo un aspetto di un artista multiforme (ha collaborato, tra l'altro, con Carmelo Bene) che ha realizzato una ricerca più vasta e ancora in parte sconosciuta. Quello che emerge in questo volume curato da Alberto Fiz è il Maretta che nella seconda metà degli anni cinquanta, poco più che ventenne, sfida le convenzioni dell'arte attraverso le sperimentazioni sui materiali dando vita a opere per certi versi sorprendenti come le Sabbie, i Piombi, gli Allumini o i Bandoni. A Roma, nella città dov'erano confluiti Mark Rothko e Willem De Kooning, Franz Kline e Cy Twombly, l'artista molisano sa bene da che parte stare e dopo aver rifiutato l'accademismo informale si dedica a un'indagine che suscita l'immediato interesse dei maggiori critici di allora, come Emilie Villa, Franco Russoli, Cesare Vivaldi e Lionello Venturi. Sono opere fluide, quelle proposte da Maretta negli anni cinquanta, dove il segno si affossa e lascia la sua impronta indelebile sulla matrice all'apparenza morbida della superficie. I segni si associano al nostro senso di smarrimento nella ricerca di un'apparente logicità; ora sfumano nel buio, ora si smarriscono nella luce mercuriale.

Cinquanta capolavori dell'arte italiana e internazionale presentati al pubblico per la prima volta ricostruiscono un nuovo capitolo del consistente collezionismo privato italiano. Attraverso i quadri e le sculture viene narrata la storia di una passione viva per l'arte moderna. Accanto a una serie di opere del primo '900, di Giacomo Balla, Felice Casorati, Giorgio Morandi, Alberto Savinio, trovano posto lavori dei più importanti protagonisti della storia dell'arte internazionale: da Emilio Vedova a Lucio Fontana, a Piero Manzoni ad Alberto Burri, da Anselm Kiefer a Chen Zhen.